domingo, 1 de octubre de 2017

ES MI HOMBRE, Livianas Provincianas
En el umbral de Primavera, en el ambigú en un espacio a medio camino entre "atelier" improvisado y café teatro nos reciben La Berta (Irene Domínguez) y la Reme (Paloma García-Consuegra), las Livianas Provicianas, que mientras intentan vendernos sus prendas, entre canción y canción, nos van contando como ha sido su vida en el pueblo y como les va desde que llegaron a la capital y montaron su taller de costura clandestino. Entre puntadas y pespuntes van evocando sus sueños y sus deseos intentando dejar atrás sus frustraciones mientras rememoran algunos cuplés dramáticos y otros (sus favoritos) sicalípticos o picantones, llenos de tópicos, donde se va viendo el rol que teníamos reservado las mujeres (que dice tanto de donde seguimos) y que entre risa y risa nos explica tantas cosas. Maravillosas estas dos modistillas de mañana y cupletistas de tarde, muy divertidas y con mucho descaro, en un espectáculo fresco y desenfadado que entre improvisaciones y cuples invita a la reflexión mientras no dejan de hacernos reír. 
Espero que tengan mucha suerte y se pueda reponer pronto este espectáculo o que llegue pronto la segunda parte que anuncian al final porque merecerá mucho la pena. 
Y mientras tanto:
"Madames e mesieres, no tengan miedo de salir a la calle 
un día de diario como si fuera Domingo de Ramos. 
Y no hagan caso de los cuentos infantiles: la belleza está... ¡en el exterior! 
Y si la procesión va por dentro... ¡que el Carnaval vaya por fuera!" 
Es un fantástico consejo de Livianas Provincianas que sin duda yo intentaré practicar.
Es mi hombre obra de la compañía Livianas Provincianas protagonizada por Irene Domínguez, Paloma García-Consuegra y Juando Martínez Montiel, dirigido por Carlos Tuñón, con dramaturgia de Sergio Adillo, y espacio escénico de Antiel Jiménez.

sábado, 25 de marzo de 2017

MASACRE (Una breve historia del capitalismo español)
El Teatro del Barrio presenta Masacre - una breve historia del capitalismo español, Alberto San Juan firma el texto y la dirección además de protagonizarla junto a Marta Calvó, se trata de unas funciones previas ya que el estreno se hará el otoño próximo. 
Después de cuestionar el relato oficial de la transición con El Rey en la temporada pasada, y siguiendo en la linea de Autorretrato de un joven capitalista español ahora con Masacre el viaje se remonta un poco más, hasta principios del siglo XX, para bucear en la historia del poder económico en nuestro país. 
"¿Quién gobierna España? 
¿En qué medida el poder político se subordina o no al económico? 
¿Quiénes tienen el poder económico en España? ¿Por qué lo tienen? 
¿Desde cuándo? ¿Cómo lo han conseguido? 
¿Desde cuándo? ¿Cómo lo han conseguido? 
¿Qué influencia ha tenido el poder económico sobre el político en los sucesivos ciclos de nuestra historia reciente?" 
Se trata de un repaso de la historia de las grandes empresas y patrimonios, a través de los acontecimientos económicos y de los personajes que han protagonizado la historia de este país (Indalecio Prieto, Emilio Botín, Escrivá de Balaguer, Esther Koplowitz, Carlos March, Ana Botella, José María Aznar...). 
Alberto San Juan y Marta Calvó son una pareja de clase media que han visto como les sobreviene la crisis, van alternando en paralelo al relatando de su propia vida los momentos mas importantes del capitalismo español del último siglo, y como su actual vida se ve condicionada por todos esos acontecimientos que ya empezaron a fraguarse muchos años de que ellos nacieran. 
Un relato global que resulta tremendamente clarificador. 
Tanto Alberto San Juan como Marta Calvó esta maravillosos. 
Muy recomendable como siempre pasearse por el Teatro del Barrio y estar muy atentos a todas las historias que allí se cuenta, porque siempre es mas fácil entender lo que nos pasa en el presente cuando somos capaces de analizar por donde hemos transitado. 
L'ÀNEC SALVATGE
Julio Manrique dirige L'ànec salvatge en Teatre Lliure de Montjuïc obra de Henrik Ibsen que adaptan para la ocasión Marc Artigau, Cristina Genebat y el propio Manrique. La obra se desarrolla en un espacio atemporal donde tampoco se hace referencia a ningún lugar concreto, la escenografía de Lluc Castells es magnifica con dos espacios separados o unidos (según se mire) por una cristalera que primero nos va presentando a los invitados de la boda del señor Werle  y luego nos traslada al pequeño y pobre apartamento donde viven felices Hialmar (Ivan Benet) y su familia. El vestuario es actual, lo que nos acerca el drama y resulta muy intimo tan bien ambientado con la música de piano presente en todo momento en escena. 
L'ànec salvatge es un drama que se va gestando poco a poco, tras la vuelta del hijo del señor Werle (Pablo Derqui) para asistir a la segunda boda de su padre al que da vida Andreu Benito con la joven Soerby (Miranda Gas), se reencuentra con un amigo de la infancia que vive muy feliz con su familia. Hasta ese momento el único secreto que la familia parece albergar es la existencia de un pequeño "coto de caza" en el sótano donde habitan conejos, gallinas y un pato salvaje herido (símbolo de las humillaciones y de los secretos que esconde la familia) por el señor Werle donde caza Ekdal (Lluis Marco). Entonces empieza el dilema ¿se puede vivir realmente feliz en el engaño o lo mejor es sacar a la luz toda la verdad? y se desencadena la tragedia que como siempre se ceba con los mas inocentes. 
El elenco es impresionante desde Andreu Benito, Ivan Benet, Jordi Bosch, Laura Conejero, Pablo Derqui, Miranda Gas, Jordi Llovet, Lluís Marco, Carles Pedragosa hasta Elena Tarrats, todos y cada uno nos regalan un trabajo magistral y perfectamente afinado que bajo la maravillosa dirección de Julio Manrique nos deleitan durante dos horas y media de gran teatro que se pasa en un suspiro. 
Un montaje impresionante, y una experiencia maravillosa para mi haber conocido la sede de Montjüic en este 40 aniversario del Teatre Lliure al que le deseo al menos otros 40, y ojala nos visiten más en Madrid. 
Enhorabuena y gracias por hacernos disfrutar de tan buen teatro. 

