lunes, 24 de agosto de 2015

LA NIÑA DE PLATA
La niña de Plata, es, según todos los personajes, una mujer excepcional. Goza de una inteligencia abrumadora, rima hermosos versos, es ingeniosa, bella y honrada. Sus dones son cantados a lo largo de la obra por todos los personajes, pero resultan ser de tal inutilidad para conseguir su objetivo: casarse con Juan, ya que el padre de este no permite la boda porque aunque la niña es pura virtud, no tiene más dote que su belleza, su talento y su honradez. Admirada por todos, se afana en salvaguardar su mayor riqueza, su honra. La acción se sitúa en Sevilla, a donde llega Enrique de Trastamara, hermano del rey don Pedro, que nada mas verla se prenda de ella. El enredo esta servido, se sucederán confusiones y malentendidos alrededor de este amor imposible que firma Lope de Vega en el Siglo de Oro.
La versión de Silvana Pérez reduce el elenco al mínimo, y se centra en la condición femenina y como esta se ve supeditada, no ya a su honradez, sino a la que puede demostrar, o mejor dicho a la que un hombre de por buena, producto del machismo que tanto imperaba a lo largo y ancho de esta España nuestra y que por desgracia seguimos sin superar.
La puesta en escena es de lo mas sencilla, solo unas sillas que dan mucho juego y un vestuario que con pequeños guiños, actúa de nexo entre el Siglo de Oro y el momento actual. La función tiene un ritmo ágil y combina perfectamente momentos muy divertidos con otros mas intensos y dramáticos.
El elenco completo de La niña de Plata
El maravilloso elenco, donde destaca Francesco Carril (Enrique de Trastamara), genial como siempre y formidable como narrador dirigiéndose complice al publico mientras nos presenta el espejo en el que se refleja lo que pasaba y nos invita a interrogarnos sobre las conductas superadas y las diferencias con el momento presente ¿o no hay tantas?. Laura Romero (Dorotea, la niña de Plata), maravillosa, dulce y llena de fuerza y determinación, David Alonso estupendo dando siempre el contrapunto mas cómico y desenfadado, sin olvidarnos de Guillermo de los Santos, Lorena López y Antonio de Cos.
Una estupenda experiencia, espero que esta obra tenga la oportunidad de exhibirse mas tiempo.
El III Festival Experimental de Teatro Clásico de Madrid - ClasicOff en Nave73, donde se presento La niña de Plata, sigue manteniendo su espíritu transgresor y arriesgado donde a través de textos clásicos se tratan problemas muy actuales, y se esta consolidando como una opción estupenda para disfrutar de buen teatro el los tórridos días de los veranos madrileños.

sábado, 22 de agosto de 2015

CÉSAR & CLEOPATRA
Magüi Mira dirige el texto de Emilio Hernández César & Cleopatra y lo hace de una forma muy original subiendo cuatro actores a la arena de Mérida. La obra enfrenta a  los Julio César y Cleopatra en el momento que están viviendo su historia con los personajes inmortales que se encuentran en la eternidad mas de 2000 años después. 
Ángela Molina (Cleopatra), coqueta y sensual, reivindicando su papel de reina de Egipto y Emilio Gutiérrez Caba (Julio César), sobrio y elegante, convencido de la huella que dejo en la historia, llegan a la actualidad desde la eternidad a una edad madura y comparten espacio y tiempo con Marcial Álvarez (Julio César) y Lucía Jiménez (Cleopatra) jovenes y reales. La dimensión real y joven frente a la eterna y madura, una especie de juego de espejos, donde las palabras de unos se reflejan en los gestos de los otros llegando a fusionarse el relato de todos. 
El encuentro estará salpicado de ironía, de crudeza a veces, de desencanto por los logros desvanecidos por el paso del tiempo, de melancolía por las libertades perdidas, de amores, de recuerdos y de reproches, donde se saltará del presente al pasado, contraponiendo la pasión y el ímpetu de la juventud a la experiencia y la perspectiva que se adquiere con el paso del tiempo. La Historia, que casi nunca se construye aprendiendo de los errores del pasado. 
Este combate a cuatro tiene momentos divertidos, estupendos monólogos, ácidos diálogos, canciones y danza (aunque esta resulta muy poco natural, como forzada), los actores están estupendos, pero el conjunto a ratos adolece un poco de falta de ritmo, además de que parece perderse en este teatro.
