jueves, 31 de diciembre de 2015

ENTREMESES
Vuelve al Teatro La Abadía Entremeses de Miguel de Cervantes, una obra que dirige José Luis Gómez, estrenada en el Festival Clásicos en Alcalá en el verano de 2014. 
Con ocasión de su XX aniversario, La Abadía se reencuentra con los Entremeses -La cueva de Salamanca, El viejo celoso y El retablo de las maravillas-, interpretados por un grupo de actores que incluye a varios miembros del reparto original. Las historias están llenas de picardía y por supuesto no falta la critica social. 
En el centro del escenario un árbol seco, pero firme, y a los lados perchas con el vestuario de los actores, y todos los instrumentos necesarios para sumergirnos en la magia del teatro, esta es la escenografía que plantea José Hernández y que se completa con la iluminación de Juan Gómez Cornejo y la música de Luis Delgado. 
Los actores se visten y desvisten en escena, las transiciones entre los entremeses se hacen a la vista del público, mostrando al espectador todo el trabajo de los interpretes, en una especie de juego, donde los actores saltan de un personaje a otro abarcando todo un abanico de tipos que nos retratan como era la sociedad en la que vivió Cervantes, llena de amas, criadas, pícaros, estudiantes, buscavidas, viejos ignorantes, alcaldes, alguaciles... 
Los actores que danzan, cantan y recitan nos deleitan con un espectáculo fresco que mantiene un ritmo ágil y que resulta muy divertido y muy agradable, al que José Luis Gómez ha sabido sacar todo el encanto y toda la fuerza de las palabras de Cervantes. Los protagonistas, un autentico elenco de lujo, esta formado por Julio Cortazar, Inma Nieto (impagable sus participaciones en nuestra señora de las nubes o en Torvaldo furioso, entre tantas otras), Miguel Cubero, Palmira Ferrer (estupenda actriz de comedia, me encantó En la luna), Javier Lara, Luis Moreno (inolvidable en El cortador de bambú, por escoger solo una), José Luis Torrijo, Elisabet Gelabert (tan elegante siempre Veraneantes, Tito Andrónico, Platonov...), Eduardo Aguirre de Cárcer y Diana Bernedo. Todos están soberbios llenos de una energía y una gracia desbordante que se contagia. 
Una obra entretenida y divertida, muy bien interpretada, en resumen, una estupenda disculpa, si es que alguien necesita alguna, para visitar una vez más La Abadía, ese templo del placer inteligente

miércoles, 30 de diciembre de 2015

EL MINISTRO
El Ministro obra de Antonio Prieto, dirigida por Silvestre G., fue ganadora del V Premio Internacional de Teatro para Autores Noveles Agustín Gonzalez y vuelve a subirse a las tablas, en esta ocasión a las de Teatro Infanta Isabel, después de haber pasado por teatros como El Cofidis en temporadas anteriores.
El argumento gira en torno a Ramiro (Carlos Sobera), ministro de Economía, un político ambicioso que intenta conquistar a Sandra (Marta Torné), profesora de francés de sus hijos. Pero mientras Ramiro esta intentando seducir a Sandra, en la sucursal bancaria que hay debajo de su casa se produce un robo. Los ladrones, dos indignados, Félix (Javier Antón) y Yago (Guillermo Ortega) acaban colándose en casa de Sandra cuando escapan del banco.
Toda la acción se desarrolla en el apartamento de Sandra, con una escenografía a la que no le falta un detalle y un texto que juega con la ambición y la falta de escrúpulos de la clase política.
El conjunto es correcto, la comedia tira de muchos tópicos, los actores están bien en sus papeles, el ritmo no esta mal, pero a mi se me hizo un poco larga y no me resulto muy divertida.
Una pena porque creo que se le podía haber sacado bastante mas juego.  

martes, 29 de diciembre de 2015

LA FLAQUEZA DEL BOLCHEVIQUE
De la mano de K Producciones llega al off del teatro Lara la adaptación teatral que David Álvarez hace de La flaqueza del bolchevique novela de Lorenzo Silva que fue finalista del premio Nadal 1997. 
El protagonista y narrador de esta historia se empotra contra el descapotable de una irritante ejecutiva. Ciertamente, él se distrajo un poco, pero ella no tenia por qué frenar en seco ni escupirle todos los insultos del diccionario. Por ello, y para hacer soportables las tardes de aquel bochornoso verano, decide dedicarse "al acecho y aniquilación moral de Sonsoles". Gracias al parte del seguro, consigue su teléfono, y así conoce a su hermana Rosana, una turbadora adolescente. Aunque no tiene fijación con las jovencitas, conserva un retrato de las hijas del zar Nicolás II. Le atrae especialmente la duquesa Olga y a menudo se pregunta qué debió sentir el Bolchevique encargado de matarla. Sería ésta una obra absolutamente cómica si no fuera por el carácter inquietante que adquiere a medida que se complican las argucias del protagonista. 
La sobria escenografía de José Ibarrola (apenas cuatro cubos blancos) y la iluminación de Pedro Yagüe ayudan a ubicar perfectamente los lugares donde se desarrollan las distintas escenas (desde el coche del protagonista, hasta una piscina, pasando por un parque o una discoteca), donde no faltan unas evocadoras proyecciones. 
Adolfo Fernandez da vida al protagonista, que no tiene nombre, seguramente por que carece de importancia, que empieza con un monologo en el que, como si hablara con un amigo va narrando su historia desde el accidente con el coche hasta el momento en el que conoce a la fascinante e inquietante joven que tanto le impacta. 
La obra empieza como una comedia en la que el protagonista no solo nos describe el accidente, sino que también nos cuenta como es su vida, su trabajo y la relación con su familia, todo dentro de una sociedad que él mismo describe como hostil con los trabajadores clasificados en budas, eventuales de mierda y soplapollas (entre los que se incluye), pero pronto entra en escena Rosana, la joven hermana de Sonsoles la mujer con la que choca y entonces todo cambia y empieza a tomar un tinte mas inquietante, notamos como se incrementa la tensión. 
Es una historia muy actual que nos habla de las consecuencias de salirse del camino establecido y de la perdida. 
Adolfo Fernandez, esta fantástico, construye un personaje que no esconde nada, empieza pareciendo un ser insociable, un poco viejo verde, y acaba descubriéndose como un hombre muy solo y muy necesitado de comunicarse son alguien, que acabará pagando las consecuencias de iniciar este acercamiento a esta adolescente. Como siempre una delicia ver a este gran actor capaz de construir un personaje duro e irónico mientras te deja asomarte a su interior para que seas testigo de su fragilidad. Susana Abaitua estupenda también dando vida a una Rosana llena de frescura e inocencia. 
Interesante ejercicio teatral muy bien interpretado por dos estupendos actores llenos de fuerza e intensidad. 
Muy recomendable. 

