lunes, 24 de febrero de 2014

LA DOULEUR
Ha llegado a la sala Fernando de Rojas del Circulo de Bellas Artes "La Douleur" de Marguerite Duras, la adaptación teatral de los diarios que la autora publico en 1985, momento en que la autora los encuentra en su residencia de campo "encontré este diario en dos cuadernos de los archivos azules de mi casa de campo. No guardo ningún recuerdo de haberlo escrito. Reconozco mi letra y el detalle de lo que cuento. ¿cuando lo escribí, en que año, a que hora del día? no sé nada". Se trata de un intenso y estremecedor relato autobiográfico que la autora francesa escribió en los últimos días de la Resistencia. 
"La Douleur" plasma la experiencia vivida por la autora durante la II Guerra Mundial desde que se casa con Robert Antelme hasta que este regresa después de ser liberado del campo de Dachau. A pesar de volver con vida sus secuelas son evidentes tanto física como psicológicas. Marguerite Duras, una mujer comprometida políticamente en la Resistencia y en el partido Comunista, no se limita a narrarnos la angustia y la soledad que siente al no tener noticias de Robert, además de describir el horror de los crímenes nazis, también repasa el papel y los discursos de otros políticos de la época como De Gaulle por ejemplo, dejando claro el conflicto moral y político de la justicia en una época de vencedores y vencidos. 
La escenografía es sencilla pero efectiva apenas un sofá, una mesa y un perchero (portador del vestuario que nos va a llevar a través del tiempo). La iluminación muy tenue ayuda a incrementar el ambiente intimo en el que se mueva esta mujer angustiada al borde de la locura. 
Valery Tellechea hace una recreación conmovedora y consigue mantener la intensidad de un texto nada sencillo en el que las emociones siempre son extremas, llena de angustia y de miedo que la llevan casi a sentir que esta muerta en vida, mientras espera el regreso de un marido al que ya no conoce. Un texto duro y complejo que sin duda no dejara indiferente a nadie. 
Me encanto la interpretación de Valery Tellechea y creo además que tiene doble merito, sobre todo teniendo en cuenta que tiene que ser muy difícil entrar en un texto tan duro, cuando de fondo se oye continuamente música de discoteca, una autentica pena.