lunes, 13 de marzo de 2017

HE NACIDO PARA VERTE SONREÍR
Pablo Messiez sube a las tablas del Teatro de La Abadía esta obra de Santiago Loza autor argentino poco conocido aquí (aunque seguro que esto cambia después de la presentación de este texto tan hermoso). He nacido para verte sonreír es el monólogo de una madre que se esta despidiendo de su hijo, los dos, madre e hijo permanecen en la cocina a la espera de que llegue el padre, para internarlo. El padre permanece ausente, solo sabemos que esta a punto de llegar "en menos de una hora vendrá tu padre, el va a poner el coche en marcha... te vamos a internar. Algún día lo comprederas. Hoy no. Nosotros no damos más". 
La cocina se encuentra rodeada, casi oprimida por lo que parece un gran nido, que hace que todo este envuelto en una especie de misterio y dentro Miriam, la madre intenta encontrar las palabras para despedirse de un hijo que parece haberse ido hace tiempo. Los recuerdos vuelven y se agolpan buscando el momento en que todo cambió, buscando un resquicio por el que entrar en ese mundo lejano y hermético en el que parece habitar su hijo, buscando el perdón, con un sentimiento de culpa que arrastra, rota de dolor y de angustia por haber perdido a su hijo, prolongación de si misma y sentido de su vida, al fin y al cabo ha nacido para verle sonreír
Isabel Ordaz es Miriam, la madre abnegada, esta inmensa, sus palabras, sus gestos, sus miradas e incluso sus silencios están llenos de matices y cargados de emociones, ternura, angustia, miedo, resulta absolutamente conmovedora. Nacho Sánchez, realiza también un trabajo impresionante, sumido en el silencio y perdido en su propio mundo del que parece salir solo cuando algún sonido (la música de la radio o el ruido de la nevera) le devuelve la lucidez por un instante. 
En conjunto la obra resulta una joya escénica, delicada, emocionante y magníficamente interpretada, mejor no dejarla escapar. 

sábado, 11 de marzo de 2017

IN MEMORIAM
La quinta del biberón
En el CDN se puede disfrutar de In memoriam La quinta del biberón texto escrito y dirigido por Lluis Pascual. "Quinta del biberón" es el nombre que recibieron las levas republicanas de 1938 y 1939 que el Gobierno de la República hizo por el territorio que aun controlaba y que movilizó a jóvenes nacidos en 1920 y 1921 y que contaban con solo 17 años, a Federica Montseny se le atribuye el apodo ya que parece que al verlos comentó que debían estar aun tomando el biberón. El texto es un homenaje a todos esos jóvenes que lucharon en la Guerra Civil, que en principio tenían que hacer tareas auxiliares aunque acabaron luchando en batallas tan duras y cruentas como la del Ebro. A partir de los testimonios de supervivientes de la batalla del Ebro, donde cayó su tío, del que la familia recibió solo un telegrama con el fatídico texto "desaparecido en combate" y una mochila con unas partituras de Monteverdi (que suenan a lo largo de la obra) y unas alpargatas viejas, se reconstruye un pedazo de nuestra historia. 
La puesta en escena se compone apenas de una pantalla donde se van proyectando imágenes de la época que arropan a los protagonistas y de unas estructuras móviles que nos transportan a las trincheras donde seis jóvenes dan vida a los testimonios, y lo hacen en catalán cuando recrean la vida dentro de la trinchera y en castellano con distintos acentos cuando narran los hechos que rodearon su reclutamiento o su destino final. 
El elenco de jóvenes actores compuesto por Joan Amargós, Enric Auquer, Quim Àvila, Eduardo Lloveras, Lluís Marquès y Joan Solé recorren de forma impecable el transito de la inocencia al horror haciéndonos testigos del sinsentido y del dolor de la guerra en un trabajo conmovedor y sincero. 
In memorian La quinta del biberón es un autentico documental teatral del que sales emocionada y con el alma un poco encogida. 
Es maravilloso que El CDN traiga propuestas tan interesantes y como siempre es una delicia disfrutar del trabajo del Teatre Lliure y una pena que no venga mas. 

sábado, 4 de marzo de 2017

LAS BRUJAS DE SALEM
Andrés Lima dirige esta versión de Eduardo Mendoza sobre la obra de Arthur Miller Las brujas de Salem que se puede disfrutar en el Teatro Valle-Inclán una de las sedes del CDN. La obra escrita por Arthur Miller esta basada en los juicios de brujas que se desarrollaron en Salem, Massachusetts en 1692 y lo hace de forma alegórica para criticar la "caza de brujas" que se desato durante los años en que McCarthy convirtió a un montón de gente en sospechosa de atentar o colaborar en una conspiración contra la moral y la política de Estados Unidos, y que desencadeno un largo proceso de denuncias, procesos irregulares y listas negras contra personas acusadas de ser comunistas, en la que el propio Miller fue interrogado. Andrés Lima inserta de forma inteligente algunas escenas que hacen referencia a estos interrogatorios estableciendo el evidente paralelismo entre las dos situaciones.
 "Es increíble lo que es capaz de hacer un grupo de gente, la fuerza del ser humano.
Es increible el terror que es capaz de inspirar un grupo de gente, la locura del ser humano.
En la mente del hombre anida una especie de pestilencia, una fatalidad siempre al acecho de que se den las condiciones necesarias para su estallido de alarma, sospechas y asesinatos" nos advierte Lluis Homar dando voz a Arthur Miller.
La puesta en escena de Beatriz San Juan es muy sugerente con esa especie de iglesia de tablones lo suficiente separados para que miles de ojos observen desde todas partes a ese grupo de personas atrapadas sin remedio en el interior, con una iluminaron de Valentín Álvarez que hace que toda la escena este sumida en una penumbra inquietante y un cuidado vestuario que también firma Beatriz San Juan. 
El elenco esta estupendo en general, empezando por Lluís Homar que esta magnifico, imponente dando vida a él gobernador Danforth (que grandísimo actor), también maravillosos Carles Martínez que consigue desde el principio darle un toque de simpatía al reverendo John Hale, Nausicaa Bonnín como Abigail Williams que consigue sacarle todo el jugo a un personaje muy lucido, Anna Moliner como Mary Warren a la que tienes tantas ganas de zarandear para que se lance a contar lo que esta pasando como de abrazarla para acompañarla en la lucha interna que la destroza, hacer lo correcto o formar parte del grupo.
Me parece muy interesante subir a las tablas esta obra que hace que desde el patio de butacas nos planteemos muchas cosas, especialmente en un momento en el que creo que estamos abandonando el espíritu critico, un momento en el que en lugar de plantearnos que esta pasando preferimos en muchos casos dejarnos llevar por el grupo (siempre mas fácil sin duda) y repetir las consignas facilonas que nos venden desde la tele.
Sin duda un maravilloso texto, una estupenda puesta en escena y unos grandes actores, muy recomendable para disfrutar de buen teatro.