domingo, 27 de diciembre de 2015

PAPÁ NOEL ES UNA MIERDA
Papá Noel es una mierda se plantea como una comedia violenta. Bajo una apariencia cercana al vodevil acaba dinamitando una tras otra las convenciones más arraigadas de la sociedad políticamente correcta. Pone en solfa la navidad, la familia y la maternidad, pero también cuestiona nuestra visión de las ONG's, la transexualidad, la inmigración o la violencia de género. 
Al menos esto es lo que pretenden Le Splendid autores del texto y los Goliardos compañía que se ha encargado de acercarnos el mismo a la sala Negra de los Teatros del Canal en versión y dirección de Sergio Macías. 
Sobre el escenario: Noche de fin de año en la oficina del Teléfono de la Esperanza, una entidad benéfica que se ocupa de escuchar a los que no tienen a quien hablar. Teresa y Ramón son dos burgueses acomodados que aplacan su conciencia creyéndose útiles. En esa noche irán apareciendo uno tras otro varios de los marginados a los que se supone deberían dedica su atención: un travesti sin autoestima, una indigente embarazada y maltratada, un alcohólico maltratador vestido de Papá Noel y un inmigrante solitario en busca de compañía. Mientras tanto, al teléfono esperan un obseso sexual y una esposa despechada. Un grupo de personas desesperadas ante la última noche del año y quizá de sus vidas. 
Se trata, parece ser, de una comedia muy popular en el teatro y en el cine francés. 
Los Goliardos una compañía que comenzó su andadura hace mas de cincuenta años con un espíritu rebelde y combativo vuelve ahora como Fundación y lo hacen con esta obra. 
La obra que dura alrededor de noventa minutos se me hizo practicamente eterna. El humor me resulto zafio y grosero, los temas de la transexualidad, la violencia de genero o la prostitución entre otros se tratan de una forma muy poco afortunada por decirlo de forma educada, por que sinceramente creo que supera lo políticamente incorrecto. El elenco formado por Emma Ozores, Antonio Vico, Ángel Facio, Alfonso Delgado, Nadia Doménech, Diego Pizarro y Rafa Núñez, tampoco consiguen que la cosa mejore, se pasan media representación gritando no se sabe muy bien por que, además de resultar muy poco naturales las interpretaciones. 
Una pena, creo que es la peor obra que he visto en mi vida, te guste o no la navidad.

sábado, 26 de diciembre de 2015

LOS HERMANOS KARAMÁZOV
Los hermanos Karamázov es un proyecto que Gerardo Vera llevaba tiempo soñando con llevar a escena y que se empezó a materializar cuando reunido en un café con Juan Echanove vio que también  él se emocionaba con este reto. Se trata de la última novela de Fiódor Dostoyevski, empezó a escribirla en 1878 y la terminó diez años después poco antes de morir. Es una obra inmensa que habla de muchos temas, de las relaciones familiares, de dios, del diablo, de la religión y la moral sin olvidar aspectos mas intimos y personales de la condición humana como los estados por los que pasan las personas la culpa, el remordimiento, la redención, el perdón o el castigo. 
La adaptación del texto, todo un reto, es de José Luis Collado que se centra en la historia de esta familia llena de traiciones, ruindades y mezquindades pero también de compasión. De la puesta en escena se encarga el propio Gerardo Vera, un gran espacio diáfano e imponente con muy pocos elementos escenográficos, una mesa, unas sillas y una alfombra que aparecen y desaparecen de escena según conviene, y de fondo, una gran pared con ventanales que insinúa una mansión en declive que sin duda ha vivido tiempos mejores y que, gracias a paneles móviles, recrea también otros espacios necesarios para la representación como un hotel, una sala de juicios, un tugurio o incluso un monasterio. Fantástica la iluminación de Juan Gómez-Cornejo, el espacio sonoro de Luis Miguel Cobo y el impecable vestuario de Alejandro Andújar que sumergen la escena en un ambiente taciturno donde la única nota de color la aporta el vestuario de las dos protagonistas. Muy acertadas las proyecciones y fantásticas las escenas en que las narraciones de hechos pasados toman cuerpo. 
En escena se desata un laberinto de pasiones que Gerardo Vera maneja con maestría a lo largo de mas de tres horas en la que estas atrapado por una sucesión de batallas donde no falta el amor, el odio, el dinero, el sexo y el despecho, es absolutamente fascinante. Toda esta pasión nos llega de la mano de un elenco de lujo que se entregan en cuerpo y alma para regalarnos unos personajes llenos de verdad. Juan Echanove es el padre (Fiódor Karamázov) esta monumental dando vida a este padre vividor y canalla, igualmente fantásticos los hermanos Karamazov, Fernando Gil (Dimitri Karamázov) noble y lleno de ira, Markos Marín (Iván Karamázov) con un carácter oscuro y atormentado que niega la existencia de Dios, Ferran Vilajosana (Alekséi Karamázov - Aliosha como su hijo muerto prematuramente) el hermano novicio que siempre intenta poner paz y sacar lo mejor de cada uno, esta lleno de candor y por último genial también Óscar de la Fuente (Smerdiakov) el hermano bastardo que se mueve siempre en la sombra y que es epiléptico (enfermedad que marco a Dostoiesvski que vio como acababa con su hijo Aliosha y que el mismo padeció). En cuanto a las protagonistas femeninas Lucia Quintana (Katerina) la generosa prometida de Dimitri, sencillamente maravillosa en una interpretación elegante y apasionada y Marta Poveda (Grúshenka), fantástica su desgarrada interpretación de esta mujer tan falta de amor y que tanto ha sufrido marcada por un rechazo sentimental, juntas protagonizan alguna de las escenas mas fascinantes. Estupenda también Antonia Paso que da vida al resto de papeles femeninos, e impecables también el resto de protagonistas masculinos Antonio Medina (Padre Zosima), Chema Ruiz, Eugenio Villota y Abel Vitón.
Conmovedor el trabajo de todos los actores que consiguen que sientas todo el dolor, la pasión e incluso en algunos casos la frustración que llevan a cuestas. 
Una impresionante y maravillosa adaptación, una fantástica dirección y un elenco de lujo hacen de Los hermanos Karamázov un montaje monumental lleno de pasión que emociona. 
Muy recomendable.