domingo, 23 de febrero de 2014

EL MINUTO DEL PAYASO
La compañía Teatro el Zurdo presenta, todos los jueves de febrero, en la sala Kubik Fabrik, en el madrileño barrio de Usera, "el minuto del payaso" una obra de José Ramón Fernández que dirige Fernando Soto y protagoniza Luis Bermejo. 
El día del Festival de homenaje al Circo, una función benéfica, van pasando números mientras un payaso espera su turno, hay además un productor que le ha propuesto hacer un numero diario en la tele, siempre el mismo, y que dure un minuto, para que mas piensa el protagonista "en un minuto Charlie Rivel nos hacia llorar de risa, y Tomas Poltrona nos calienta el corazón. La gente entra con toda su mierda y con todo su mundo hijo de puta, y en un minuto se lo arrancas y lo tiras lejos". En ese tiempo de espera, el payaso va repasando su pasado y su presente, él, que es hijo de un payaso de cara blanca y de la mujer forzuda sueña con ser domador de elefantes, pero acabara siendo payaso, un payaso de nariz roja. A lo largo de una hora seremos participes de sus miedos, sus anhelos, sus recuerdos y sus deseos, y conoceremos a las personas que marcaron su vida, sus padres, el Chino de Burgos... daremos un hermoso y melancólico paseo por el circo y por la vida.
Luis Bermejo realiza un impresionante trabajo actoral, lleno de emociones que tan pronto de hace reír a carcajadas como te ponen un nudo en la garganta. Grande Bermejo.
Un espectáculo cálido y cercano con un ritmo sosegado, que reflexiona sobre la vida, emoción en estado puro. Una joya escénica que no se debe dejar escapar.
HÉCUBA
Llega a Madrid Hécuba, que tras ser estrenada en el festival de Mérida recala ahora en el teatro Español. La tragedia de Eurípides, que en esta ocasión versiona Juan Mayorga y dirige José Carlos Plaza, nos cuenta como tras el saqueo de Troya, la flota de los griegos esta a punto de partir y las troyanas están siendo sorteadas como una parte mas del botín de guerra. Hécuba la reina de Troya, que ha nacido en un palacio, que ha tenido hijos destinados a ser reyes o a casarse con reyes, y que ha visto como Priamo, su marido y todos sus hijos morían, como sus hijas han sido sorteadas o sacrificadas por los vencedores, además de sufrir todo esto tiene que vivir en sus propias carnes y como última humillación final acabar sus días como esclava en un país extranjero lejos de sus raíces y de sus muertos. 
El montaje nos sitúa en una playa llena de restos en la que vemos los restos de una dura guerra, la iluminación y el humo que inundan la escena contribuyen a aumentar el ambiente angustioso y trágico en el que se mueven los protagonistas. Una escalinata al fondo y el vestuario rico pero ajado en el caso de ellas y mas elegante en el caso de ellos ubica perfectamente a los vencedores frente a las vencidas. A los largo de la obra el coro entona varias canciones que resultan para mi terribles, están fuera de lugar, no aportan nada y se cargan la tensión dramática, desde mi punto de vista hubiera sido mejor eliminarlas. 
El elenco está formado por actores brillantes, empezando por José Pedro Carrión en el papel de Ulises, impresionante con ese aplomo y esa imponente voz que llena el escenario, Juan Gea como Agamenón que trasmite toda la chulería del que se siente por encima de todo, pero a la vez la inseguridad del que tiene que demostrar que se merece seguir ostentando el poder que tiene por méritos propios, sin mostrar debilidades. Luis Rallo (Polidoro) todo inocencia pidiéndole a su madre que vengue su muerte, maravilloso Alberto Berzal (Taltibio) el heraldo de Agamenón, encargado de narrarle a Hécuba como ha sido sacrificada su hija Polixena sobre la tumba de Aquiles, que emociona narrando la dignidad con que ha muerto y la admiración que ha despertado entre todos los que lo han visto. Polixena encarnada por María Isasi, y que esta fantástica manteniendo su personaje entre el sufrimiento y el orgullo, aliviada porque va ha morir dignamente en lugar de ser subastada para vivir el resto de su vida como esclava, y que nos emociona con todo el dolor que siente especialmente por su madre. En cuanto a Concha Velasco en el papel de Hécuba esta soberbia, sobria, desgarrada, digna y sufrida todo a un tiempo, impresiona cuando grita "¡No me llaméis Hécuba, llamadme desgracia...!". 
Pero a pesar de todo, y aunque parezca mentira, no sabría decir porque, pero el conjunto no acaba de conmoverte, es como si asistiera a un conjunto de buenas escenas que se suceden unas detrás de otras pero sin una continuidad que haga de todo un conjunto, te quedas un poco frío. 
Una pena que con tan buenos actores, con una escenografía tan currada, con un buen director y con un grandísimo dramaturgo firmando la versión, el resultado acabe siendo tan poco emocionante.

sábado, 22 de febrero de 2014

EL CABALLERO DE OLMEDO
Lluís Pasqual se encarga de subir a escena esta obra de Lope de Vega con un elenco compuesto por once actores, parte provenientes de La Kompanyia, sección joven del Lliure y parte de "la joven", nombre por el que se conoce a la cantera de actores en periodo de aprendizaje de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, todos ellos acompañados por una fantástica actriz veterana, Carmen Machi, en el papel de Fabia y que actúa un poco de maestra de ceremonias. 
El escenario dispuesto como un espacio diáfano, solo con unas sillas dispuestas como en un cuadro flamenco donde esperan su momento los actores que no están participando en escena, y el vestuario de Alejandro Andujar le dan a la obra un aire como de ensayo general, de fondo una gran pantalla donde se proyecta una gran luna llena en la tragedia nocturna y un gran sol en la escena de la corrida. La iluminación impecable, y por supuesto la música fantástica, el flamenco de va como anillo al dedo a la obra y el tango también encaja como un guante en la narración. La versión deja la representación en noventa minutos, se centra fundamentalmente en la historia de amor entre Don Alonso y Doña Inés (personalmente me hubiera gustado una versión menos resumida), pero eso no le hace perder ningún encanto. 
El elenco consigue que la puesta en escena resulte fresca y desenfadada, todos están estupendos, sin que nadie se aparte del tono general, me han gustado especialmente Pol López (Tello) dándole un acento andaluz a su papel de gracioso que le va muy bien y sin duda emocionante en su monologo final, Francisco Ortiz (Don Rodrigo) que le imprime una enorme fuerza a su personaje, Mima Riera (Doña Inés) toda ternura, muy elegante y desgarrada y por supuesto Carmen Machi (Fabia) inmensa y llena de recursos para recrear a la alcahueta, que grande es la Machi. 
Una obra muy poética, muy entretenida y muy bien interpretada, que nos acerca a nuestros clásicos de forma muy amena.