martes, 28 de febrero de 2017

LAS BODAS DE FÍGARO
En su 40 cumpleaños el Teatre Lliure recupera para la escena el montaje de Las bodas de Fígaro con el que Fabià Puigserver hizo saltar la taquilla en 1989 y que en su reposición dirige Lluí Homar, que en su día dio vida a Fígaro. El texto denuncia los privilegios de los que disfrutaba la nobleza, además de mostrarnos a unas mujeres osadas que consiguen hacer que se escuche su voz. 
En el montaje hay enredos amorosos, juicios, señores burlados, criados ingeniosos y muchos equívocos, pero sobre todo humor por los cuatro costados. La puesta en escena es impecable desde la escenografía de Rafael Lladó a la iluminación de Xavier Clot o el maravilloso vestuario de César Olivar que en las manos de Lluís Homar funciona con la precisión de engranaje bien engrasado que hace que uno disfrute de casi tres horas de montaje dinámico y divertido, que pasa tan ligero que se hace corto. 
El elenco esta magnifico, Marcel Borràs compone un Fígaro que brilla con luz propia, Aina Sánchez fantástica Susana, llena de picardía, Joan Carreras (fantástico actor, borda cualquier papel que cae en sus manos, estoy deseando disfrutar de Ivànov) el Conde Almaviva que va de sorpresa en sorpresa, Mónica López maravillosa como condesa Almaviva, sin olvidar al resto del elenco todos impecable en sus papeles Manel Barceló, Oreig Canela, Oriol Genís, Eduard Muntada, Vicòria Pagès, Albert Pérez, Diana Torné, Òscar Valsecchi y Pau Vinyals. 
Una delicia haber disfrutado de esta joya. 
Feliz cumpleaños para el Teatre Lliure y que siga cumpliendo años haciéndonos disfrutar de su maravillosa forma de hacer teatro.

lunes, 27 de febrero de 2017

PANORAMA DESDE EL PUENTE
En los Teatros del Canal se puede disfrutar de esta versión de Panorama desde el puente de Arthur Miller que con traducción de Eduardo Mendoza dirige Georges Lavaudant y que protagoniza Eduard Fernández. La obra nos habla de la inmigración provocada por la miseria (tema que no deja de estar de actualidad), de la lealtad, del amor y de las dificultades y los peligros de salir adelante en un mundo lleno de oportunidades que no esta dispuesto a abrir las puertas a todo el mundo. Todo ello atravesado por el drama que se va gestando poco a poco a medida que se hace evidente el amor imposible que Eddie Carbone (Eduard Fernández) siente por su sobrina Catherine (Marina Salas) a la que a criado como una hija y que acabara haciendo que todo salte por los aires. La escenografía y el vestuario de Jean-Pierre Vergier hacen que la puesta en escena resulte sobria pero elegante muy bien iluminada por el propio Lavaudant y que nos permite sentir el ambiente un poco axfisiante, donde la tragedia que se avecina parece avanzar de forma inevitable para arrasarlo todo, con el puente de Brooklin siempre presente como una sombra que todo lo observa. 
Encabezando el reparto Eduard Fernández (Eddie) absoluto protagonista, que está fantástico, tan autoritario con todos y completamente obsesionado por su sobrina, circunstancia que le precipita en una huida hacia delante que le tiene desconcertado y enloquecido. Le acompañan Mercè Pons (Beatrice, su mujer) estupenda en su papel de sufrida esposa que ve el desastre que se avecina pero no consigue detenerlo. También muy bien el resto del elenco Marina Salas (Catherine, la sobrina), Francesc Albiol (Alfieri), Bernat Quintana (Rodolfo), Pep Ambròs (Marco), Rafa Cruz (Mike, oficial) y Sergi Vallès (Louis). 
Una obsesión que acaba arrasando con todo el que se ponga por delante, mientras de fondo se retrata el drama que viven los inmigrantes ilegales que llegan a Nueva York en los cincuenta. 
Una obra llena de pasión que merece la pena aunque solo sea para disfrutar del gran Eduard Fernández.