domingo, 20 de diciembre de 2015

LOS ATROCES
La compañía Teatro defondo sube al escenario Los Atroces basada en la sangrienta historia de los Átridas, (los Átridas son los descendientes de Atreo, rey de Micenas, en la mitología griega, linaje maldecido por los dioses porque se fundó a partir de la sangre de Tiestes, hermano gemelo de Atreo aunque la maldición es incluso anterior a Atreo, pues ya su abuelo Tántalo intento robar el néctar y la ambrosía de los dioses, además de servir a su propio hijo Pelope como cena, toda una historia marcada por los asesinatos, el incesto, el parricidio y el infanticidio), y lo hace de forma sublime, convirtiendo esta saga griega en una familia española cuya historia recorre el siglo XX hasta llegar a nuestros días donde viven Orestes y Electra. 
La obra comienza cuando Orestes se despierta angustiado sin recordar lo que acaba de hacer, iniciando así un viaje en busca de los errores de la familia de la mano de los fantasmas de las generaciones pasadas. Estos fantasmas que habitan el desván de la memoria le ponen un toque de humor e incluso de humanidad a una historia cargada de traiciones, canibalismo, incesto, asesinatos y violaciones, una maldición que los persigue y que parece imposible romper. Juntos han asumido su condición y desde su vagar eterno intentan guiar a Orestes que intentara romper con su trágico destino, 
"todos arrastramos un crimen irreparable 
a cada paso creemos dejarlo atrás 
y sin embargo, al girar la mirada, 
está en nuestra espalda 
y ni siquiera lo comprendemos 
y pensamos 'No fui yo, no fui yo quien lo hizo'."
Un autentico culebrón con ritmo de pasodoble que se desarrolla en un escenario practicamente vacío, donde el escaso mobiliario esta envuelto por grandes telas blancas y unas enormes gasas cubren el fondo dando la sensación de estar en una casa abandonada o deshabitada desde hace años, tenuemente iluminada donde no sorprende encontrar fantasmas. Estupendo el vestuario de Val Barreto. 
La dramaturgia y la dirección de Vanessa Martínez es soberbia. Dando vida a este inteligente texto están seis magníficos actores que se desdoblan en varios personajes como ya nos cuentan con mucha gracia en la introducción, gran idea también pintar el complicado árbol genealógico en el suelo como guia para no perderse con el nutrido numero de miembros de esta larga saga familiar. Nuria Benet (Hipodamia, Electra), Mon Ceballos (Orestes), Pablo Huetos (Tántalo, Atreo, Psicólogo), Vicenç Miralles (Pélope, Agamenón), Pedro Santos (Tiestes, Mírtilo, Egisto) y Gemma Solé (Clitemnestra, Dione, Pelopia), los seis están enormes dando los matices necesarios a cada uno de los personajes que encarnan, una exhibición interpretativa y todo un lujo. 
  Los atroces, una historia sobre la culpa, que nos acerca a la mitología de una forma original y diferente. Una obra que combina tragedia e ironía, conmovedora y escalofriante a partes iguales que sorprende y apasiona. 
Un deleite para los sentidos que espero que vuelva pronto a subirse a las tablas. 
Muy, pero que muy, recomendable.

sábado, 19 de diciembre de 2015

RAPSODIA PARA UN HOMBRE ALTO

Escritos en la Escena plantea un modelo de escritura dramática a pie de escenario: partiendo de un primer borrador, el autor desarrolla y finaliza el texto en el ámbito escénico, trabajando estrechamente con un grupo de intérpretes. El objetivo es llegar a elaborar textos dramáticos viables y aptos para ser exhibidos, pudiendo llegar a prorrogar su vida en otros escenarios. Siguiendo con el proyecto de Escritos en la Escena que ya inicio hace unos años el Centro Dramático Nacional llega ahora Rapsodia para un hombre alto un texto de Félix Estaire que también se encarga de la dirección. Es la final del mundial de baloncesto. El marcador está ajustadísimo. Una falta personal y tres tirios libres por delante. El tiempo se ha muerto. ¿Qué ocurre en la mente del jugador que tiene en sus manos la gloria o el fracaso de su equipo? El resultado real del partido en escena (es decir, según se encesten o no los tiros libres) determinará el final entre las distintas posibilidades de continuidad y desenlace que ofrece la pieza. El ambiente tenso de cualquier final alcanza tintes dramáticos en este caso porque se trata del enfrentamiento de dos países recién escindidos. La pieza también incluye un drama familiar, ya que el jugador que tiene en sus manos el lanzamiento de los tres tiros libres es el hermano del jugador que le ha hecho la falta. A través de la relación entre el padre y unos de los hijos nos vamos adentrando en la historia de un desencuentro que acaba en trágica ruptura. 
El espectáculo es una gran metáfora de las incertidumbre que siembran el camino que recorremos a medida que vamos tomando decisiones y donde es inevitable pensar que hubiera pasado de tomar otra opción. La ubicación a ambos lados del escenario resulta en este caso muy apropiada, el movimiento escénico esta perfectamente coreografiado, la iluminación intimista y el acertado espacio sonoro ayudan a ubicarse en los continuos saltos en el tiempo que nos ayudan a entender como se ha llegado a ese momento y como es la relación de ese jugador con su familia. Toda la narración va salpicada de hechos producidos en el mundo del baloncesto en el contexto de la separación de la repúblicas de la antigua Yugoslavia. 
Los protagonistas son Ignacio Jiménez que es el jugador y el siempre maravilloso José Ramón Iglesias que da vida a varios personajes (padre/entrenador/árbitro), los dos están muy estupendos. 
Una propuesta original con una interesante reflexión. 