lunes, 17 de febrero de 2014

CUESTIÓN DE ALTURA
"Cuestión de altura" es una obra de Sandra García Nieto, que dirige Ruben Cano en la sala pequeña del teatro Español, que nos cuenta como Ruben (Martiño Rivas), un joven y prestigioso psicólogo lo tiene todo. Es alto, guapo, tiene las mujeres que quiere y vive en un bonito apartamento, es en definitiva un triunfador. Pero al despertarse, después de una noche de borrachera, en la que se ha acostado con la novia de su mejor amigo, al mirarse al espejo no reconoce la imagen que este le devuelve, que es ni mas ni menos que Tomas Pozzi con su acento argentino incluido. A partir de aquí entramos en una historia de espejos en la se hace una feroz critica a una sociedad en la que siempre tenemos que proyectar una imagen de éxito, cosa que nos hace vivir siempre divididos entre lo que queremos ser, lo que los demás creen que somos y lo que somos en realidad. "Cuestión de altura" deja claro que el éxito no da la felicidad por si mismo y sobre todo que de vez en cuando es necesario mirarse al espejo, pero mirarse de verdad a los ojos, aunque no nos guste la imagen que nos devuelve el espejo. 
Con una escenografía elegante y austera pero efectiva y una iluminación algo oscura acorde con las sombras que proyecta la propia historia, nos adentramos casi en la mente de Ruben y vemos a los dos actores, realmente, como parte de un mismo ser. El director ha planteado una puesta en escena trepidante, (quizá excesivamente frenética en algunos momentos), perfectamente coreografiada y muy exigente físicamente para los actores. 
Tomas Pozzi esta impresionante, (que grande es este actor), salta, ríe, llora, baila, lo mismo te hace reír que te mira a los ojos y te hace sentir toda la angustia que lleva dentro viendo lo perdido que se encuentra realmente. Martiño Rivas se ve que ha crecido mucho como actor y consigue salir airoso, nada fácil, enfrentándose a Tomas Pozzi. 
"Cuestión de altura" un curioso juego que mezcla humor y drama, lleno de diálogos surrealistas, una obra interesante y un poco loca, muy bien interpretada.

domingo, 16 de febrero de 2014

EJECUCIÓN HIPOTECARIA
La compañía K producciones presenta en la sala Mirador "ejecución hipotecaria" de Miguel Ángel Sánchez, una obra basada en un caso real que sucedió en Kalsruhe (Alemania) donde un hombre de cincuenta y tres años, parado y que va a ser desahuciado recibe a la comisión judicial y al nuevo propietario escopeta en mano, un hecho terrible que acabó con los secuestrados muertos y el secuestrador pegándose un tiro.
Sobre las tablas vemos como una comisión judicial se va ha enfrentar al primer desahucio de su jornada laboral, una joven agente judicial muy afectada por lo que esta viviendo en su trabajo, su jefe al que ya no le afecta casi nada, el cerrajero, un inmigrante con un hijo enfermo sin los papeles en regla que no sabe si va a ser atendido en un ambulatorio, y un policía municipal con un punto racista.Cuando llegan a la casa para desahuciar a Rosa, la propietaria, se encuentran con su compañero Charly que armado con una escopeta les secuestra mientras que espera que llegue el nuevo propietario del inmueble que no es otro que un banco. Charly no es perfecto pero tampoco es una persona mala o despreciable, a través de diferentes flashbacks vamos viendo que solo es una persona que ha perdido su trabajo y que se da cuanta que esta inmerso en una "guerra" (que de momento esta perdiendo) donde nadie te toma en serio si no haces algo extremo.
Una obra que reflexiona y analiza un tema totalmente actual con el que desgraciadamente todos estamos muy familiarizados. La escenografía, nos traslada a un bonito chalet a las afueras, donde se desarrolla toda la acción. En cuanto al elenco impecable del primero al ultimo, (me encanta Adolfo Fernández en el papel de municipal resabiado), donde sin duda destacan Sonia Almarcha en su doble papel de cínica representante del banco y de Rosa la amante compañera de Charly, increíble cambiando de registro continuamente, tan pronto alegre, tan pronto triste, tan pronto segura como tan pronto asustada. Y por supuesto Juan Codina que esta impresionante en un papel complejo sobre el que descansa toda la obra y que nos acerca a la realidad de una persona corriente, superada por las circunstancias, que siempre ha intentado hacer las cosas bien, a la que en circunstancias normales no escucharía nadie.
Impagable la escena final de la mano de Rafael Martín cuando ya creías que la obra había terminado.
Una obra critica y realista que no te deja indiferente, teatro como espacio de denuncia, un texto impactante, un gran elenco y una puesta en escena muy bien dirigida por Adolfo Fernández, muy recomendable.        

