sábado, 31 de octubre de 2015

LECTURAS DRAMATIZADAS BRASILEÑAS
El segundo ciclo de lecturas dramatizadas que se integran dentro del ciclo Una mirada al mundo abordan textos brasileños, yo solo he podido disfrutar de dos de los cuatro que se subieron a escena.
Los autores de los textos: Silvia Gomes y Pedro Bricio
EL CIELO CINCO MINUTOS ANTES DE LA TEMPESTAD de Silvia Gomes
Dirección: Juan Ollero
Reparto: Isabel-Rosa Savoini; Denise-Lola Manzano; Arthur-Toni Misó
Silvia Gomes en esta obra nos narra la historia de una familia desestructurada, donde la hija enferma vive encerrada con su madre que es enfermera y se encarga de cuidarla y donde el padre aparece y desaparece. La obra es muy abierta, la linea entre realidad e imaginación es muy difusa y permite que cada uno imagine las circunstancias que rodean a cada uno de los personajes a través de las pinceladas que la autora nos regala. Es una obra muy dura, pero muy interesante donde la autora reflexiona sobre la forma de afrontar las frustraciones. La puesta en escena no se limita a una lectura sino que hace una recreación muy hermosa a través del vestuario y una sencilla escenografía que ayuda a seguir la lectura de forma muy amena.
TRABAJOS DE AMORES CASI PERDIDOS de Pedro Bricio
Dirección: Claudia Tobo
Reparto: Actor 2-Enrique Corrales; Actriz 1-Irene Curieses; Actor 1-Andrés Requejo; Actriz 2-Ana Varela.
Pedro Bricio trata la vida cotidiana de un grupo de jóvenes y sus inquietudes tanto profesionales como personales (desde su trabajo a sus relaciones personales pasando por su deseo de ser padres), pero sin dar respuestas. 
Como en el caso de las lecturas griegas tras cada una de las mismas se ha desarrollado un encuentro con los directores, los autores y los actores. Muy interesante siempre, para entender los textos, escuchar lo que los autores quieren contarnos y el contexto en el que lo hacen, y también ver como se enfrentan al reto tanto los directores a los que les llega la obra, como los actores que tienen que darle vida. 
Impresionante también en esta ocasión el magnifico trabajo desarrollado teniendo en cuenta que se han montado las lecturas en apenas tres días. 
EL BURLADOR DE SEVILLA
En el teatro Español se esta representando El burlador de Sevilla texto atribuido a Tirso de Molina y que en esta ocasión sube a escena en versión y dirección de Darío Facal. 
Acudí a ver esta versión de El burlador de Sevilla porque había visto la puesta en escena de Las amistades peligrosas que había realizado el propio Facal y me había gustado mucho su forma de despojar la escena de elementos escenográficos y su forma de integrar la música con la acción, consiguiendo un espectáculo interesante capaz de emocionarte con una apuesta original y diferente. Sin embargo, El burlador de Sevilla no tiene nada que ver, me encantan los clásicos y me encanta ver versiones actualizadas de los mismos (El Macbeth de Calixto Bieito, el Ricardo III de Rigola o El misántropo de Miguel del Arco son impresionantes y sin duda nadie dirá que se ajustan a una puesta en escena clásica). 
Todos los actores actúan micrófono en mano (cosa que hace mas inexplicables que se hable en ocasiones a gritos) circunstancia que creo que condiciona bastante la interpretación, sin olvidar que continuamente tenían que estar pendientes de que no se enredaran los cables, cosa que también dificultaba el movimiento escénico. Además la puesta en escena también cuenta con proyecciones de vídeo, interesantes las que reproducen lo que pasa en escena (orgasmo de la Duquesa Isabela o la escena intima de la cabaña entre Don Juan y Tisbea), el resto solo distraen, y con mucha música. Aunque hay momentos estéticamente muy potentes, en general lo que se consigue es que la obra se pierda bastante. El ecléctico vestuario tampoco ayuda mucho. 
Se percibe que los actores se han entregado totalmente, pero salvo algunos momentos muy puntuales falta ritmo y emoción, la obra resulta aburrida, se hace larga y tediosa, y las interpretaciones resultan bastante planas incluso sosas, cuando no un poco sobreactuadas (como en el caso de el Duque Octavio), el verso sale bastante maltradado. De Manuela Vellés (Tisbea) solo salvaría el monologo en el que después de ser burlada por Don Juan, rodeada de un coro, y cerilla en mano muestra su desgarro "¡fuego, zagales, fuego, agua! amor, clemencia, que se abrasa el alma." . Del resto me quedo con Emilio Gavira (el Rey), fantástico siempre, y Agus Ruiz (Catalinón) que me pareció magnifico, y es una lastima porque hay mucho talento desperdiciado entre el resto del elenco. 
Sin duda la intención no era mala pero la resolución para mi no acaba de funcionar ni de emocionar.