sábado, 25 de febrero de 2017

LA ARMONÍA DEL SILENCIO
Bajo la denominación Dos Piezas Dos se abre un breve ciclo en el Teatro Español que tiene como denominador común dar espacio a dos voces femeninas Lola Blasco (Premio Nacional de Literatura Dramática 2016) que firma y dirige La armonía del silencio y Carolina África (Premio Calderón de la Barca para Autores Noveles 2012) que hace lo propio con Vientos de Levante
El montaje de Lola Blasco está protagonizado por Luis Bermejo, Ana Mayo, Mélida Molina, Antonio Lafuente y David Tenreiro. En La armonía del silencio su autora partiendo de una historia personal (su abuela perdió su piano durante la Guerra Civil) crea una hermosa fábula donde dos hermanos, que intentan recuperar el piano de su abuela, recomponen la historia familiar desde los momentos previos a la Guerra Civil, donde su abuela y su bisabuelo ponían música a las películas mudas, hasta el momento presente. La narración alterna anécdotas mas personales con episodios conocidos de la Guerra Civil como el bombardeo al mercado central de Alicante (uno de los ataques aéreos más sangrientos) o la partida del Stanbrook el barco que efectuó la última evacuación de refugiados republicanos desde el puerto de Alicante. 
Lola Blasco reivindica la Memoria, (algo tan necesario para afrontar la Reparación y la Justicia y que todavía no hemos afrontado en condiciones) y lo hace a través de un relato lleno de poesía salpicado de algunos toques mas ligeros que hacen que el espectáculo fluya durante casi dos horas sin hacerse pesado. Por supuesto ayuda mucho la cuidada escenografía e iluminación de Luis Perdiguero. 
En cuanto a los actores todos están fantásticos, destacaría a Ana Mayo que siempre consigue brillar con luz propia y a Luis Bermejo del que me confieso una gran admiradora. 
Una propuesta muy interesante que espero que tenga un largo recorrido.
Me esta gustando mucho el inicio de este periodo de Carme Portaceli al frente del Teatro Español, creo que nos va hacer disfrutar mucho.
MUJER NO REEDUCABLE
"Los enemigos del Estados se dividen en dos categorías: los enemigos a los que se les puede hacer entrar en razón y los  incorregibles. Con estos últimos no se puede dialogar y eso les convierte en no reeducalbes. Es necasario que el Estado adopte todos los medios de los que dispone para eliminar del territorio a estos personajes no reeducables". Estas palabras que nos reciben al entrar en la sala Margarita Xirgu del Teatro Español proyectadas sobre la pared figuraban en una circular interna que en 2005 Vladislav Surkov, miembro del gabinete de la presidencia rusa y por tanto hombre respetado en el Kremlin escribió. 
Mujer no reeducable es un texto de Stefano Massini que dirige Lluís Pasqual y que produce el Teatre Lliure  (que este año esta celebrando su cuarenta aniversario haciendo buen teatro y de los que, afortunadamente, podemos disfrutar esta temporada en Madrid en distintas sedes: Las bodas de Fígaro en el Teatro de la Comedia o La quinta del biberón  en el CDN). 
Miriam Iscla interpreta de forma magistral este monologo en el que da vida a Anna Politkóvskaya, periodista rusa asesinada en 2006 en el ascensor de su casa de Moscú cuando llegaba de hacer la compra. Con una puesta en escena muy sencilla y una iluminación tenue toda la fuerza se centra en el texto, un texto muy potente y estremecedor en el que se expone todo el horror del que Anna fue testigo en Chechenia entre la guerrilla chechena y el ejercito ruso (cabezas cortadas, "paquetes humanos" volados con granadas, competiciones para ver quien comete mas violaciones, atentados suicidas o horrores como la del teatro Dubrovka o la escuela de Beslan, sin olvidar la corrupción o la propaganda televisiva), y que la hace realizar un viaje hacia el compromiso que llenara su vida de amenazas, un autentico descenso a los infiernos. 
Se trata de una narración necesaria que sigue estando de máxima actualidad y que además nos hace reflexionar también sobre la labor del periodismo. 
Teatro imprescindible y de calidad que te impacta y que se queda contigo. 

martes, 19 de julio de 2016

PERRA VIDA
Desde que comenzó Almagro OFF tenia ganas de visita La Veleta para disfrutar de los clásicos con otra perspectiva y este año ha llegado la oportunidad con Perra vida que es la adaptación libre de El casamiento engañoso escrita por José Padilla. El casamiento engañoso forma parte de las Novelas ejemplares de Miguel de Cervantes y sirve de introducción al Coloquio de los perros
El texto de Padilla, que también se encarga de la dirección, comienza cuando Peralta (Nuria Moreno) recala en un bar de carretera, polvoriento y pegajoso, perdido en medio de ninguna parte y se encuentra con Campuzano (Diego Toucedo) antiguo compañero de la legión. Peralta, mujer de muchos oficios, desde comercial de lo que surja a chofer ocasional, se sorprende al descubrir a Campuzano como un vagabundo que parece tener serios problemas mentales (lleva una agenda donde anota todo lo que oye hablar a los perros, incluso en latín). Entonces Campuzano rememora como su vida se fue al garete cuando se cruza en su vida Estefania (Elisabet Altube) una joven camarera a la que el joven Lorenzo (Samuel Viyuela González) da trabajo y de la que se enamora perdidamente. Con estas dos parejas nos adentraremos en un viaje sin retorno. 
Una propuesta interesante que te atrapa desde el primer momento. Estupenda la tenue iluminación y los efectos sonoros que crean un ambiente intimo y un poco lúgubre donde los personajes se mueven en un ambiente un poco irreal y cargado de misterio. 
Los cuatro protagonistas están fantásticos, Nerea Moreno llena de fuerza, una luchadora capaz de sobrevivir y sobreponerse a toda la dureza que se encuentra en la vida, Diego Toucedo a punto de romperse en cualquier momento incapaz de superar las zancadillas que le ha puesto la vida, Samuel Viyuela lleno de inocencia viendo solo lo mejor de la vida y de las personas que se le acercan, Elisabet Altube aparentemente inocente, un poco manipuladora, pero también víctima. 
Una maravillosa experiencia para disfrutar del Festival de Almagro y acercarse a nuestros clásicos con una mirada actual de la mano de José Padilla que nos invita a este viaje por carreteras perdidas. 
"Llevar lo aspero de la frontera hasta nuestros días, viajar a la locura, hablar con los animales... una aventura demasiado suculenta como para decir que no". 
Hay oportunidad de disfrutar Perra vida en classicOFF los días 22 y 23 de julio en la Nave73 otro festival muy interesante.