jueves, 13 de febrero de 2014

EL POLICÍA DE LAS RATAS
Se trata de la adaptación que hace Àlex Rigola del cuento de Roberto Bolaño, "el policía de las ratas", no es la primera vez que Rigola nos acerca un texto de Bolaño, ya lo hizo con "2666", ambas con formatos y duraciones muy diferentes (alrededor de una hora "el policía de las ratas" frente a mas de cinco de "2666") pero las dos igual de apasionantes. En la que nos ocupa, una obra de intriga y critica social, se nos cuenta la historia de Pepe "el Tira", una rata policía, solitaria y perteneciente a una familia de ratas artistas. Pepe empieza a investigar el misterioso hallazgo de dos ratas muertas una hembra y un bebe rata. Todo resulta muy insólito, especialmente en una sociedad donde se supone que el asesinato no existe y donde el trabajo y la colectividad se imponen sobre todo lo demás. En su mundo el arte se ve como algo extraño, mas digno de de lastima que de admiración. En su empeño personal de desvelar el misterio (incluso sus jefes quieren que deje la investigación) acaba descubriendo algo perturbador, las ratas son capaces de matar a las ratas. 
La obra nos invita a reflexionar sobre el papel del individuo dentro de una sociedad formada por una masa controlada, sin brillos individuales y sin un atisbo de diferencia, donde el arte no tiene cabida. Un relato duro y cruel sobre el mundo bajo las alcantarillas como reflejo de nuestra sociedad alienada, donde desarrollar el espíritu critico resulta peligroso, especialmente en un momento donde los derechos sociales y la justicia están en claro retroceso. 
La puesta en escena es totalmente minimalista, sobre un cuadrilátero blanco solo dos sillas de oficina, dos micrófonos (para resaltar algunos detalles del texto), una bolsa de sangre y una rata muerta de tamaño humano. Los dos protagonistas completamente vestidos de negro, la iluminación muy tenue (no en vano nos estamos desplazando por las alcantarillas), muy poca música, pero como en todas las obras de Rigola, muy bien elegida y perfectamente colocada para resaltar momentos muy concretos, y todo para envolver con mimo el texto. Se establece una conexión entre los actores y el publico, actores practicamente inmóviles que con sus imponentes voces, llenas de matices, y en un ambiente tan intimo, hacen que las palabras lo inunden todo y te estremezcan. 
Joan Carreras es Pepe "el Tira", la rata policía que lleva la investigación, Andreu Benito encarna a una diversidad de personajes secundarios que forman parte de la investigación, son dos actores absolutamente impresionantes que nos introducen en una triste y absorbente historia a través de su impecable narración.
Una joya escénica que no se puede dejar escapar, y que se puede disfrutar en la sala José Luis Alonso del teatro de La Abadía.
 Emoción en estado puro.