viernes, 18 de diciembre de 2015

PÁNCREAS
En la sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán se puede disfrutar de Páncreas de Patxo Telleria (se estreno en vasco y ahora llega en su versión es castellano) que dirige Juan Carlos Rubio y que protagonizan Fernando Cayo, Alfonso Lara y Santiago Ramos. 
Se trata de un texto ágil y certero sobre la condición humana, que por supuesto, esta plagado de humor negro. 
En escena encontramos a tres amigos, uno tiene previsto suicidarse antes de llegar a sufrir los estragos y el deterioro de la vejez, otro necesita urgentemente un trasplante de páncreas para salvar su vida, y el tercero decide juntarle a los dos para que el primero adelante un poco sus planes para poder donarle su páncreas al segundo. A partir de aquí se precipitaran los acontecimientos, que los tres amigos nos narran en verso, siempre teniendo presente que 
todo lo que puede amigos, de algún modo suceder, 
acaba tarde o temprano, sin remedio, sucediendo, 
sea noble, criminal, hermoso, oscuro u horrendo. 
Eso y mucho más pasó en aquel anochecer... 
Con una fantástica puesta en escena que incluye la escenografía de José Luis Raymond que recrea un salón con las paredes agrietadas y polvorientas, la música original (con un par de canciones en directo que resultan estupendas) y el espacio sonoro de Miguel Linares a ratos juguetón a ratos inquietante, y por supuesto la iluminación de José Manuel Guerra que acaba de completar este ambiente un poco misterioso en el que se desarrolla esta noche aciaga. Muy elegante el vestuario de María Luisa Raymond que viste a los tres protagonistas con trajes iguales (solo cambia el color de la corbata) con bombín y todo, e indispensable el trabajo de Federico Barrios que se encarga del movimiento corporal. Como colofón de esta cuidada puesta en escena tenemos la maravillosa interpretación de estos tres grandes actores que dan vida a estos tres amigos que se conocen haciendo terapia: Fernando Cayo (César) que acude a la terapia por un problema de control de ira, Alfonso Lara (Javilo) que va para superar la sensación de abandono que sufre, y Santiago Ramos (Raúl) que acude por su tendencia suicida, aunque esto es solo la punta del iceberg de sus verdaderos problemas. 
Los tres tienen personalidades muy distintas que se complementan perfectamente, los tres están magníficos, todo un lujo disfrutarlos en escena. 
Una tragicomedia original, con su puntito de comedia negra, en la que se habla de suicidio, de soledad, de muerte, de vida... pero todo de una forma tan disparatada y mágica que uno no puede dejar de sonreír. 
Ideal para pasar una maravillosa tarde de teatro.

sábado, 12 de diciembre de 2015

LAS GUERRAS CORRECTAS
Ahora llega al Corral de Comedias de Alcalá de Henares Las guerras correctas texto de Gabriel Ochoa que también se encarga de la dirección. La obra es una coproducción entre las Salas Teatro del Barrio, la sala valenciana de La Rambleta junto con el Teatro del Temple. 
El estreno se pudo disfrutar en el Teatro del Barrio que siguiendo la estela del teatro documental crítico, social y comprometido de corte politico, como ya hiciera en Ruz/Bárcenas, reproduce en esta ocasión la histórica entrevista entre Iñaki Gabilondo y el entonces presidente Felipe González en 1995, centrada en el GAL y el Señor X. Es un interesante ejercicio de recreación tanto de como se gesto la entrevista como de la propia entrevista, ademas de reflexionar sobre el periodismo y de la politica. 
Con apenas dos sillones y dos telefonos rojos en escena, la magistral dirección de Gabriel Ochoa consigue que viajemos a traves del tiempo y el espacio para saltar de una habitación de hotel en Nueva York, al despacho de García Candau, a un plató de televisión, a una casa de campo o a un parque... para ponernos en antecedentes y poder ubicar la famosa entrevista en televisión, una entrevista dura y directa en la que acabaron saltando chispas "¿organizó usted los GAL, señor presidente? ¿autorizó usted la guerra sucia contra ETA?
Los actores resultan magnéticos imitando sin parodiar a los protagonistas de la historia, a traves de pequeños detalles o gestos, Manolo Solo (Felipe Gonzalez), Luis Callejo (Iñaki Gabilondo), Cesar Tormo (Jordi García Candau) y Chani Martín (Alfredo Pérez Rubalcaba) este último le da un tono un poco más ironico a su personaje que arranca algunas risas un poco malvadas. Todos estan brillantes. Estas propuestas de recreación son interesantes e impactan por la potencia y la cercania con la que te enfrentan a momentos historicos, y ofrecen una magnifica oportunidad para reflexionar de forma mas sosegada sobre hechos que a veces se pierden en la voragine de los boletines de noticias. Interesantes también los datos sobre terrorismo de Estado que una voz en off nos recuerda y que producen, sin lugar a dudas, un cierto desasosiego. 
Como siempre muy interesante y muy necesarios este tipo de montajes que invitan a recordar y a reflexionar, y que el Teatro del Barrio siempre presenta con una calidad y unos actores de lujo.
DANZAD MALDITOS
El teatro Español incorpora a su programación, como novedad esta temporada, una selección de espectáculos que dejaron huella en la última edición del Festival Frinje15, en este caso se trata de Danzad malditos, una adaptación libre de la película de Sidney Pollack Danzad, danzad, malditos, que narra como en la época de la Gran Depresión, en Estados Unidos se organizaban concursos donde las parejas bailaban de manera continuada, día y noche, hasta acabar extenuados. Ganaban los que más resistían y recibían dinero en metálico. Esta propuesta reproduce aquellos maratones de resistencia. La competición se desarrolla de manera real, cada función es un folio en blanco que se irá escribiendo con cada movimiento de sus participantes. 
Verónica Ronda
El espectáculo se centra en la competición como metáfora de la lucha por la supervivencia en tiempos de crisis. Alberto Velasco ha conseguido crear con este texto de Félix Estaire y un fabuloso equipo de interpretes atraparnos con un espectáculo conmovedor más próximo a la performance que al teatro convencional que explora los limites de la miseria y la desesperación humana. Ya desde que llegas a la sala Max Aub del Matadero te impresiona la escenografía de Alessio Meloni, una estética polvorienta y en clara decadencia, un muro que se hunde en la arena, muebles rotos y abandonados por todas partes y todo cubierto de tierra. El conjunto se completa con un fabuloso vestuario harapiento de Sara Sánchez de la Morena, una maravillosa ilumina de David Picazo y la música original de Mariano Marín que crea una atmósfera tensa y angustiosa que resulta perfecta. 
Se recrea una sociedad dura, desgarrada donde los que no tienen nada deben competir entre ellos para hacerse con un premio mientras sirven de entretenimiento y diversión para el resto, donde los sentimientos no interesan y se arrancan cruelmente desde la infancia (representado de forma muy gráfica en la evocación del maestro de ceremonias describiendo como tuvo que matar a su caballo herido cuando era niño), para acabar descubriendo que "quizá este endiablado mundo sea sólo un escenario, y todo está amañado incluso, antes de que puedas actuar" como sentencia Jane Fonda en la película. 
En medio de todo esto, un extraordinario grupo de actores, Guillermo Barrientos, Carmen del Conde, Karmen Garay, José Luis Ferrer, Rubén Frías, Ignacio Mateos, Nuria López, Sara Parbole, Txabi Pérez, Rulo Pardo, Sam Slade, Ana Telenti, Verónica Ronda y Alberto Frías, cubiertos de tierra y sudor que conforman un autentico muestrario de desesperados. Todos los actores realizan un trabajo impresionante y agotador donde Rulo Pardo actúa a modo de maestro de ceremonias y se encarga de provocar, angustiar e incitar a los concursantes a llegar al limite (quien estaría dispuesto incluso a comerle los cinco dedos por ganar) implicando también al público en esta macabra y siniestra danza casi a muerte. Y acompañando a Rulo Pardo la extraordinaria cantante y actriz Verónica Ronda, que resulta fascinante, curiosamente aunque no es una de los concursantes su presencia resulta indispensable y magnética, a mi personalmente me impresionó de forma muy especial su interpretación (impagable esa danza por los suelos donde sentimos la angustia del caballo lesionado que deberá ser sacrificado). 
Emocionante, desgarrador y original espectáculo que nos hace cuestionarnos y reflexionar sobre nuestro papel en la sociedad, sí,  todos nos levantamos por la mañana por dinero como nos dice el texto pero ¿intentamos hacer algo? o nos limitamos a sudar y arrastrarnos por la tierra como los protagonistas de la obra, luchando entre nosotros. 
Mientras tanto resulta una gran experiencia dejarse seducir y disfrutar de esta original propuesta, de este homenaje a los perdedores.
"Buenas noches. En el espectáculo que van a ver a continuación, Danzad malditos, las pruebas son reales, los actores se saben el texto de todos los momentos, ya que cada noche, ganadores y eliminados pueden ser distintos. No hay trampa ni cartón, hay esfuerzo y arena".