Una propuesta original que sin llegar a emocionar, entretiene y que seguramente encajaría mejor en una sala mas pequeña.

viernes, 21 de agosto de 2015

SÓCRATES, Juicio y muerte de un ciudadano
José María Pou (Sócrates) y Carles Canut (Critón)
Sócrates será juzgado y condenado por sus conciudadanos tras haber denunciado la corrupción en Atenas y haber advertido sobre el papel supersticioso y manipulador de la religión oficial. Acusado de despreciar a los dioses y corromper a la juventud, se negó a huir, como le proponían sus discípulos, cuando fue condenado a ingerir una copa de cicuta. Y su muerte acabó convertida en una de las más famosas de la historia. Sócrates fue uno de los grandes filósofos griegos, maestro de Platón, quien a su vez lo fue de Aristóteles. No escribió nunca ninguna obra porque pensaba que cada uno debía desarrollar sus propias ideas. 
Amparo Pamplona (Jantipa)
Sócrates, juicio y muerte de un ciudadano obra escrita por Mario Gas, que también se encarga de la dirección, y Alberto Iglesias se asoma al teatro romano de Mérida. La escenografía sobria, de Paco Azorín, que representa un hemiciclo, o lo que podría ser el senado donde se desarrollara el juicio, se ajusta como un guante a sus milenarias piedras, un impecable vestuario de Antonio Belart de lino completamente blanco al principio, muy neutro y muy puro, para cubrirse después de un tono beige un poco menos neutro y un poco menos inocente y una magnifica iluminación de Txema Orriols, completan la puesta en escena. 
El texto, creado a partir de escritos de Platón y Laercio entre otros, nos habla de un hombre un poco desastroso, olvidadizo y un poco vago, que no quería cobrar por sus enseñanzas porque no se sentía maestro de nada. Un hombre que se paso la vida denunciando la corrupción y a todos aquellos que desde el poder se dedicaban a usarlo en beneficio propio y a pisotear la libertad de los demás, sin olvidarse de cuestionar la religión y sus supersticiones. Todo ello le llevo a verse ante un tribunal "se han dicho muchas cosas de mí. No soy nadie. La historia me atribuye una frase que no fue cierta: 'Solo sé que no sé nada'. Soy un minúsculo guijarro pensante al que le invade el placer de hurgar en todo lo que hay que aclarar", detrás de este aparentemente sencillo argumento hay toda una declaración de intenciones. En un momento donde Grecia esta de total actualidad, "esta obra resulta un claro homenaje al pueblo griego, a la democracia y a la libertad de pensamiento" en palabras del propio Pou, sin olvidar por supuesto el momento actual por el que atravesamos, y que sin duda requiere detenerse a reflexionar sobre el estado actual de nuestra democracia. La obra nos interpela sobre la responsabilidad de cada uno, "¡avergonzaos de no haber pensado más que en acumular riquezas!", y sobre la importancia de cuestionarselo todo. 
Sócrates fue siempre un personaje incomodo, por que denunció la falta de moral, y la corrupción que le rodeaba. Creía en las leyes, creía en un orden marcado por la verdad y la honestidad, creía en definitiva en la democracia, y acabo siendo el primer ciudadano juzgado y condenado por esa misma democracia que el había ayudado a crear. 
El elenco formado por seis hombres y una sola mujer, esta encabezado por José María Pou que da vida a Sócrates, esta inmenso, lleno de la serenidad, inundando con su potente voz hasta la ultima piedra del teatro. Le acompañan Carles Canut (Critón, uno de sus discípulos), siempre es una delicia disfrutar de este grandísimo actor, Amparo Pamplona (Jantipa, su mujer), maravillosa en el monologo con el que nos acerca la parte mas humana del gran filosofo, Pep Molina,  que se mete en la piel del instigador Meleto, Borja Espinosa, Ramon Pujol y Guillermo Motos, todos juntos forman un conjunto impecable que funciona con precisión dando vida a amigos, discípulos, acusadores y defensores, y en el que todos están fantásticos.   
Y el publico, allí en el ágora publica, asistirá al juicio y sacará sus propias conclusiones "que vuestra decisión sea la mejor" nos desea Sócrates. 
Una magnifica experiencia para disfrutar de un gran texto de la mano de un gran elenco en un marco incomparable.

martes, 18 de agosto de 2015

¿ES LO QUE HAY?