miércoles, 12 de febrero de 2014

MONTY PYTHON'S (Los mejores sketches)
L'Om Imprebís e Yllana se unen para presentar "Monty Python, los mejores sketches". Monty Python son los maestros del humor absurdo y surrealista, referente para muchos cómicos actuales, que protagonizaron tanto series de televisión como películas  ("la vida de Brian", "los caballeros de la mesa cuadrada"...). 
Aquí nos ha llegado una versión en castellano donde evidentemente se han adaptado tanto las situaciones como los diálogos para que se entienda perfectamente, digamos pues que es mas un homenaje que una adaptación propiamente dicha. Se trata pues de una sucesión de sketches donde se mezclan situaciones absurdas con referencias a temas de actualidad y todo ello amenizado con momentos musicales, donde no podía faltar la clásica canción del final de "la vida de Brian" "Always look on the bright side of life". 
Los cinco interpretes, de sobra conocidos en nuestros escenarios son Carles Castillo, Sandro Cordero (fantástico siempre), Balbino Lacosta, Ramón Merlo y Carlos Heredia, que están muy divertidos en un ir y venir continuo pasando por un sinfín de personajes. 
Estupenda para pasar un buen rato y sin duda los fans de Moty Python disfrutaran un montón.

martes, 11 de febrero de 2014

LOCOS POR EL TÉ
Elenco completo de "locos por el té"
"Locos por el té" es una comedia francesa escrita por Patrick Haudecoeur y Daniel Navarro que se estrenó en 1990. La obra nos cuenta las peripecias de una compañía de teatro, liderada por Sofía (María Luisa Merlo), una actriz con muchas tablas, (se pasa la obra al borde de un ataque y amenazando con despedirse), que esta ensayando un vodevil de época dirigido por Claire (Esperanza Elipe) una directora inglesa que trata de poner orden en el alocado ensayo. Entre el resto de protagonistas esta Juan (Juan Antonio Lumbreras), un actor sin experiencia y con poco talento que convierte los ensayos en una experiencia de lo mas disparatada, Arturo (José Luis Santos) el marido siempre dispuesto a proponer gags sin ninguna gracia para mejorar la representación, Domingo (Óscar de la Fuente) el sobreactuado mayordomo, Curro (Ángel Burgos) y Chusa (Rocío Calvo) que se pasa la obra, centímetro en mano, para poder acabar el vestuario a tiempo. 
María Luisa Merlo y Juan Antonio Lumbreras
Se suceden las situaciones mas inverosímiles, mientras los actores sobreactúan ensayando sus papeles, la directora intenta poner orden entre la instalación de los decorados, los ensayos de luces y las pruebas de vestuario. Y cuando llega el estreno todo lo que puede salir mal sin duda sale mal. Todos los actores están fantásticos, del primero al último, muy divertidos, especialmente Juan Antonio Lumbreras (¡cuanto talento!) que se mueve como pez en el agua en esta delirante comedia. 
Una comedia disparatada y muy divertida para pasar un buen rato disfrutando de unos actores con mucho talento. No defrauda.
EL ENFERMO IMAGINARIO
El teatro Tarambana, es una sala pequeña y acogedora en el barrio de Carabanchel donde se puede disfrutar de buenas propuestas teatrales. En esta ocasión la compañía catalana Magatzem d'Ars presentó "el enfermo imaginario" de Molière. La puesta en escena sin duda muy atrevida, tanto en la escenografía como en el vestuario predomina el color amarillo (especialmente provocador tratándose del enfermo imaginario), apuesta por actualizar el texto aportando tintes contemporáneos que hacen que la critica se centre en la sociedad actual, la crisis, los brutales recortes en sanidad...etc. Aunque hay algunos altibajos en las interpretaciones, en general resulta entretenida y divertida, y además siempre es bueno poder disfrutar de estas pequeñas salas que dan tanta vida a los barrios.
AMANTES
La obra de teatro "amantes" llega a las tablas procedente del cine y el encargado de hacerlo es Álvaro del Amo que fue también coguionista de la película. La historia, como casi todo el mundo sabrá, nos muestra un triángulo amoroso, en los vértices encontramos a Paco, a Trini y a Luisa. Paco es un joven recién licenciado que llega a la ciudad, donde vive su novia Trini trabaja de criada, para buscar trabajo, y que se hospeda en casa de Luisa, una viuda muy luchadora  y alegre. Paco y Luisa enseguida se convierten en amantes y viven una relación obsesiva de la que Trini sufrirá las consecuencias. 
La acción que se desarrolla a escasa distancia del publico, esta enmarcada en una acertada escenografía toda de madera donde convergen en el centro los dos espacios por donde transita Paco, a un lado la cocina donde trabaja Trini mientras sueña con una vida mejor, y al otro lado la sal del piso de Luisa, y en el centro una plataforma que lo mismo sirve de mesa para los novios que de cama para los amantes y que se asienta sobre una grieta por donde acaban perdiéndose sus vidas. 
El vestuario de época, sencillo, la iluminación, bastante tenue y el diseño de sonido hacen que se establezca un ambiente muy intimo donde no solo vemos como se va precipitando la historia amorosa en la que los tres protagonistas están inmersos, sino que también somos testigos de los recuerdos que les han marcado y les han llevado adonde están. 
En cuanto a las interpretaciones los tres están muy correctos, Natalia Sánchez (Trini) llena de ilusión, muy trabajadora con un punto de inocencia, Marc Clotet (Paco) muy enamorado de Trini pero incapaz de renunciar al amor apasionado de Luisa, y completando el triángulo amoroso Marta Belaustegui (Luisa), una mujer marcada por su pasado, que esta estupenda manteniendo su personaje en un equilibrio perfecto entre fuerza y fragilidad, llena de sensualidad y siempre ambiciosa y luchadora. 
Una obra llena de sentimientos desgarrados y pasiones encontradas que acaba arrastrando a los protagonistas a un callejón sin salida.