jueves, 10 de diciembre de 2015

LA CRAZY CLASS
Se estrena ahora en los Teatros del Canal el nuevo espectáculo de L'Om Imprebís, La Crazy Class un homenaje al teatro con un carrusel de personajes que aborda desde temas cotidianos de la actualidad hasta los deseos y sueños mas intimos. La trama se desarrolla en un centro cultural donde se van a impartir unas clases de teatro y al que acuden un grupo de personas muy variopinto, un torero que quiere cambiar de profesión, un militar viudo, un hombre que trabaja en el puerto, su hijo que trabaja en un McDonald, una enfermera vasca, dos hermanas una es ama de casa y la otra tiene un bar, un actor que ha conocido tiempos mejores, una exbailarina... y así hasta completar este heterogéneo grupo que acabara compartiendo algo mas que un curso de teatro. 
La Crazy Class plantea temas muy interesante sobre el teatro, como donde termina el actor y comienza el personaje, o como puede algo como el teatro, donde todo es mentira y artificio, provocar sensaciones y sentimiento que son de verdad, pero además también aborda el teatro como una herramienta fantástica para superar miedos, vergüenzas, traumas, para tener confianza en uno mismo o sencillamente para relajarse. 
El profesor empieza por enseñar cosas básicas como a caminar tomando conciencia del espacio, o a pisotear el ego, para continuar pidiéndoles que aprendan y reciten textos, pero no de forma mecánica sino tomando conciencia de todo lo que a través del teatro aprendemos del mundo en el que vivimos. Con fragmentos de textos de obras como Las Tres hermanas, Casa de muñecas, El mercader de Venecia o Hamlet, de autores como Chéjov, Ibsen o Shakespeare que sirven como conexión entre las clases y la vida personal de los alumnos, vamos conociéndoles mejor y entendiendo sus motivaciones para inscribirse en el curso. A medida que avanza la obra nos damos cuenta que no solo se reflexiona sobre el teatro y la función desempeña en la sociedad o la que debería desempeñar, sino que se tratan multitud de temas cotidianos desde los trabajos precarios, hasta las relaciones familiares, las de pareja, la homosexualidad, la perdida, la falta de empatía, la prensa... en definitiva la vida. Y todo esto lo hacen posible Santiago Sanchez (el profesor) y Carles Castillo, Carles Montoliu y Elena Lombao que se desdoblan en un montón de personajes de personalidades muy distintas. 
Sin ninguna escenografía, tan solo unas sillas en escena, vestidos de negro y tomando solo un detalle para identificar a cada personaje (un bolso, una toalla, un oscar de plástico, una gorra de militar...), solo Elena Lombao se caracteriza a través del vestuario cada vez que cambia de personaje, consiguen emocionarte. 
Impecable la dirección de Santiago Sánchez y Michel López y muy hermosa la coreografía de Paloma Díaz que consiguen que todo y todos aparezcan exactamente donde deben y el espectáculo sea tan redondo y lleno de ritmo. 
Es impresionante el trabajo actoral, están realmente magníficos. 
Un texto muy inteligente con un elenco de lujo que merece la pena disfrutar, de principio a fin, aunque el soberbio Hamlet que montan como fin de curso ya justificaría por si solo asistir a La Crazy Class sin dudar. Muy recomendable.