lunes, 12 de octubre de 2015

LIBERTO
Liberto llega al teatro de La Abadía después de convertirse en el espectáculo revelación en la escena catalana. En el escenario Gemma Brió que da vida a la madre acompañada por Tàtels Pérez y la cantante de rock Mürfila.
El argumento: una madre relata los quince días de vida de su hijo y cómo pasan, ella y su pareja, desde la explosión de felicidad de la noticia del embarazo, hasta la dolorosa certeza de que lo mejor que le puede pasar a su hijo es que muera.
Viviendo en un carrusel de emociones, ante ella pasa todo lo que la rodea, la enfermedad, la muerte, su vida futura, las dudas, el dolor y las contradicciones al enfrentarse a algo tan duro como lo que esta viviendo. Para poder narrar esta tragedia se ayuda de dos cómplices, una amiga (que dará voz al resto de implicados ausentes) y una cantante de rock, palabras y música para dar cuerpo a un espectáculo que mezcla realidad y ficción.
Gemma Brió que se estrena con esta obra como dramaturga, construye este espectáculo partiendo de una experiencia real y dolorosa.  La obra que parece actuar como un ejercicio catártico no se olvida de retratarnos el mundo hospitalario (tanto las consecuencias de los recortes como el trato del personal, unas veces distante otras cercano y humano) o las trabas burocráticas con las que uno tropieza.
La historia es una reflexión dura que habla de la espera, el tiempo, la amistad, la familia y las dudas y contradicciones al enfrentarse al dolor y a la muerte, contada con rabia a veces pero con humor e ironía en otros momentos. No es un relato lineal, sino que salta de adelante hacia atrás, combinando los momentos mas oscuros con otros mas claros o dulces para intentar dar sentido a un momento muy caótico en la vida de la protagonista ("claridad llena de vitalidad y esperanza y oscuridad llena de rabia y dolor" en palabras de Norbert Martínez director de la obra).
Una obra arriesgada y sincera que mas allá de conceptos morales pone sobre las tablas realidades y tabúes como la vida digna o la eutanasia y lo hace con valentía. 

sábado, 10 de octubre de 2015

LA PIEDRA OSCURA
Una habitación de un hospital militar, dos hombres que no se conocen y que están obligados a compartir las horas terribles de una cuenta atrás que quizá termine con la muerte de uno de ellos al amanecer. Un secreto envuelto en remordimientos y un nombre que resuena en las paredes de la habitación: Federico. Queda tan solo la custodia de unos documentos y manuscritos como último gesto de amor. Inspirada en la vida de Rafael Rodríguez Rapún (estudiante de Ingeniería de Minas, secretario de la Barraca y compañero de Federico García Lorca en los últimos años de sus vidas). Este es el argumento de un bello texto que firma Alberto Conejero y dirige Pablo Messiez y que se puede disfrutar en la Sala Princesa del Teatro María Guerrero un espacio agradable, intimo y acogedor donde siempre es agradable disfrutar de obras de pequeño formato especialmente si son tan apasionantes como La piedra oscura. 
La ambientación es impecable tanto el espacio escénico, con esa patina que cubre los muros de ese hospital y que nos hace tener la sensación mas de estar en una prisión que en un hospital, como el vestuario ambos obra de Elisa Sanz, la iluminación de Paloma Parra crea un ambiente entre intimo y tétrico y sobre todo el espacio sonoro  a cargo de Ana Villa y Juanjo Valmorisco que puebla esa larga noche de ruidos amenazadores. Un acierto el detalle de cubrir la butacas con camisas ensangrentadas para hacer presentes a tantos muertos y desaparecidos durante la guerra (asignatura que todavía tenemos pendiente). 
En cuanto a los protagonistas están soberbios. Rafael (Daniel Grao) es el hombre maduro que se recupera de sus heridas en una cama del hospital, un hombre lleno de ilusiones y de confianza, a pesar de su situación, hasta que le vemos desmoronarse al hacerse consciente de que al amanecer será fusilado, esta esplendido, impresiona su interpretación, sin apenas moverse en toda la obra de la cama en la que esta postrado, sereno y valiente a pesar del miedo que se le nota en la voz y en los gestos cuando va llegando su hora. Sebastián (Nacho Sánchez, del que ya se pudo disfrutar este verano en la estupenda shoot/get treasure/repeat en Frinje15) es el joven carcelero, un muchacho sumido en el desanimo a causo de los estragos que la guerra ha hecho en su vida, una vida que apenas había comenzado, vive permanentemente asustado y sin ilusiones, no espera nada del futuro, solo que pase todo, es maravillosa la interpretación que nos regala, la tensión con la que se mueve, sus gestos nerviosos y la mirada angustiada e intensa con la que expresa tanto como con sus palabras. 
En ambos hay mucha verdad y mucha sensibilidad. 
Una obra que habla de los horrores de la guerra, del miedo y de las relaciones humanas en las distancias cortas, en circunstancias concretas y lejos de los grandes ideales, donde el miedo al olvido es tan doloroso como la propia muerte "no voy a desaparecer del todo, ¿verdad?" y donde dos hombre que parten de dos realidades totalmente separadas acaban fundiéndose en un abrazo y llorando juntos. 
Un texto intimo, hermoso y estremecedor que hace que se te forme un nudo en la garganta e incluso asomen algunas lágrimas, porque la sinceridad y la verdad del texto te sobrecoge y te emociona.