lunes, 10 de febrero de 2014

JULIO CESAR
Una de las escenas de la representación
En el teatro Bellas Artes de Madrid se puede disfrutar de este Julio Cesar de William Shakespeare versionado y dirigido por Paco Azorín. En esta versión han optado por eliminar los personajes femeninos (el propio Cesar nos cuenta los sueños de Calpurnia, su mujer, que le advierte que no asista ese día al Senado), y se ha estructurado como una larga noche llena de conspiraciones y de violencia. 
La puesta en escena es totalmente minimalista, un obelisco en una parte y unas sillas en la otra, con las que se va jugando a lo largo de la representación, pero de forma lo suficientemente discreta como para que no distraiga en ningún momento del texto. La iluminación sume la acción siempre en una especie de penumbra, de noche eterna, y el vestuario, muy castrense, remarca la llegada al poder desde la violencia, (la guerra, un asesinato, un golpe de estado...), de fondo hay una gran pantalla que personalmente creo que es totalmente prescindible por que no aporta nada, es mas en algunos momentos incluso distrae. 
Sergio Peris-Mencheta (Marco Antonio) y Mario Gas (Cesar)
El texto tiene una fuerza y una actualidad fuera de toda duda, con dos discursos muy distintos, por un lado el de Marco Antonio (Sergio Peris-Mencheta) nacido de la emoción, del amor incondicional a Cesar, que apela al amor que Cesar sentía por su pueblo, el otro el de Bruto (Tristán Ulloa) nacido del amor a Roma, aun a pesar de su amor a Cesar, que apela fundamentalmente a la justicia y a la libertad, dos discursos opuestos pero en definitiva iguales en el fondo, dos grandes discursos que en realidad solo buscan  manipular al pueblo para que este de su lado. 
Agus Ruiz (Casca) y Tristán Ulloa (Bruto)
José Luis Alcobendas (Casio)
En cuanto al elenco, encabezado por Mario Gas (Julio Cesar) que transmite todo el poder de un gran líder, que disfruta siendo adulado y que por mantener esa imagen no se deja llevar por los temores que le asaltan ni por los malos presagios que asustan tanto a su mujer, esta fantástico. Le acompañan Tristán Ulloa (Bruto) genial en esa lucha interna que mantiene entre el amor a Cesar y su deber para con Roma, en su intento de ser honrado y justo, en su lucha por buscar el bien común; Sergio Peris-Mencheta (admirables sus trabajos como director de escena : "un trozo invisible de este mundo" o "tempestad") y que aquí hace un trabajo impresionante especialmente en el monologo que dirige al pueblo en el funeral de Cesar, se va creciendo por momentos. Y para terminar también me han gustado mucho Agus Ruiz que da vida a Casca, y por supuesto José Luis Alcobendas (Casio), impecable siempre, que hace grande cualquier papel ("la paz perpetua", "Dracula", "medida por medida" y tantas otras). 
Una obra muy interesante para reflexionar sobre el poder, quien lo ostenta y como.