martes, 8 de diciembre de 2015

TRÁGALA, TRÁGALA...
 Trágala, trágala..., que se estreno en el teatro Español entre marzo y abril de este año llega ahora al teatro Nuevo Apolo. 
La trama arranca cuando en medio de una performance en francés que se ceba con los rasgos negativos del carácter español, Fernando VII se levanta de su tumba con el propósito de que la nación retorne al camino de esos valores eternos que el impuso a sangre y fuego. Fernando VII llamado el Deseado o el rey Felón, rey que reinstauró el absolutismo en España después de la expulsión de José Bonaparte y su ejercito napoleónico, derogando la constitución de Cadiz de 1812, popularmente conocida como La Pepa, y persiguiendo a los liberales, sin duda uno de los peores monarcas que ha conocido nuestro país, y ya es decir. Requerida la presencia de un médico por el vacilante estado en el que se encuentra recién vuelto a la vida, se ofrece un psiquiatra, argentino, por supuesto, que propone al resucitado una sesión de psicoanálisis para aclarar porqué no se siente querido y los motivos de la valoración tan negativa que concentra su persona y que le ha llevado a tener el calificativo de rey felón. Una forma de tumbar en el diván a España y su historia. En el diván Fernando VII repasa su vida: su relación con sus padres y el valido Godoy, el motín de Aranjuez, la inquisición, la Guerra de Independencia, su absolutismo enfermizo (todo lo absoluto me gusta), su regreso, la década ominosa.... 
Esta farsa contemporánea esta llena de guiños y de humor donde lo mas importante es la capacidad de reírse de uno mismo para poder entender la historia de España, donde estamos y de donde venimos. Cuando Fernando VII resucita hoy, se encuentra con un país en crisis, una corrupción generalizada, Cataluña independizándose, la monarquía tambaleándose, en definitiva, un poco lo de siempre, una España un poco ingobernable, donde no faltan personajes de la actualidad como la Reina Letizia o el propio Pablo Iglesias. ¿Tendremos solución como país? o España definitivamente más que una tragedia será un sainete. La respuesta dentro de unos días, cuando votemos, o ¿quizás tampoco entonces?. 
El texto es de Iñigo Ramírez de Haro (cuñado de Esperanza Aguirre y destituido por Margallo como encargado de Negocios y numero dos de la embajada de España en Belgrado (Serbia) a raíz de las declaraciones realizadas con motivo del estreno de Trágala, trágala... en el Teatro Español). La dirección corre a cargo de Juan Ramos Toro (Yllana) y la composición musical y las letras satíricas de las canciones que acompañan al espectáculo las firma Ron Lalá. 
La función resulta entretenida y divertida aunque simplifique en exceso la historia y utilice en algunos momentos un humor un poco absurdo y facilón. Todo el elenco esta totalmente entregado en esta alocada aventura donde destacan Fernando Albizu que borda a este Fernando VII venido del "mas allá" para descubrir que el "mas acá" tampoco ha mejorado tanto, esta divertidisimo. Ana Cerdeiriña, estupenda como reportera ingeniosa y parlanchina (inolvidable su interpretación de la canción No soy feliz en el papel de Letizia) y por supuesto Balbino Lacosta que lo mismo se mete en la piel de un inquisidor que da vida a la reina María Luisa, todo con la misma gracia, soltura y desparpajo.Sin olvidar al resto del elenco, Jorge Machín, Ramón Merlo, Luis Mottola, Joshean Mauleón, Manuel Maestro y Paula Iwasaki, que van saltando de un personaje a otro, multiplicándose para dar vida a toda esta peculiar corte. 
Aunque con algunos altibajos de ritmo, esta alocada obra resulta entretenida y amena.
EL ALCALDE DE ZALAMEA
Desde que cerrará sus puertas el 30 de marzo de 2002 para llevar a cabo un amplio plan de reformas han pasado ya 13 temporadas esperando la reapertura de el Teatro de la Comedia sede de la Compañía de Teatro Clásico. Para celebrar la vuelta a su sede Helena Pimenta a decidido subir a las tablas de este renovado teatro El alcalde de Zalamea de Calderón de la Barca en versión de Álvaro Tato(componente de Ron Lalá) (curiosamente la primera vez que visite el Teatro de la Comedia fue para ver otra versión de esta misma obra). 
Carmelo Gómez (Pedro Crespo) y Joaquín Notario (Don Lope de Figueroa)
La obra narra el drama vivido en la localidad de Zalamea de la Serena cuando pasan las tropas reales camino de Portugal para participar en la guerra. El capitán Don Álvaro de Ataide de origen noble, es alojado en la casa de un labrador rico pero villano, Pedro Crespo, que decide ocultar a su hermosa hija Isabel para evitar problemas, sin embargo, el capitán acaba urdiendo un plan para conocerla tras lo cual se obsesiona con ella hasta el punto de secuestrarla y violarla. Es entonces cuando su padre recién nombrado alcalde detiene, juzga y ajusticia a Don Álvaro a pesar de no tener jurisdicción sobre el militar. La trama se resuelve cuando el Rey Felipe II ratifica la decisión del alcalde porque "¿que importa errar en lo menos quien acertó lo de más?"
Nuria Gallardo (Isabel) y Carmelo Gómez (Pedro Crespo)
Se trata de un drama que habla de honor, de justicia y de dignidad. 
Jesús Noguero (Don Álvaro de Ataide) y Óscar Zafra (Sargento)
La diáfana escenografía que diseña Max Glaenzel, dominada por los ocres (tierra en el suelo, pared del fondo como de adobe y tarimas de madera a ambos lados) esta perfectamente matizada en las distintas escenas gracias a una impecable iluminación de Juan Gómez Cornejo y muy bien ambientada con la música barroca que selecciona Ignacio García. En escena también esta la cantante Rita Barber, que tiene una hermosa voz, pero que no parece encajar demasiado bien en el conjunto de la puesta en escena. 
En cuanto al elenco todos están impecables del primero al último. Estupendos siempre Francesco Carril (Don Mendo), Óscar Zafra, Álvaro de Juan (Nuño), Rafa Castejón (Juan), David Lorente (Rebolledo) y por supuesto Jesús Noguero (capitán Don  Álvaro de Atiade). Pero sin duda destacan especialmente Nuria Gallardo (Isabel), Joaquín Notario (para mi el actor que mejor recita el verso) y Carmelo Gómez (Pedro Crespo) que están soberbios, con escenas magnificas como el reencuentro entre padre e hija después de ser violada, donde Carmelo Gómez y Nuria Gallardo protagonizan uno de los momentos mas emotivos, desgarrados y conmovedores de la obra, que alternan con otras mas distendidas como las protagonizadas por Carmelo Gómez y Joaquín Notario que representan un duelo interpretativo memorable, todo un recital (Don Lope: ¡Juro a Cristo, que parece que vais teniendo razón!; Crespo: Sí, juro a Cristo, porque siempre la he tenido yo.). No faltan tampoco momentos estéticamente muy bellos realizados como a cámara lenta como la lucha con espadas o los hombre jugando al frontón. 
Un montaje que fluye con buen ritmo y que alterna momentos muy dramáticos con otros mas cómicos todo impregnados por los versos y el genio de Calderón de la Barca. 
Una gran experiencia volver al teatro de la Comedia para pasearse por el siglo de Oro de la mano de la CNTC y comprobar que nuestro presente bebe directamente de nuestro pasado, y entender tantas cosas que nos pasan. 
Casi dos horas de representación que se pasan volando, muy recomendable. 