lunes, 4 de julio de 2016

HISTORIAS DE USERA
La sala Kubik cierra sus puertas después de seis años de regalarnos historias maravillosas y lo hace cediendo el protagonismo al barrio de Usera que durante estos años a tenido una sala de referencia cultural. La obra que empezó su andadura como una aplicación para el móvil donde los vecinos del barrio compartieron algunas de las historias cotidianas para que algunos dramaturgos ficcionaron y que algunos actores interpretaron dando lugar a Storywalker una app que nos permitió pasearnos por los avatares de este barrio. Ahora con los textos de Alfredo Sanzol, Miguel del Arco, Denise Despeyroux, José Padilla, Alberto Sánchez-Cabezudo y Alberto Olmos Historias de Usera nos adentra en un barrio a través de sus moradores. Fernando Sánchez-Cabezudo se encarga de dirigir a un elenco integrado por actores y por vecinos del barrio: Inma Cuevas, Jesús Barranco, Ana Cerdeiriña, José Troncoso, Huichi Chiu, Ivan Jimenez, Juan Ramón Saco, Juan Antonio Rodríguez, María Teresa Prado (May), Juan Antonio Montes, Luis Ureña y Esther León Soriano. 
El mapa del barrio se traza a través de un puñado de historias cortas que van desde el thriller al drama sin olvidar la comedia. Historias de Usera empieza con una pieza de Denise Despeyroux "auge y caída de un amor en Usera" y que protagonizan los estupendos Ana Cerdeiriña y José Troncoso que inician su historia de amor en el patio de butacas de la propia sala Kubik y que irán desgranando su romance y su ruptura a lo largo de toda la obra, una surrealista relación entre dos personas un poco neuróticas. Nos acercamos a la numerosa población china que habita el barrio a través de "el vampiro chino", de Alberto Olmos y que protagoniza Huichi Chiu que esta fantástica dando vida a un adolescente chino que primero nos invita a la tienda de alimentación de su padre donde ayuda cuando sale del instituto, para subirnos después a la azotea de la biblioteca del barrio y enseñarnos como sobrevuela el barrio y acabar con un fantástico y surrealista monologo lleno de humor en el que nos cuenta, subida en un poste de la luz, su transformación en vampiro (se mete al publico en el bolsillo). Unos de los momentos mas emotivos es la historia de Narcisa escrita por Pilar Franco, Yolanda Menéndez y Flor Cabrera y que protagonizan Inma Cuevas y José Troncoso, Inma Cuevas nos regala una maravillosa interpretación de una mujer a medio camino entre la lucidez y la locura que esta destrozada por el robo de su bebe, bebe que esta convencida que con el paso de el tiempo se ha convertido en el Cordobes, es impresionante te encoge el alma cuando te muestra toda la fragilidad y el dolor que la arrasan por dentro y a la que acompaña José Troncoso soberbio soportando todo ese dolor lleno de tristeza e impotencia, resulta realmente sobrecogedor. "El sereno" de Alberto Sánchez-Cabezudo que protagonizan Jesús Barranco y José Troncoso donde un joven busca a su verdadero padre y se acaba encontrando con una de las historias mas misteriosas e inquietantes. "Copacabana" de Alfredo Sanzol es una historia preciosa de dos ancianos que se encuentran en la oficina de la Agencia Tributaria que ahora ocupa lo que era la sala Copacabana donde se celebraban las bodas del barrio y donde no se atrevieron a declararse el amor que sentían el uno por el otro y que conservan intacto como a sus quince años, una preciosidad de historia. También hay historias divertidas como la que protagonizan Jesús Barranco y Ana Cerdeiriña escrita por José Padilla donde una pareja trata de sobrevivir mientras la mujer llega a casa intentando ocultarse de la rica señora del barrio de Salamanca donde trabaja. Para cerrar la guinda la pone "el lado salvaje" de Miguel del Arco que esta ambientada en el primer concierto que Luo Reed va a dar en España y que abandona apenas 20 minutos después de comenzar cuando alguien tira una cerveza al escenario. Es una historia de lo mas gamberra donde se describen los altercados que suceden a la suspensión del concierto con robo de instrumentos incluidos y que protagonizan José Troncoso, Jesús Barranco e Inma Cuevas. Para terminar toman el protagonismo los vecinos del barrio que ocupando la arena que cubre el escenario se acercan al publico a susurrar las batallitas del barrio. 
Historias de Usera es un trozo de vida donde cabe todo humor, tristeza, locura, ternura, amor, desamor, encuentros y desencuentros y que resume lo que estos años hemos podido vivir e imaginar entre las paredes de la sala Kubik, ojala encuentre otro espacio donde seguir emocionando. 
Que triste es despedir una sala de teatro y en especial una tan entrañable como esta donde hemos podido disfrutar de historias maravillosas (La cena del rey Baltasar, la nieta del dictador, nuestra señora de las nubes, el minuto del payaso, constelaciones, la fiebre, el gran atasco, los perjuicios del tabaco y tantas otras). Un gusto, un placer y un autentico orgullo haber sido micromecenas de esta maravillosa sala, que delicia haber disfrutado de estos años de buen teatro. 
Gracias a todos los que lo han hecho posible, mucha suerte y hasta siempre.

sábado, 28 de mayo de 2016

MICROTEATRO EN CASAS HISTÓRICAS
El proyecto "Si las paredes hablasen"  donde La Fundación de Casas Históricas y Singulares ha organizado en colaboración con microteatro por dinero, una forma original de disfrutar de nuestro patrimonio cultural enlazando Arte, Historia y Teatro gracias a la Fundación Fernando de Castro que cede su sede a esta iniciativa. La Fundación Fernando de Castro se encuentra ubicada en la calle San Mateo, 15 en Madrid edificio levantado en 1893 para albergar Asociación para la Enseñanza de la Mujer (A.E.M.) que había sido creada previamente por Fernando de Castro en 1870. De sus aulas salieron las primeras mujeres físicas y química de nuestro país. Tanto Fernando de Castro como la A.E.M. jugaron un papel pionero y decisivo en la historia de la educación en nuestro país, dando los primeros pasos hacia la consecución de la independencia, libertad y desarrollo de la mujer en el mundo laboral. 
Tras una convocatoria pública en la que se presentaron numerosas propuestas se seleccionaron dos obras ambientadas en el edificio que se representan simultaneamente, una en el antiguo comedor de alumnas o Salón Rojo y la otra en la sala de música.
Las obras son: 
PARADOJA ATEMPORAL, Se representa en la Sala de Música