martes, 4 de febrero de 2014

FAEMINO Y CANSADO ¡Cómo en casa ni hablar!
Faemino y Cansado vuelven a Madrid, en este ocasión al teatro Cofidis Alcázar para presentar ¡Cómo en casa ni hablar!, y lo hacen con su sello personal, es decir un espectáculo de humor absurdo y surrealista que solo pretende hacer reír al respetable, cosa que se agradece en estos tiempos que nos ha tocado vivir. El espectáculo, que sigue la misma pauta de los anteriores, es una sucesión de frases a dos voces que van narrando anécdotas, viajes y vivencias inventadas, mientras nos sorprenden con números de mimo, o la presencia de artistas invitados (que decir de la aparición del hombre invisible). Un espectáculo original y lleno de chispa con el que se meten al publico en el bolsillo. Muy divertido.  
GARAGE D'OR (Familie Flöz)
Familie Flöz es una compañía especializada en el teatro de mascaras, todas sus obras están llenas de humor y poesía. Ahora han llegado a los teatros del Canal con Garage D'or, una obra que nos habla del anhelo de libertad, de la impotencia de los padres y de los problemas de la convivencia en pareja. Tres familias, tres hombres con sus sueños y las circunstancias que les rodean, pareja, hijos..., y que les hacen volar con la imaginación hacia la bastedad del espacio. Siempre detrás de sus mascaras consiguen mostrarnos el mundo y los sentimientos de sus personajes sin pronunciar una palabra, paradojicamente consiguen que veamos el alma de los personajes, como sufren, como se divierten, como se asombran o como se enfadan a través de unas mascaras rígidas y siempre en silencio. Vestuario, música, luces y proyecciones contribuyen a hacer que el conjunto resulte un mecanismo preciso en el que se desarrolla la historia.  Es un teatro que recuerda al cine mudo y donde los actores exprimen al máximo la expresión corporal hasta conseguir establecer una conexión con el publico.
Un espectáculo lleno de humor, ironía y sensibilidad que se entiende perfectamente porque son pedacitos de la vida misma con la que todos podemos sentirnos identificados en algún momento.

lunes, 3 de febrero de 2014

UNA MUJER EN LA VENTANA
En la sala Mirador hemos podido disfrutar de "Una mujer en la ventana" una obra de Franz Xaver Kroetz que nos cuenta los preparativos de una mujer que va a ser desahuciada y al día siguiente tiene que irse a una residencia que le ha buscado su hijo. La protagonista esta haciendo los preparativos, mientras habla con su periquito, que tiene mas suerte que ella, se va a quedar en la casa de su hijo porque en la residencia no admiten animales, tiene que escoger entre todos los objetos que ha atesorado durante toda su vida, entre sus recuerdos, solo aquellas pocas cosas que podrá llevarse con ella y lo hace con el corazón partido llena de rabia, pero con mucha ironía. 
Petra construye un personaje tierno,  amable y tremendamente entrañable que nos habla directamente, mirándonos a los ojos, y nos hace participes de una realidad dura y muy injusta que desgraciadamente es la realidad cotidiana de muchas personas que han sido arrolladas por una economía de mercado deshumanizada que no entiende de sentimientos ni de nostalgias. La escenografía nos sitúa en una vivienda sin paredes con una gran ventana al fondo, con una mesa camilla, una alacena, el molinillo de café, la foto de boda... en fin todas las cosas que uno encontraría en casa de sus abuelos. 
La obra tiene sin duda una tremenda carga dramática, pero Petra Martínez consigue a través de la ironía transmitirnos todo el coraje con el que esta mujer afronta la vida. Es impresionante ver trabajar a esta maravillosa actriz, te toca el alma con en esa serenidad con la que interpreta, y consigue arrancarte una sonrisa a pesar de que tengas los ojos llenos de lágrimas. 
Una autentica joya, una maravillosa obra, sencilla, delicada, llena de nostalgias y tristezas, de perdidas, protagonizada por una grandísima actriz que se come el escenario y que te emociona. "Y ahora vamos a dormir, que lo mismo mañana, cuando salga el sol lo vemos todo de otra manera".