lunes, 7 de diciembre de 2015

LOS DESVARÍOS DEL VERANEO
Los desvaríos del veraneo de Carlo Goldoni es la tercera obra que monta Venezia Teatro que ya nos hizo disfrutar de buen teatro con los montajes de La isla de los esclavos y La hostería de la Posta. Ahora con Los desvaríos del veraneo inicia la puesta en escena de la Trilogía del Veraneo de Carlo Goldoni que esperan poder completar en los próximo años. 
La obra nos relata como dos familias vecinas de la ciudad de Livorno se preparan para ir de vacaciones de verano al campo donde también son vecinos. Queda mucho por hacer: compras de última hora, preparativos para las fiestas que tendrán lugar a lo largo del verano, vestidos nuevos a la última moda, preparación de carrozas y monturas... en definitiva unos gastos excesivos que no siempre se pueden afrontar. Leonardo es un joven sin muchos recursos que vive con su hermana Vittoria y su criado Paolo, administrador con bastante mas sensatez que sus amos de la poca riqueza que les queda. Leonardo esta perdidamente enamorado de Jacinta, joven independiente y con mucha personalidad de la que también está enamorado el joven Guillermo. En definitiva un sinfín de enredos y conflictos que hacen que ambas familias vayan retrasando el viaje. 
Los nueve protagonistas están reunidos en el escenario sentados en circulo alrededor de una pantalla disfrutando de escenas de veraneo mientras se va acomodando el publico y permanecerán en el escenario durante toda la representación atentos a todo lo que pasa en escena y haciendo algún pequeño guiño o colaboración a los compañeros que protagonizan la escena en distintos momentos. a los lados del escenario hay dos micros a través de los cuales nos llegan los pensamientos que se les pasan por la cabeza a los protagonistas. 
La escenografía es de lo mas sencilla, una gran alfombra en el centro donde se desarrolla la acción rodeada por cajas, baúles y maletas donde se sitúan los actores que no se encuentran en ese momento en escena y que crea ese ambiente un poco caótico de preparación de maletas y empaquetado previo al comienzo de un viaje. El vestuario muy original con toque actuales mezclados con toques mas clásicos es estupendo para acompañar este juego de apariencias. 
José Gómez Friha dirige magistralmente a los nueve actores que dan vida a los protagonistas de esta divertida comedia, todos están fabulosos. Juanma Navas (Filippo) y Vicente León (Fulgenzio) son los veteranos del elenco el primero da vida al padre bonachón manejado por su hija Jacinta, el segundo es el amigo estricto, tradicional y un poco cascarrabias, Helena Lanza (Brígida) la criada alocada y romántica, Andrés Requejo (Paolo) estupendo en su doble papel de criado, Borja Luna (Guillermo) muy tierno como el simpático e inocentón enamorado de Jacinta, Antonio Lafuente (Leonardo) fantástico como el hermano manirroto de Vittoria siempre celoso de su querida Jacinta, Kike Hinojosa (Ferdinando) muy divertido este criticón y cotilla gorrón, y por último las maravillosas Ana Mayo (Vittoria) y Macarena Sanz (Jacinta) fantásticas estas dos "amigas" envidiosas, presumidas y caprichosas que protagonizan algunos de los mejores momentos de la obra, impagable la escena que comparten. 
Una obra llena de momentos muy divertidos que trata temas muy actuales con un elenco que derrocha simpatía y desparpajo, ideal para disfrutar de buen teatro. 
Muy recomendables siempre las propuestas que nos ofrece Venezia Teatro. 

domingo, 6 de diciembre de 2015

EL SEÑOR DE LAS MOSCAS
Hace tiempo que tenía ganas de ver en acción a #LAJOVENCOMPAÑÍA pero hasta ahora no lo había conseguido, en esta ocasión también ha llegado un poco por los pelos, la última representación de El señor de las moscas, de William Golding. 
La compañía que nace en 2012 creada por David R. Peralto y José Luis Arellano, esta formada por jóvenes de entre 18 y 26. Actualmente La Joven Compañía tiene su residencia en el Teatro Conde Duque de Madrid aunque también realiza giras por distintas ciudades y festivales a lo largo y ancho de nuestro país. Su objetivo es contribuir a la creación de futuros profesionales, artísticos y técnicos, fomentando la investigación dramática y buscando la incorporación de los públicos jóvenes al teatro a través de un proyecto pedagógico, en el que colaboran también otros profesionales del circuito teatral. 
La acción de El señor de las moscas se desarrolla en una isla aparentemente deshabitada donde se estrella un avión lleno de niños a los que se pretendía poner a salvo de los bombardeos que se están produciendo en su país inmerso en la Guerra Mundial. Solos en esta isla tienen que tomar su propio camino y decidir como organizarse. Unos intentan reproducir una organización similar a la que han conocido, reproduciendo los patrones de una sociedad con unas reglas en las que todos participen de un modo mas o menos ordenada, frente a otros que deciden dejarse llevar por la violencia sin atender a convencionalismos éticos. Todo se tambalea cuando aparece en su joven y frágil sociedad una "bestia" que pone a los niños contra las cuerdas y hace que aflore lo mas profundo de su naturaleza, y lo que empieza como una aventura acaba como una lucha con dramáticas consecuencias. 
La escenografía muy sencilla formada por una serie de andamios, lianas y plataformas sobre la arena por donde se mueven, luchan, corren y saltan estos jóvenes vestidos con uniformes de colegios ingleses y donde no faltan mascarillas de gas y palos es perfecta para conseguir crear un ambiente claustrofóbico, gracias también a una impecable iluminación y un sugerente espacio sonoro (poblado por inquietantes sonidos que contribuyen a aumentar la atmósfera angustiosa). Lo que empieza siendo una gran oportunidad de empezar de cero, donde no parece haber limites acaba siendo una especie de jaula donde afloran los instintos mas básicos y donde jóvenes como Piggy, Ralph y Jack pierden definitivamente la inocencia después de tanta adversidad. Ningún chico será el mismo cuando abandone la isla. 
El elenco forma un grupo compacto donde todos están a gran nivel y donde impacta junto a la interpretación, el ímpetu y la energía con la que se mueven por escena y con la que consiguen que el publico entre en el juego y se asome al abismo donde habita la bestia. 
Muy interesante el trabajo que esta realizando La Joven Compañía y muy satisfactorio escuchar a jóvenes del patio de butacas emocionados con lo que acababan de ver y deseando leer el libro. Enhorabuena y espero que el proyecto siga vivo mucho tiempo.