Idea y texto: V. Vega y Sergio Guivernau.
Dirección: Vicente Aguado, Mary Carmen Melero y Carlota Guivernau.
Interpretación: Carolina Herrera, Sergio Guivernau, María Velesar, Carmen Mayordomo y Eva Higueras.
La obra transcurre en dos fechas muy diferentes, 1904, cuando la asociación lleva abierta 11 años y 1954, medio siglo después, al día siguiente del cierre del colegio en el que fue convertida la sede. Las dos épocas se desarrollan en paralelo, se van solapando, mostrando como la modernidad de un proyecto que empieza a ayuda a las mujeres a encontrar su lugar en el mundo laboral (mas allá de "servir") que se vio interrumpida durante la dictadura.
CARTA DE AMOR:
MANUAL DE ELABORACIÓN, Se representa en el Salón Rojo, el antiguo comedor de alumnas
Texto y dirección: José Recuenco.
Interpretación: Silvia de Pe y Ricardo Reguera.
Alfonso está enamorado de una señorita a la que quiere escribir una carta, para ello solicita la ayuda de Adela, profesora de mecanografía y asidua a las tertulias literarias... y así comienza todo.
Una maravillosa iniciativa, dos obras fantásticas, unos actores estupendos y un marco incomparable, sin duda una experiencia totalmente recomendable que espero que se pueda repetir en mas edificios. Gracias y enhorabuena.

miércoles, 3 de febrero de 2016

MI RELACIÓN CON LA COMIDA
"Mi relación con la comida" es un lúcido manifiesto artístico y un visionario diagnóstico de "la mentira de España". Examinada por el poder, la autora traza un riquísimo y estremecedor panorama social y desde las tripas vitales, entrega un panóptico del "España na bien", la de la larga y no superada dictadura fascista, la del poder económico aliado con el religioso, de la vida cotidiana de los pobres y empobrecidos, de la especulación y las estafas del consumismo, el arribismo, la "culturalidad" y el hambre. 
Se trata de un texto de Angélica Liddell ganador del premio SGAE de teatro 2004 que dirigen Esperanza Pedreño e Isidro Paterna y que se puede disfrutar en el Teatro Galileo. La puesta en escena despoja el escenario de cualquier elemento que pueda distraer, tan solo una gran pelota roja y una tiza con la que ir escribiendo en el suelo las ideas que se irán desarrollando a medida que avance la obra, impecables la música y la iluminación y sugerente el sencillo vestido que lleva la Pedreño y que se va transformando a medida que ella juega con el actuando también a modo de escenografía. 
"¿Es necesario que como con usted? ¿en ese lugar? ¿es absolutamente necesario? ¿es necesario para mi obra?, lo siento... No puedo comer con usted en ese lugar. Me da vergüenza." Así comienza Esperanza Pedreño, que esta soberbia haciendo suyo este descarnado monologo, un largo poema doloroso cargado de sinceridad y contundencia. Los temas se suceden, la inmigración, la comida, el hambre, la cultura burguesa, el arte como entretenimiento banal, la apariencia, el rechazo, el asco y la supervivencia en una obra desgarrada donde se disecciona esta sociedad inmoral que se alimenta de la pobreza y del hambre. Mi relación con la comida es un acto de rebeldía que no busca la complacencia fácil, es un monologo lucido lanzado a bocajarro que pretende implicar al publico y hacer que seamos conscientes de que formamos parte de todo lo que nos cuenta, un impacto directo que consigue sobrecogernos. 
Impresionante Esperanza Pedreño dominando con maestría este certero y salvaje texto imprescindible. Muy recomendable.
"Lo siento. No puedo. No puedo comer en ese lugar... No puedo comer junto a esa gente. Van demasiado limpios y su ropa es demasiado nueva. Me dan asco. El mismo asco que yo le doy a un africano. Los zapatos de esa gente son demasiado caros... Yo merezco el escupitajo del africano. Yo merezco el odio del africano. Yo merezco el odio del pobre. Y la gentuza que come dos platos y postre en ese lugar merece mi odio. 

lunes, 1 de febrero de 2016

MEDEA ¿UNA LECTURA DRAMATIZADA?
Después de participar en las actividades culturales de la Universidad Internacional Menendez Pelayo de Santander, Aitana Sánchez-Gijón se subió el día 29 de enero a las tablas del Teatro del Barrio para presentar de nuevo esta Medea, un reto que a ratos es una lectura dramatizada y a ratos una dramatización con algo de lectura sobre el montaje y el texto que Andrés Lima estreno con el Teatro de la Ciudad. Tras una breve presentación y una introducción muy interesante en la que Aitana narra de forma muy amena y didáctica la historia de Jasón y los Argonautas, empieza la ¿lectura dramatizada? y asistimos a un espectáculo impresionante en la que inmersa en el papel de Medea se entrega en cuerpo y alma para acercarnos a esta mujer compleja que por amor traicionará a su padre, por amor matará a su hermano, por amor acabará matando a sus hijos y en definitivamente, por amor, acabará perdiéndolo todo. Medea, una mujer madura, fuerte, inteligente y bella que no puede soportar ser abandonada por su esposo Jasón.
En un escenario vacío, apenas hay una silla, Aitana esta soberbia, llena de fuerza y emoción, todo talento, entrega y generosidad.
Una autentica delicia y un privilegio haber podido disfrutar de esta original lectura y de esta impresionante actriz.

martes, 26 de enero de 2016

LA FUNDACIÓN
En la Pensión de las Pulgas se programa ahora La Fundación basado en la obra de Buero Vallejo en versión y dirección de Ruth Rubio. 
Cinco hombres que parecen trabajar para un centro de investigación llamado La Fundación, comparten espacio en lo que parece ser una agradable habitación con bonitas vistas. Tomás esta limpiando la habitación mientras escucha música de Rossini, en la habitación en una cama permanece acostado un hombre que parece dormir, mientras ordena, Tomas recibe la visita de su novia Berta que también forma parte de La Fundación. Sin embargo a medida que avanza el tiempo a través de los diálogos se intuye que nada es lo que parece. En la habitación hay también una mesa con cuatro sillas, un sillón, un aparador donde hay un teléfono y una radio antigua. 
El vestuario y la escenografía, que resultan decisivo para ir descubriendo la verdadera naturaleza de esta fundación, son obra de Pier Paolo Álvaro y Roger Portal. El elenco esta integrado por Abel Zamora (Tomás) un joven soñador que vive en una realidad que su mente ha creado para no enfrentarse a la cruda realidad, sera a través de sus ojos como pasemos de una lujosa fundación a una cárcel donde todos están condenados a muerte y donde el acaba asumiendo que ha delatado a sus compañeros después de ser torturado; Javier Prieto (hombre) con el que Tomás habla aunque ya lleve varios días muerto, resulta clave para la curación de Tomas el momento en el que los carceleros descubren que esta muerto y se lo llevan. Julio Velez (Asel) es el líder del grupo, es un hombre maduro con mucha experiencia que intenta ayudar a Tomás a volver a la realidad. Juan Caballero (Max) es tranquilo y bromista aunque se intuye que oculta algo y Vicente Navarro (Lino) un hombre mas brusco y un poco taciturno pero de alma noble. Noemí Rodríguez (Berta) que cuida un ratoncito que también se llama Tomás, resulta ser una proyección de su mente. 
Todos están estupendos llenos de energía aportando mucha verdad a sus interpretaciones. 
La obra que nos habla de una época que se trata muy poco en los libros de texto es un fantástico ejercicio de critica social que en este caso podemos disfrutar con un montaje sencillo que avanza con un ritmo pausado pero impecable a través de una realidad muy dura aunque dejando un rayo de esperanza al final. 
Interesante disculpa para dejarse caer por La Pensión de las Pulgas.