martes, 6 de octubre de 2015

FAMÉLICA
Si tu trabajo no te apasiona, si tu trabajo no coincide con tu pasión, si tu trabajo te parece desagradable pero inútil, un gesto, una mirada, una palabra pueden en cualquier momento traicionarte. Si así fuese, en cualquier momento podrías ser convocado a cierto proyecto cuyo nombre no puedo por ahora desvelar. El nombre quizá te parezca inadecuado, pero ¿qué importa como se llame si por fin vas a ser feliz allí, ¡en tu puesto de trabajo!?. Se trata de una obra de Juan Mayorga surgida de madrugada según cuenta "Me desperté a las tres de la madrugada y apenas pegué ojo después. Pero estoy contento porque imaginé una obra que empieza así: dos hombres bien trajeados entretienen la espera. Llega un tercero, así mismo bien trajeado. Antonio: 'Adelante. Enrico'. Enrico: 'Yo no me llamo Enrico'. Palmiro: 'Aquí si'. No sé si me desperté por el impulso de escribir la obra o si imaginé la obra en el impulso del insomnio". Y así comienza Famélica, obra escrita por Mayorga para la compañía la cantera que se estrenó en el Teatro del Barrio y que ahora continua en cartel en Lara. 
Mayorga parte de que el mundo de la empresa esta llena de mentiras y de mentirosos, donde los empleados en muchos casos tienen que ocultar que aborrecen su trabajo para poder conservarlo y los directivos tienen que ocultar su incapacidad para dirigir nada. En este contexto Enrico, por Enrico Berlinguer (Juanma Diez) es reclutado por dos compañeros Antonio (Xoel Fernández) y Palmiro (Rulo Pardo), por Antonio Gramsci y Palmiro Togliatti respectivamente (todos miembros del partido comunista italiano). Su idea es como le explica Antonio "tenemos que hacer lo que los chinos, pero al revés. Ellos edifican el capitalismo dentro del comunismo; nosotros, el comunismo en el capitalismo", además de conseguir una red solidaria a través de una sociedad secreta o pequeña célula comunista en la que la tristeza, la desazón en incluso la desidia en el trabajo se transformen en un entorno feliz donde cada uno pueda dedicarse a sus aficiones y desarrollarse como personas. El problema empieza cuando aparece Rosa, por Rosa Luxemburg (Nieve de Medina), surgen pequeñas células anarquistas, y el sistema que Antonio y Palmiro habían organizado tan bien, comienza a tambalearse. 
Mayorga hace una disección muy inteligente de la situación empresarial actual al tiempo que analiza los vaivenes de la izquierda europea desde el siglo XIX. 
Estupenda la escenografía que diseña Carmen Lara Cuenca (mínima pero impecable, especialmente la puerta que da mucho juego) que junto a la iluminación de Maykel Rodríguez crean el entorno perfecto para ambientar esta alocada sátira totalmente surrealista dirigida magistralmente por Jorge Sánchez que consigue mantener un ritmo ágil y dar un aire fresco a esta divertida comedia.  
Los actores Nieve de Medina, Juanma Diez, Xoel Fernández y Rulo Pardo están fantásticos manejando la comedia perfectamente y regalándonos cuatro personajes llenos de matices. Sin duda una deliciosa experiencia disfrutar de esta comedia que nos cautiva con un fantástico texto y unos geniales artistas.
"Si nuestras pequeñas mentiras funcionan es porque en esta empresa todo es una gran mentira. Es lo primero que aprendes aquí, y en la sociedad en general: si ves algo extraño o absurdo, no se te ocurra preguntar, mira hacia otro lado. Estamos tan acostumbrados a decir mentiras y a escucharlas sin protestar, tan acostumbrados a vender y comprar mentiras, que la mentira se nos ha vuelto natural como el aire que respiramos. Falseamos cifras, falseamos palabras, nos falseamos a nosotros mismos. La base de nuestro proyecto es la mentira que se ha adueñado del corazón de esta sociedad".