Partiendo de El Alma Buena de Sezuan de Bertolt Brecht, un grupo de amigos indaga en las contracciones que esconde la sociedad contemporánea y pone a prueba palabras como "ayuda", "solidaridad", "empatía" o "cambio": palabras que, en muchos casos, han perdido su significado y son usadas en función de intereses políticos y comerciales. ¿Acaso pisotear al prójimo no cansa nunca?. De la mano de las compañías Armadillo y La Casa en el Árbol y dentro del ciclo "creación en grupo" de Frinje15 asistimos a un espacio de reflexión donde cada uno tendrá que tomar conciencia de sus propias actitudes ante la desigualdad y la pobreza global. 
Los artífices de esta propuesta son Carlos Rod y Óscar G. Villegas junto a los actores Jesús Barranco, Vicente Colomar, Beatriz Grimaldos y Raúl Marcos. 
Nada mas entrar a la sala taller de Matadero Madrid, el planteamiento empieza a impactarnos con la propuesta de ubicación del publico en función, de su sexo, sus ingresos, su patrimonio e incluso de las buenas o malas acciones que uno haya cometido de forma mas o menos consciente. A partir de aquí un incesante bombardeo con noticias, estadísticas e incluso imágenes que nos enfrentan a situaciones con las que convivimos diariamente y a la que quizás no prestemos la atención que deberíamos. No falta tampoco un catalogo de actitudes, mas o menos solidarias pero casi siempre de carácter individual. Pero frente a estos problemas de magnitud global ¿caben soluciones individuales?, ¿sirven de algo nuestros pequeños gestos?, ¿que significan nuestra pequeñas actitudes solidarias?, ¿porque las hacemos? o ¿como organizarnos para intentar dar soluciones también globales?. Al final un pequeño debate, pero sobre todo muchas preguntas que cada uno tendremos que respondernos a nosotros mismo, y muchas cosas por hacer. 
En definitiva una obra con tintes políticos para agitar nuestra conciencia, un espejo en el que mirarnos, que reflexiona sobre algunos conceptos muy manidos de nuestra realidad contemporánea como ayuda, solidaridad... dejando muchas preguntas en el aire a las que solo podremos contestar tomando conciencia social. 
Se agradece, que en el festival Frinje15, tenga cabida este tipo de propuestas.
LOCUS AMOENUS
Atresbandes llega al Frinje15 con Locus Amoenus que se integra en el ciclo "creación en grupo". Locus amoenus que literalmente significa "lugar idílico" o "lugar ameno", algo así como un lugar idealizado de confort y seguridad, sirve aquí para indagar en la idea de "paraíso", la idea de la muerte como uno de nuestros tabues, y los lugares reales donde uno se siente seguro y confortable. Atresbandes parte del relato de Friedrich Dürrenmatt, El Túnel, donde un tren se encamina al abismo. La escenografía muy sencilla, varias filas de sillas simulando un vagón de tren, al fondo una gran pantalla, que cómplice, nos va revelando datos que nos cambian por completo la visión de lo que esta sucediendo, y la iluminación (Alberto Rodríguez) y el sonido ambiente (Joan Solé) juegan un papel fundamental. 
El argumento es sencillo y devastador, en la pantalla podemos leer: en una hora "un conejo cruzará las vías y será atropellado, parte de sus intestinos entrará en contacto con el motor eléctrico del tren, esto provocará un cortocircuito y finalmente, el tren descarrilará",  mientras vemos tres desconocidos que van en ese tren, ajenos a lo que sucederá después, es la crónica de una muerte anunciada, para nosotros no hay sorpresas. 
En escena no hay, ni pasado, ni futuro, solo presente, un presente donde hay conversaciones y deseos, intentos de conocer otros lugares, de entenderse con otras personas o sencillamente de permanecer aislado. Se suceden una serie de actos vanales, pero para nosotros todo toma un significado especial, todo adquiere un aire transcendental porque sabemos lo que les sucederá, y nos encantaría poder decirles algo, avisarles de que aprovechen el tiempo, no se, ayudarles de alguna manera. 
No podemos evitar sentirnos parte del espectáculo, porque ¿sabemos alguno de nosotros cuando cogeremos ese tren?, o ¿que haríamos si supiéramos que vamos en él?.
Los creadores y actores son Mònica Almirall, Alberto Pérez Hidalgo y Miquel Segovia que desde la mas absoluta sencillez consiguen crear un espectáculo hipnótico y profundo que no solo te atrapa desde el primer momento sino que te remueve por dentro. 