sábado, 23 de enero de 2016

AUTORRETRATO DE UN JOVEN CAPITALISTA ESPAÑOL

"Soy un joven capitalista español. Soy consciente de que vivo en una sociedad que es injusta hasta la crueldad. Quiero que cambie, pero no se si estoy seguro de estar dispuesto a perder lo que tengo en el intento. Quiero conservar mi fama, quiero conservar mis propiedades, quiero conservar mi cotización comercial", Así comienza este Autorretrato de un joven capitalista español que protagoniza Alberto San Juan
Me encanta de vez en cuando acercarme al Teatro del Barrio a disfrutar de buen teatro, teatro lúdico pero del que te hace pensar, en esta ocasión fue para volver a ver Autorretrato de un joven capitalista español, obra que se estreno en esta misma sala cuando todavía era la Sala Triángulo dentro del festival "La alternativa". Reconozco que la disfrute tanto como la primera vez, la obra no ha perdido nada de frescura y sigue resultando igual de actual que cuando se estreno. A modo de conferencia o como dice su autor de conversación, reflexiona sobre lo que ha ido sucediendo en nuestro país desde que Franco decide pasarle el testigo a Juan Carlos I. Alberto San Juan se presenta ahora en solitario para mostrarnos su visión siempre crítica y con humor de nuestra actualidad y nuestra historia, y de paso analizar si lo que sufrimos ahora es consecuencia de lo que nos paso en aquellos años. A medio camino entre la ficción y el retrato autobiográfico se confiesa "yo antes era famoso, ganaba bastante dinero, tenía chavalas a montones, tenía un Mercedes, en el banco me proponían que invirtiera en esto y en aquello...Ahora no tengo nada ¿que ha pasado aquí?" y se lo pregunta con un traje y unos zapatos viejos y deslucidos que dejan claro que ha vivido tiempos mejores. 
Es siempre una autentica delicia disfrutar de este grandísimo actor, que ahora ya no sale sale al escenario con una maleta llena de libros, sino que los tiene en escena sobre una mesa junto a una silla y un flexo, y durante casi dos horas intenta descubrir como a pasado de tener una vida acomodada a encontrarse en el fondo de un pozo. Alberto esta impresionante, el texto es muy interesante y te hace sentir que no estas sola, que hay mas gente que también esta buscando la salida a todo este desastre. 
Muy recomendable.

miércoles, 20 de enero de 2016

TeatroSOLO (LONEtheater)
María Hervás, Sauce Ena, Chema Tena, Olalla Hernández, Isabel Gálvez y Fabia Castro
Dentro del ciclo UNA MIRADA AL MUNDO del Centro Dramático Nacional se presenta un proyecto creado por el argentino Matías Umpierrez llamado TeatroSOLO (LONEtheater) que reune cinco intervenciones a medio camino entre el teatro y la performance que se desarrollan en cinco espacios distintos y que están pensados para ser disfrutados por un solo espectador cada vez. Las cinco citas que integran este proyecto son:
AMNESIA, se localiza en el Teatro María Guerrero, y la protagonista es María Hervás, (la maravillosa protagonista de Confesiones a Alá) ¿Qué hay entre los telones de la mente? La amnesia temporal de una mujer hace emerger el sentido de su presencia en el teatro. La cita es a las 12:30 en la puerta de artistas del María Guerrero, hay que acudir solo, muy puntual, con el móvil apagado y con la hoja de instrucciones bien visible en la mano. Sin saber muy bien que va a pasar, con algunos nervios acompañando la espera, aparece una chica muy elegante que al acercarse tropieza y cae todos los papeles que trae en sus manos, a partir de aquí solo hay que dejarse seducir por una hermosa historia que te llegará al corazón.
ÉXODO, se localiza en un Apartamento en La Latina, y la protagonizan Fabia Castro y Isabel Gálvez. En tan solo un año, una familia completa se resquebraja, desaparece dejando dos cuerpos perdidos en el tiempo y en el espacio. Hay que llamar al telefonillo a la hora convenida y subir al apartamento que comparten una madre y su hija, dos mujeres que han sufrido mucho, que comparten su soledad y que buscar una mirada ajena que pueda ayudarlas.
TESTIGO, se localiza en el Metro de Madrid, y la protagonista es Sauce Ena. Observar la vida de los otros es estimulante, pero ¿qué sucede cuando esas historias se vuelven un reflejo de nuestra propia vida?. Sentada en el último banco de la estación de Ventura Rodríguez solo hay que esperar, una chica se acerca corriendo y se deja caer en el banco tras comprobar que ha perdido el metro, y así empieza un juego con el que uno imagina la vida que viven los desconocidos con los que se cruza, hasta acabar asomándose al abismo de la de uno mismo.
LEJOS, se localiza en la Plaza de Lavapies, y la protagoniza Chema Tena. Un joven hombre descubre la vida de una misteriosa mujer de manera fortuita. El cumplir un favor, podría cambiar la vida de ambos. El hombre, agobiado, se acerca al espectador y le pide el móvil (que por supuesto estaba apagado), y entonces empieza a contar una historia que nos habla de una familia y de su pasado y del viaje que se ven obligados a emprender dejando todo atrás, y nos cuenta como desde que ayudo a esa mujer se mantiene sumido en una duda que nos entregará para que le ayudemos a resolverla. 
RETRATO, se localiza en el Museo Reina Sofía, la protagoniza Olalla Hernández. Una mujer decide cambiar el rumbo de su vida. Esta es la historia de alguien que intenta encontrar una salida entre los muros de un museo. Una fantástica forma de contar una historia a través de las historias que nos observan desde los cuadros que cuelgan de las paredes de un museo. 
Cinco historias emocionantes, cinco experiencias únicas que te remueven y te conmueven, con seis actores fantásticos y entregados con los que es fácil dejarse seducir por esta original propuesta. Totalmente recomendable para vivir el teatro de una forma diferente y apasionante.