jueves, 3 de diciembre de 2015

BANGKOK
En la sala de la Princesa del teatro María Guerrero se ha estrenado Bangkok un texto escrito y dirigido por Antonio Morcillo López con el que ganó el premio SGAE de teatro 2013. 
En un aeropuerto vacío de la geografía española, aparece un misterioso anciano con un billete para volar a Bangkok. Allí se encuentra con la única persona que trabaja en esas instalaciones; un joven guardia de seguridad. Este le informa de la imposibilidad de realizar el viaje que tenía planeado: En ese aeropuerto no hay aviones. Nunca los ha habido. Se trata de un aeródromo que a pesar de haber sido inaugurado, nunca ha estado operativo. Ante la incredulidad y la insistencia del viajero, el guardia le permite quedarse. A partir de ese momento se inicia entre los dos un diálogo en que no sólo se cuestionarán sus vidas, sus trabajos y la situación política, sino que también, poco a poco, se revelará la auténtica naturaleza de su encuentro. Morcillo compone un texto inteligente con una gran dosis de crítica donde no falta la ironía y lo hace a través del dialogo que entablan estos dos desconocidos. 
La escenografía es muy sencilla, un par de filas de asientos y unas pantallas como las que se encuentran en cualquier sala de espera de cualquier aeropuerto y donde la iluminación de Kiko Planas es sin duda lo mejor porque consigue sumirlo todo en una especie de atmósfera irreal, como de sueño. El encuentro de los dos protagonistas tiene momentos bastante surrealistas, donde nada es lo que parece en esta lucha dialéctica, la tensión irá en aumento y poco a poco veremos que ya nada parece tan casual, un duelo que deja claro que todo en esta vida esta interrelacionado, que nada es inocuo, que nada pasa al azar. 
Los interpretes son Dafnis Balduz, que da vida al vigilante y Fernando Sansegundo que es el viajero, están estupendos, Sansegundo, fantástico compone un personaje que empieza dando la sensación de desamparo para ir transformándose en un halcón a medida que avanza la historia, Balduz impecable, a ratos entusiasta, a ratos desengañado y a ratos vulnerable y sensible. 
Aunque la obra tiene algunos momentos en que parece perder ritmo, en general resulta interesante ver este combate metafórico entre halconessisones aunque sea un poco desolador ver como mantienen un dialogo para sordos donde cada uno se siente cargado de razones y donde lo mas devastador es ver el desequilibrio de fuerzas que lo rige todo. 
Curiosa experiencia.    

domingo, 29 de noviembre de 2015

40 AÑOS DE PAZ
Continua la XXXIII edición del Festival de Otoño a Primavera en los Teatros del Canal y en esta ocasión lo hace con una obra escrita y dirigida por Pablo Remón y que sube a las tablas la compañía La_Abducción. 
40 años de paz cuenta la historia de una familia franquista desde la muerte de Franco hasta el momento actual. La familia formada por la madre y sus tres hijos forman una curioso grupo marcado por la muerte del padre, un militar franquista, ahogado en la piscina el 23 de febrero de 1981. Los cuatro miembros de la familia toman el sol alrededor de una piscina deteriorada y sucia de una casa solariega en un caluroso y monótono día de verano en la inmensa meseta castellana. Cada uno de los protagonistas va tomando la palabra para ir narrando desde su ángulo particular los hechos que han ido marcando su existencia, las drogas, la maternidad, los fracasos laborales de unos, los éxitos de otros, el peso de los años y las circunstancias que los han marcado a todos. Cada uno es protagonista de su historia y ayuda a narrar la de los demás. 
Con una maravillosa escenografía, que representa el jardín de esa casa solariega con piscina que sin duda a vivido tiempos mejores, una hermosa iluminación y una estupenda ambientación sonora, podemos disfrutar de cuatro fantásticos actores. Ana Alonso es la hija, una actriz que no pasa por su mejor momento ni profesional (ha dejado la interpretación y esta bloqueado en su intento de escribir un guión), ni personal (intenta tener un hijo con el hombre que acaba de abandonarla y se siente muy presionada por el paso del tiempo). Fernanda Orazi es la madre que ve pasar el tiempo y como todo lo que la rodea se va desmoronando, incluidas las vidas de sus hijos pero es incapaz de hacer nada al respecto. Francisco Reyes es el hijo mayor, encarna a la perfección el espíritu del padre, es un abogado experto en fusiones de grandes empresas, triunfador y adicto al trabajo, felizmente casado, padre de tres hijos, que mantiene una relación extraconyugal con una socia junior del bufete. Emilio Tomé es el hijo pequeño, poeta y homosexual, ha tocado fondo después de su adicción a las drogas, de vuelta al hogar familiar, le despierta un día la voz de su padre muerto, que se le presenta con todo su porte castrense y le hace una peculiar petición que le obsesionara y dará lugar a que se desarrolle toda la trama. 
La obra se estructura como una sucesión de pequeñas historias que componen en conjunto la historia de la familia, una historia compuesta de pequeños dramas salpicados de notas de humor y teñidos por la melancolía de los tiempos pasados (y perdidos). Los cuatro actores están fabulosos componiendo las piezas de este puzzle que son sus vidas y que se van ensamblando ante nosostros desvelando sus frustraciones y sus deseos mas intimos. 
Una historia muy bien contada y con mucho sentido, una propuesta muy inteligente y muy interesante que espero que tenga la oportunidad de visitar mas teatros después de este breve paso por las tablas de los Teatros del Canal.

sábado, 28 de noviembre de 2015

COSAS QUE SE OLVIDAN FÁCILMENTE
ESPECTÁCULO PARA CINCO ESPECTADORES
Después de pasar por el festival FRINJE15 este verano, el Teatro Español recupera esta pequeña joya para representarla en la biblioteca del Español. Se trata de una obra diseñada para que la disfruten cinco espectadores por representación. 
El espectáculo creado, dirigido y protagonizado por Xavier Bobés es sin duda una experiencia singular. "El año pasado me di cuenta que empezaba a tener problemas de memoria. Comprobé que mi madre también padecía de vacíos importantes. Cosas que se olvidan fácilmente es un espectáculo fotográfico que transforma los recuerdos y que, del mismo modo que lo hace el olvido, inventa otros nuevos". Un juego de cartas. Una pequeña historia de la segunda mitad del siglo XX en España. Un espectáculo fotográfico que transforma los recuerdos y que, del mismo modo que lo hace el olvido, inventa otros nuevos. Si tuvieras que escoger una fotografía de tu vida, ¿cuál sería?. 
Xavier Bobés consigue crear un universo visual y sonoro enriquecedor y deslumbrante, un espectáculo lleno de poesía en un ambiente intimo donde sigues la narración totalmente fascinado. Toda una experiencia por la que merece la pena dejarse seducir, un autentico regalo para los sentidos. Un espectáculo que sin duda no olvidaremos fácilmente.