Una deliciosa experiencia de teatro en estado puro.

domingo, 16 de agosto de 2015

LA FIESTA
La Fiesta se engloba en el ciclo "creación en grupo" del Frinje15. La compañía La Lechería, partiendo del texto del dramaturgo Spiro Scimone, presenta este drama cómico familiar, donde se hacen patentes realidades como la incomunicación y la soledad compartida en el seno familiar. 
Una pareja que convive en una pequeña casa, se pasa el día hablando pero en realidad sin contarse nada, sin embargo hoy es un día diferente, es su aniversario, 20 años juntos viendo pasar los días como si siempre fuera el mismo, ¿podrán salir de la rutina y ser felices o les costará demasiado esfuerzo intentarlo?. 
Protagonizada por Jorge Basanta y Marta Betriu, con vestuario de Ana Rodrigo, y una ajustada y hermosa escenografía de Jorge Muñoz podemos disfrutar de esta deliciosa propuesta. 
Inmensos Jorge Basanta y Marta Betriu. Nos emocionan cuando vemos todo el miedo y la esperanza que encierran entre esas cuatro paredes, moviéndose delicadamente en la fina linea que separa la soledad que les acompaña del deseo de ser felices, haciéndose daño por miedo a ser heridos por el otro antes, sin poder olvidar todo lo que arrastran en sus mochilas después de tantos años de convivencia. Sentimos sobre sus hombros la carga de tantas palabras dichas a destiempo y de tantos silencios dolorosos. 
Una propuesta muy atractiva llena de amor y melancolía ¿como acabará La Fiesta?
#lodelmono
Dentro de la sección "la actualidad a escena" llega al Frinje15 esta propuesta de CnCC (Compañía nacional de Compañías Cómicas). Se trata de una comedia inverosímil, escrita y dirigida por Javier Sahuquillo que se plantea si hoy tendría posibilidades de producirse una revolución. 
Los protagonistas son unos jóvenes, de clase media, que han hecho todo lo que se esperaba de ellos para poder integrarse en el espejismo de un Estado del Bienestar que debido a la crisis se esta desmoronando por momentos. Ante esta situación, cuatro jóvenes, deciden a la desesperada, convertirse en revolucionarios,  por necesidad mas que por convicción (como deja claro una de las protagonistas "¡Comunista! ¿Te crees que me gusta ir por ahí disfrazada de Jean Claude Van Damme? Nunca he querido ser ni outsider, ni anti-sistema, ni perroflauta. Yo creía en el sueño americano.") y lo hacen secuestrando a un chimpancé para crucificarlo y difundirlo por las redes sociales con el hashtag #lodelmono y así presionar al gobierno en estos momentos de crisis económica. 
¿Pero realmente estamos dispuesto a comenzar una revolución?, los protagonistas de esta obra Carlos Beluga, Esther Díaz de Mera, Claudia Galán, María Lodeiro y Víctor Sainz nos invitan a la reflexión poniéndonos ante un espejo donde se reflejan muchas de las actitudes con las que convivimos a diario. No les gusta lo que ven, pero a lo mejor tampoco están dispuestos a perder lo que todavía tienen o creen tener, o quizá simplemente, han vivido en una especie de burbuja protectora y no saben como salir de ella, ni como implicarse en esta sociedad para cambiar las cosas que no les gusta.
Estupendo el espacio escénico que crea David Calero para envolver esta divertida comedia, geniales los cinco integrantes del elenco y sobre todo oportuno texto en estos momento de feroz crisis económica.

LA MUJER DEL MONSTRUO
Salva Bolta pone en escena los textos surgidos del taller impartido en el marco del festival Frinje por el dramaturgo Alberto Conejero. La mujer del monstruo explora la estrecha relación que existe entre el amor y el horror a través de la figura de cinco mujeres -Nadezhda Allilúyeva, Magda Goebbels, Margherita Sarfatti, Carmen Polo y Elena Ceaucescu- que mantuvieron relaciones sentimentales con criminales de guerra y dictadores del siglo XX. 