lunes, 5 de octubre de 2015

LECTURAS DRAMATIZADAS GRIEGAS
Dentro de Una mirada al mundo que los últimos años se ha desarrollado en el Centro Dramático Nacional y donde se pueden ver propuestas teatrales llegadas de distintos lugares del mundo, este año se ha incluido también tres ciclos de lecturas dramatizadas semimontadas de autores contemporáneos, que se completaban con un encuentro del equipo técnico y artístico con el publico al terminar las lecturas.

Los tres autores, de izquierda a derecha: Yanis Kalavrianos, Lena Kitsopulu y Andreas Flourakis.
El primero de estos ciclos ha estado dedicado a Grecia e incluía:
HIJOS E HIJAS de Yanis Kalavrianos
Dirección: Juana Casado
Reparto: Luis Moreno, Pedro G. de las Heras. Celia Bermejo, Rosa savoini y la violinista Andrea Szamek
Una obra deliciosa que hace un recorrido por los principales hechos históricos que han sucedido en Grecia (Guerra Mundial, ocupaciones, Guerra Civil, etc) a través de las historias de gente anónima que las ha vivido en primera persona. Los cuatro actores, tienen que saltar sin apenas tregua de un personaje al siguiente para contarnos todas esas pequeñas historias de familia, de amor y de amistad que se desarrollan mientras la Historia avanza sin tregua. Un texto muy poético que te acerca a un pedazo de la historia, en mi caso bastante desconocida.
M.A.R.I.L.U.L.A. de Lena Kitsopulu
Dirección: Juan Ollero
Reparto: Ainhoa Pareja
Una obra muy dura donde una mujer de 37 años decide poner fin a su vida. Sentada en un sillón en su casa se va despidiendo, fumando y tomando pastillas mientras repasa todo lo que hace que no pueda soportar seguir adelante. Ainhoa Pareja hace una interpretación fantástica, especialmente teniendo en cuenta el poco tiempo de preparación con la que han contado los actores para preparar estas lecturas, que en el mejor de los casos han sido tres días.
EJERCICIOS PARA RODILLAS FUERTES de Andreas Flourakis
Dirección: Claudia Tobo
Reparto: Teresa Espejo (chica), Laura Ordás Amor (mujer), Andrés Requejo García (hombre), Tito Rubio Iglesias (joven chico)
En este caso se trata de una obra de máxima actualidad escrita por Andreas Flourakis en 2011, cuando en palabras del propio autor, la crisis empezaba a azotar a Grecia. La obra trata muchos temas, desde el capitalismo salvaje, que ha precarizado las condiciones laborales sin miramientos y en la mayoría de los casos sin justificación alguna, hasta la fuga de capitales que sin escrúpulos han descapitalizado medio país. La obra también aborda temas mas personales como las secuelas que dejan las carencias afectivas, así como otros mas políticos como el coqueteo de los jóvenes acomodados de colegios privado con los movimientos neonazis como el de Amanecer Dorado. Es impresionante el trabajo de los actores que en tres días han hecho practicamente una puesta en escena completa.
Muy interesante interesante el acercamiento a la cultura griega a través de textos contemporáneos y realmente admirable el trabajo de directores y actores para poner en escena unos trabajos tan fantásticos en tan poco tiempo.