domingo, 10 de enero de 2016

INSOLACIÓN
Insolación es una adaptación teatral de la novela homónima que a finales del siglo XIX escribió la autora gallega Emilia Pardo Bazán. Insolación nos habla del encuentro de dos latitudes españolas, el norte y el sur, como metáfora de las clases sociales imperantes en la España de finales del siglo diecinueve. La clase aristocrática y sus estrictas leyes sociales frente a la España más popular con una moralidad menos asfixiante y más libre. La autora presenta el encuentro entre la gallega marquesa de Andrade y el apuesto gaditano Pacheco que viene a romper la pacífica y acomodad vida de la marquesa. Lo interesante que muestra la autora en esta novela que ahora se lleva a su versión para la escena no es la lucha de estas dos personalidades sino su encuentro, no es un mensaje segregador, al contrario, unifica y nos hace intuir que la separación entre clases en la España del diecinueve empieza poco a poco a transformarse. 
El espacio escénico muy diáfano, inundado de sol, con las ondulantes lomas de la pradera de San Isidro al fondo, que con muy pocos elementos escenográficos nos lleva del salón de la marquesa a una feria popular esta creado por Mónica Boromello, que con la sugerente iluminación de Juan Gómez Cornejo crean un espacio muy sobrio y sugerente. Maravillosa la música que envuelve la acción y estupendo también el vestuario de Almudena Rogríguez. 
Emilia Pardo Bazan escribe no solo una fantástica historia de amor, sino todo un alegato del derecho a escoger de las mujeres, y lo hace a través del personaje de Asís Taboada (María Adánez), una marquesa gallega viuda afincada en Madrid. Con el sol, como metáfora del amor, como elemento siempre presente, marcando los sentimiento y la pasión de esta mujer, que lucha por conquistar un espacio de libertad en el que disfrutar de sus deseos e ilusiones fuera de ese clima axfisiante en el que se mueve la aristocracia, marcada por las tradiciones y el conservadurismos. 
Esta versión de Pedro Villora que dirige con destreza Luis Luque, con un movimiento escénico impecable, mantiene un ritmo ágil, desde la tertulia inicial hasta alcanzar el climax final, pasando por momentos festivos, nos permiten vivir la lucha de esta mujer por ser libre y romper moldes.

Los protagonistas, seres de carne y hueso, que laten bajo el sol, todos muy bien interpretados, están encabezados por María Adánez (Asís Taboada) maravillosa y llena de elegancia, a la que acompañan en escena Pepa Rus, fantástica desdoblándose en un trio de personajes (Duquesa de Sahagún/Ángela/Ventura) y demostrando que es capaz de sacar adelante con mucho arte lo que haga falta, José Manuel Poga (Diego Pacheco), muy fresco y natural, borda el papel de joven tenorio y por último Chema León (Gabriel Pardo) estupendo tan cordial, liberal y un poco paternalista al principio y que nos descubre su carácter reaccionario, su despecho y todo su sarcasmo cuando es rechazado. Hermosa obra de amores que abrasan y que se puede disfrutar en el teatro María Guerrero.

sábado, 9 de enero de 2016

MEDEA
Tras su estreno en el Festival de Mérida llega al Teatro Español esta Medea, un texto de Vicente Molina Foix, basado en Eurípides, Séneca, Apolonio de Rodas y los relatos poéticos de Ovidio, donde Molina Foix introduce elementos nuevos y recrea algunos personajes como la Nodriza, el Preceptor y a Creonte, muy libremente. 
Con una puesta en escena muy cuidada y elegante presidida por una gran puerta y un pequeño montículo coronado por un árbol de Francisco Leal, la tenue iluminación de Toño Camacho, una sugestiva música de Mariano Díaz y un bonito vestuario de Pedro Moreno nos asomamos a la tragedia de Medea, donde tampoco faltan audiovisuales para ambientar algunas de las narraciones. Pero aunque toda la puesta en escena resulta impecable el conjunto no acaba de funcionar del todo y la tragedia queda un poco fría, desde luego el abuso de la voz en off no ayuda (no se entiende mucho porque la escena en que Medea esta realizado el conjuro no lo hace con voz en directo, seguramente la fuerza de su parlamento sería mas potente). Tampoco ayuda a mantener la tensión algunas de las narraciones, caso de la aventura de los Argonautas cuando Jasón consigue el vellocino de oro, que se hacen un poco largas o momentos como la escena con el joven Jasón (demasiado hierático) que resulta muy fría. 
El elenco, a priori, resulta de lo mas interesante, el personaje de la Nodriza a la que da vida Consuelo Trujillo, que sufre como propio todo el dolor de Medea, resulta maravilloso, también están fantásticos los corifeos Alberto Berzal y Olga Rodríguez que trasmiten perfectamente los sentimientos de un pueblo que desde la distancia que les aleja del poder, asisten perplejos a los acontecimientos que protagonizan sus gobernantes. Impecable Luis Rallo, el preceptor de los hijos de Medea y Jasón. Poika Matute es Creonte, su interpretación resulta un poco desconcertante, en cuanto a Adolfo Fernández, Jasón, (actor que me encanta) esta aquí un poco apagado, le falta fuerza, parece más un héroe cansado que el hombre ambicioso que repudia a su mujer para casarse con la hija del rey de Corinto. En cuanto a Ana Belén, sin duda, el reclamo de la función, tiene momentos muy buenos aunque se hecha de menos ese sufrimiento, esa lucha y ese desgarro interno que la llevan a hacer lo que hace. 
La obra no esta mal, resulta entretenida pero le falta un poco de pasión, de fuerza y de energía para levantar emociones en el patio de butacas.