En la sección "otros enfoques" del Frinje15 encontramos esta apuesta tan interesante. Ubicada en la sala de hormigón de Matadero Madrid, con una cuidada iluminación de Luis perdiguero, un fantástico vestuario de Guadalupe Valero y con apenas unos pocos elementos escenográficos: una cama, un papel y pintura negra, unos platos con tierra donde crecen champiñones, una mesa preparada para un ritual y una mesilla con teléfono y una especie de estrado desde donde dar un discurso, asistimos a cinco monólogos, de cinco mujeres con mucho que contar. El publico esta dispuesto en dos filas formando una especie de pasillo por donde estas mujeres transitan como fantasmas del pasado que vuelven para hacernos participes de sus relatos.
Las cinco historias y sus protagonistas son:
AL FONDO
Texto de Paula Iwasaki
Nadia Allilúyeva: EVA RUFO
El texto se centra fundamentalmente en la relación personal entre los dos dejando a un lado el perfil mas político de su monstruo (Stalin). Vemos a una mujer atormentada por los celos, que sufría fuertes migrañas  y que le reprocha a su marido el abandono al que se siente sometida, interpelándole por su actitud cruel y despótica en su relación personal. Se nos presenta una mujer que parece no saber o no querer saber nada de su parte publica o al menos que prefiere vivir al margen de esa parte.
El trabajo que realiza Eva Rufo es impactante y desgarrador, llena de rabia desbordada por todos los reproches que lleva dentro, por amar a un hombre que cuando no la ignora la trata como una niña, hasta alcanzar una especie de serenidad, solo, cuando toma las riendas de su vida para ponerle fin. Una interpretación llena de verdad que conmueve profundamente.
PIGMENTO
Texto de Nieves Rodríguez Rodríguez
Margheritta Sarfatti: AMPARO VEGA-LEÓN
En este monologo se nos presenta a una mujer fuerte que habla con su monstruo (Mussolini) directamente mientras dibuja una caricatura del que fuera su amante. Se trata de un texto en el que ella le recuerda con rencor y le reprocha muchas cosas de su convivencia, pero donde tampoco se trata la faceta publica de su amante, ignorando todo aquello que no la afecta personalmente. Una propuesta en la que Amparo Vega-León desnuda su cuerpo y su alma ante la caricatura del que fuera su amante, sin apenas moverse, ni dirigirse al publico y rodeada de penumbra la oímos dirigirse al hombre obviando al personaje, con frialdad pero con mucho resentimiento.
LA MADRE CÓSMICA
Texto de Sergio Martínez Vila
Carmen Polo: ANA VAGENER
Aquí encontramos a una mujer que parece resurgir de las cenizas de su marido, plena de conciencia de lo que ha sido su monstruo (Franco), y con un cierto desprecio por el, que se pasea por el escenario recogiendo setas mientras disfruta sabiéndose libre, con su marido ya bajo la horrible cruz del Valle de los Caídos. Una mujer que lejos de ignorar o eludir el pasado del hombre con el que compartió tantos años tiene su propio plan para acabar con lo que considera el envilecimiento de nuestra sociedad por la llegada de la Democracia. Esta mujer, vestida de riguroso luto y con su mantilla se nos presenta como nuestra futura salvadora, nos guste o no. Ana Wagener esta fantástica dando vida a esta mujer enajenada, renacida, feliz con sus planes mesiánicos y que se siente liberada después de convivir con un hombre al que considera mediocre.
MARÍA MAGDALENA
Texto de Carlos González Otero
Magda Goebbels: ISABELLE STOFFEL
Magda Goebbels fue condecorada por Hittler como la mejor madre del Tercer Reich. A esta mujer que sentía verdadera adoración por este monstruo, nos la encontramos aquí realizando un ritual para devorar al propio Hittler y que su vientre sirva para proteger al Führer de lo que se avecina, mientras hace planes para un incierto futuro. Por supuesto esta mujer no tiene reproches para él, ni como persona ni como autor de las numerosas atrocidades que cometió en su vida. Isabelle Stoffel esta muy convincente en el papel de gran madre fascinada por un monstruo al que es capaz de engullir para proteger su horrible legado.
SANTA ELENA DE TODOS LOS POLÍMEROS
Texto de Xavier López Askasibar
Elena Ceaucescu: NATALIE PINOT
En el caso de Elena Ceaucescu nos encontramos a medio camino de estar ante la mujer del monstruo o el monstruo propiamente dicho. Ella se definía a si misma como la madre del pueblo rumano. Se plantea aquí una situación ficticia donde Elena esta en un hotel de Estocolmo ensayando el discurso de aceptación del Novel, mientras espera que alguien llame para confirmarle que se lo van a dar. Al ritmo de la música de ABBA, Elena repasa sus méritos para recibir el galardón dejando patente lo poco que lo merece, todo en un monologo delirante y muy divertido.