domingo, 4 de octubre de 2015

MILAGRO en CASA de los LÓPEZ
Después de pasar el verano en la terraza del teatro Galileo Milagro en casa de los López aterriza ahora en el teatro Infanta Isabel. Estamos ante una comedia de Miguel Mihura que adapta y dirige Manuel Gancedo y que produce Juan Antonio Molina. Milagro en casa de los López es como casi todas las comedias de Mihura absurda y surrealista. Mercedes y Jerónimo son un matrimonio acomodado que vive desde hace diez años encerrado en su chalet de lujo con jardín con la sola compañía de sus criados Teresa y Jacinto. Los dos tienen sus propios argumentos para no abandonar su encierro aunque ambos reconocen que el tedio se les esta haciendo cada vez mas insoportable, ambos fantasean con que ocurra algo excitante que les saque de esa monotonía insufrible. A partir de aquí, con la llegada de Elvira de Jesús y Cristóbal, dos huéspedes, comienza un enredo en el que se verán inmersos todos los personajes, plagado de situaciones tan absurdas que hacen que lleguen a plantearse la existencia de un autentico milagro. 
Gancedo ha traído la acción a nuestro presente, con una escenografía representa un salón de cualquier casa acomodada con televisión de plasma incluida (dos en su caso), y un vestuario que resulta un tanto incoherente, mas convencional el de los señores frente al atuendo un poco disparatado de los criados (yo al menos no entendí porque) . 
En cuanto al elenco destaca especialmente Nuria González que esta fantástica manejando su lado mas gamberro de forma impecable, donde también están muy bien Ana Mato y Carlos Chamorro, que saben sacar la parte mas cómica de sus personajes, el resto se pierden un poco en un maremagnum de gesticulaciones excesivas que hacen que se pierda un poco el texto. 
Personalmente salí con una sensación agridulce porque lo que podía haber sido una comedia muy divertida se quedo en una obra entretenida que apenas arranca sonrisas de vez en cuando.

sábado, 3 de octubre de 2015

REIKIAVIK
Reikiavik es una obra escrita y dirigida por Juan Mayorga que se puede disfrutar en la sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán. Partiendo del campeonato de ajedrez que se disputo en plena guerra fría entre el estadounidense Bobby Fischer y el soviético Boris Spasski y que se conoce como el "Match del Siglo" Mayorga nos regala una historia que nos habla sobre ajedrez, sobre la guerra fría, sobre el comunismo y el capitalismo y sobre la relación de dos personas, que sin conocerse mas allá del parque en el que se encuentran, disfrutan de sus encuentros recreando una y otra vez el duelo del siglo. La obra comienza cuando un joven que pasea por un parque, camino del colegio donde debe enfrentarse a un examen final, global, oral,  no puede evitar la tentación de pararse ante un tablero de ajedrez donde hay una partida abandonada, el muchacho acabará siendo testigo excepcional de la recreación que hacen Waterloo y a Bailén, del duelo entre Fischer y Spasski, una recreación meticulosa basada en un libro encontrado al azar, también en un parque, pero siempre introduciendo variantes en el ritual que comparten cuando se encuentran. 
La puesta en escena es impecable todo encaja como un guante, desde la escenografía hasta el espacio sonoro pasando por la iluminación y el vestuario. 
En un escenario practicamente vacío, habitado tan solo por una mesa, (como tantas de las que pueblan nuestros parques), donde reposa un ajedrez, es donde por primera vez Waterloo y Bailen representan su ceremonia delante de un testigo. Los dos saltan continuamente del pasado al presente, de la realidad a la ficción, de un personaje al siguiente en un carrusel perfectamente coreografiado que te atrapa desde el primer momento, con un ritmo impecable que te lleva en volandas a través de la historia. 
Pero sin duda la guinda son el impresionante trio protagonista, César Sarachu (Waterloo) brillante y muy expresivo, Daniel Albaladejo siempre sobrio y elegante y la maravillosa Elena Rayos, llena de frescura, elocuente en los silencios y tierna en sus intervenciones (cuando tararea por error el himno de Riego por ejemplo), capaz de mostrar el gran cambio que experimenta su personaje. Resulta realmente fascinante disfrutar de su expresividad, de sus gestos y de los sutiles matices de voz con los que construyen los distintos personajes.
Una magnifica historia, con unos actores soberbios ideal para pasar una fantástica tarde de teatro.