Natalie, esta espléndida y se maneja con maestría componiendo un personaje enajenado y despiadado que con la misma naturalidad que canta sus propios méritos lanza amenazas a todo el que se cruce en su camino.
COMITÉ DE BIENVENIDA
Texto de Sergio Martínez Vila
Las cinco mujeres
Como guinda encontramos esta reunión entre las cinco mujeres después de abandonar este mundo, en un lugar impreciso, donde deben pasar el resto de su existencia y donde siguen sin asumir nada de su realidad anterior.

Las historias están contadas unas de forma mas dramática y otras de forma mas lúdica pero siempre sin olvidar el monstruo que permanece en la sombra y que las inspiro, espero que después de su estreno en el Frinje15 se pueda disfrutar en mas escenarios, porque el esfuerzo realizado en este taller, sin duda lo merece. 

viernes, 14 de agosto de 2015

PAÍS
La compañía Los Lunes presentan en Frinje15, dentro de "la actualidad a escena", "País". El texto y la dirección los firma Fefa Noia. País nos habla de la crisis y sus consecuencias, especialmente en el terreno personal y emocional, de la sensación de perdida, de la soledad que provoca la distancia, y lo duro que resulta tener que irse para buscarse la vida fuera de casa, no por "espíritu aventurero" si no por pura necesidad. El protagonista es Tomás, un actor de 45 años que decide quedarse en España porque esta pendiente de un trabajo, mientras ve como su mujer se va a trabajar a Berlin, su socio a California y su padre inicia un viaje que le llevara hasta Galicia.
Tomás, al que da vida David Luque, permanece aislado en su casa, en su país, viviendo una cercanía artificial con los suyos, a través de skipe, que en realidad no palia la distancia real. A pesar de que David Luque esta solo en escena la obra no es exactamente un monologo, si no que tiene un planteamiento bastante original, donde la historia la conocemos a través de una sucesión de las conversaciones, que el protagonista mantiene con sus seres queridos a través del teléfono o el ordenador, aunque no escuchemos nunca a sus interlocutores. 
Un texto muy interesante y sin duda de plena actualidad con un David Luque impecable como siempre, una deliciosa experiencia teatral que seguro que se volverá a ver por los escenarios.
La compañía Los Lunes, creada en 2011 por el actor David Luque y la directora Fefa Noia, son también los artífices de una interesante trilogía formada por:
AYUDA, de María Goos
Arnold, Arnoldito, un especialista en inversiones de repente se encuentra inmovilizado en el sofá de su casa: en menos de 24 horas el banco ha suspendido su contrato, su esposa lo ha abandonado y a consecuencia de una caída se ha lesionado la espalda. Ahora depende completamente de los cuidados aparentemente desinteresados de Lukas su empleado del hogar, un inmigrante, al que en plena Nochevieja regala 40000 euros, para que se pueda abrir una farmacia en su país. La obra arranca al día siguiente, cuando el hombre intenta reconstruir como a llegado a ese extremo. La relación de los protagonistas oscila a lo largo de la obra desde una inesperada intimidad hasta una inevitable desconfianza, al tiempo que se explican con analogías sencillas los mecanismos perversos de la economía occidental en estos tiempos de crisis. Ayuda resulta una original e inteligente forma de contar como articulamos nuestras relaciones sociales y en que basamos las desigualdades en las que asentamos nuestra sociedad. Está protagonizada por los fantásticos David Luque y Óscar de la Fuente que están inmensos. 
CUERDAS, de Bárbara Colio
Tres hermanos reciben una carta de su padre, funambulista de fama internacional, que les anuncia que se retira y les invita a su última actuación. La obra habla de las esperanzas, las expectativas frustradas, las decepciones, los sueños rotos y el dolor que se produce en las relaciones familiares cuando no hay una buena comunicación, las heridas que provocan algunas palabras y el dolor que encierran algunos silencios. Un drama familiar salpicado de risas, interpretado por un trio genial de actores David Luque, Carlos Martos y Quique Fernández, que funciona de maravilla. Tres hijos en busca de un padre que les abandono y al que sienten que han defraudado, tres hermanos perdidos en esta búsqueda de culpables, que les ha separado, en definitiva tres desconocidos que se buscan y se quieren aunque no acaben de saber muy bien como entenderse. 
WILD WILD WILDE, de José Ramón Fernández
Hasta finales de 1895 Wilde era un afamado escritor. Entonces es declarado culpable de vergonzosas indecencias y condenado a dos años de trabajos forzados. Durante su estancia en prisión escribe De Profundis, carta dirigida a Lord Alfred Douglas, "los errores fatales de la vida no se deben a que seamos insensatos. se debe a que somos lógicos". Wilde se ve forzado a descubrir el dolor, que quiere convertirlo en placer y hacer de cada reproche una caricia. Un salvaje Wilde para hablar del amor salvaje porque no hay otro. Una hermosa obra dura pero llena de sentimiento, protagonizada por David Luque, Óscar de la Fuente y Carlota Ferrer los tres están geniales.

La compañía Los Lunes, siempre nos ofrece trabajos sugestivos y cautivadores, merece la pena seguirles la pista para disfrutar de montajes siempre tan atractivos y con tanta miga.
I'M SITTING ON TOP OF THE WORLD
Se trata de la adaptación escénica de la obra "Karnaval" de Juan Francisco Ferré que realiza Antonio Rojano y que junto al director Víctor Velasco ponen en pie para que comience su andadura en este Frinje15 formando parte de "la actualidad a escena". 
La obra se centra en la detención del entonces director del FMI, Dominique Strauss-Kahn, tras abusar -supuestamente- de una camarera en un hotel de Nueva York, es una especie de viaje alucinatorio en el que se fantasea con lo que podría haber pasado en esa habitación mientras se analiza como se mueven las personas con poder y éxito. 
En un escenario vacío encontramos a Alfonso Torregrosa que da vida a Strauss-Kahn y a Mona Martínez que encarna distintos roles y que se encarga de abrir las cortinas que nos permiten asomarnos a un mundo muy desconocido para nosotros. La representación que apenas dura 50 minutos pretende ser la semilla de un espectáculo mayor y sin duda nos deja con ganar de mas, sobre todo porque Alfonso Torregrosa y Mona Martínez están estupendos.
SHOOT / GET TREASURE / REPEAT
El texto de Mark Ravenhill que pone en escena NUDUS Teatro bajo la dirección de Carlos Tuñón (que ya nos sorprendió muy gratamente con la fantastica y original puesta en escena de La cena del rey Baltasar)profundiza en las consecuencias de los atentados del 11S, 11M y el 7J. A través de 14 piezas breves (duran entre 20 y 40 minutos) nos colocan antes unos hechos que si bien todos conocemos derivan en una serie de consecuencias mas o menos evidentes y que no siempre nos paramos a analizar. Con un lenguaje descarnado, crudo y lleno de violencia, que contrastan con la aparente tranquilidad con la que aceptamos que los grandes conceptos como Libertad, Derechos Humanos o Democracia queden vacíos de contenido en cuanto sentimos miedo.
El espectáculo aprovecha un montón de espacios de los que dispone el Matadero, desde los camerinos, hasta los callejones, pasando por las salas de hormigón y de madera o los lucernarios. Los actores transitan por las escenas siempre en pijama, lo que refuerza la idea de algo cotidiano, algo con lo que convivimos de forma natural, pero sin duda, lo que me parece muy interesante del planteamiento es la de situarnos, al publico, como el otro, como el enemigo.
El formato permite que cada uno pueda decidir su propio recorrido, lo que como explica el propio Carlos Tuñón "apoya la idea del bombardeo informativo, tienes que elegir que ver, según lo que escuches, tus conclusiones sobre los hechos serán distintos". En mi caso no pude ver de todas las piezas pero si las suficientes para disfrutar de esta original y rompedora propuesta tan interesante del FRINJE15 dentro de la sección "la actualidad a escena".
El primer día fueron: MUJERES DE TROYA, con el elenco completo. Un coro de ciudadanos se esfuerza por entender los motivos del ataque terrorista que ha sufrido su propia comunidad, amparándose en la bondad de sus miembros y estableciendo una distancia con los llamados “malos”. El miedo y la ansiedad hace que tomen progresivamente una postura cada vez más radicalizada ante el enemigo. TERROR Y MISERIA, protagonizado por Viveka Rytzner y Carlos Gorbe. Harry y Olivia, un matrimonio obsesionado por la seguridad de su hijo, charla sobre sus miedos ante la oleada de violencia que viven en su ciudad. Al querer mantener a su mujer y a su hijo fuera de peligro mediante un exceso de control y excentricidades, Harry consigue lo contrario: su mujer le confiesa que el origen de sus miedos no está en el exterior, sino en su propio marido. GUERRA Y PAZ, con Nacho Sánchez y Kev de la Rosa. Alex,niño sobreprotegido de 7 años, recibe en su a su amigo secreto: el soldado sin cabeza, con el que dialoga cada noche. Éste quiere la cabeza de Alex, lo que le permitirá continuar luchando por su patria de por vida. El soldado siente que la guerra es el único hogar que le queda, después de ser rechazado por la sociedad a la que defendía. La necesidad de amor hace que Alex y el Soldado intenten construir una relación que les salvaría pero que está abocada al fracaso. CRIMEN Y CASTIGO, con Irene Domínguez y Alejandro Pau. En una zona de guerra, un soldado interroga a una prisionera sin cargos aparentes. Su país acaba de ser “liberado” de la tiranía de un dictador por las tropas del soldado, pero se enfrenta ahora a una guerra civil. Saltándose todos los protocolos, el joven soldado necesita aliviar su dolor y dar sentido a todos sus sacrificios en la guerra, implorando el amor de la prisionera. Ante la negativa de ella, él la tortura hasta la muerte. Para el segundo día INTOLERANCIA, un monologo que realizaban simultaneamente los seis actores y que yo disfrute de la mano de Viveka Rytzner un día y de Irene Domínguez otro. Una mujer de clase media ordena sus pensamientos mientras prepara su desayuno e intenta descubrir qué es lo que le produce intolerancia. Se obsesiona con su familia, con su salud y sus batidos vitamínicos, que le ayudan a paliar sus misteriosos dolores. A través de sus relatos sobre su relación con la alimentación detectamos, implícitamente, una serie de prejuicios de clase media y un racismo inconsciente: ¿es la comida realmente el problema, o hay algo más?. LA MADRE, en mi caso con Nacho Sánchez, Carlos Gorbe e Irene Domínguez. Una madre se niega a recibir la noticia de la muerte de su hijo por parte de dos de sus compañeros soldados. La madre descarga sus miedos atacando violentamente a los mensajeros. Aceptar la muerte de su hijo supondrá su propia destrucción.
Y para el último día MIKADO, con Carlos Gorbe y Kev de la Rosa. Una pareja homosexual charla en el banco de un parque. Uno de ellos sufre un cáncer en estado avanzado. Un conflicto cotidiano sirve de detonante de una discusión más profunda en la que se plantea que: el sentir alivio al propio sufrimiento con el sufrimiento ajeno, es algo intrínseco al ser humano. El enfermo confiesa que se imagina a sí mismo como un hombre-bomba que hace explotar el vagón de un tren llevándose a gente inocente por delante. PARAÍSO PERDIDO, con Viveka Rytzner, Irene Domínguez, Nacho Sánchez y Alejandro Pau. Los continuos gritos de la vecina de abajo durante la noche hacen que Liz se vea obligada a involucrarse en la vida de María. Al bajar se encuentra con dos individuos que torturan a María, relacionada con ataques terroristas, para sacarle información. Liz, como el personaje que simboliza el “primer mundo”, termina actuando de torturador de María, símbolo del “tercer mundo”. El miedo de la sociedad Occidental provoca una radicalización directa, en el caso de los torturadores, o indirecta, en el caso de los civiles, hacia Oriente. AYER OCURRIÓ UN INCIDENTE, una instalación sonora con los seis actores. Ayer, agredieron a un ciudadano de una sociedad del “primer mundo”. En un programa de radio y televisión se intenta descubrir al testigo de dicha agresión. La sociedad persigue a quien no testifique, ya que no informar es considerado formar parte del acto violento. Los medios de comunicación se convierten en jueces y verdugos dentro de una sociedad a la que controlan. 
No se si la propuesta, con este formato, tendrá la oportunidad de representarse en otra ocasión, pero si lo tiene mejor no dejarla escapar.
Estupendo texto, interesante puesta en escena y fantástico elenco al que seguro que veremos mucho por nuestros escenarios.
"Dispara, coge el tesoro, repite" una especie de videojuego en el que cada uno seguirá un camino y sacara sus propias conclusiones, y donde lo importante es que provoque la reflexión y la toma de conciencia.