domingo, 29 de noviembre de 2015

40 AÑOS DE PAZ
Continua la XXXIII edición del Festival de Otoño a Primavera en los Teatros del Canal y en esta ocasión lo hace con una obra escrita y dirigida por Pablo Remón y que sube a las tablas la compañía La_Abducción. 
40 años de paz cuenta la historia de una familia franquista desde la muerte de Franco hasta el momento actual. La familia formada por la madre y sus tres hijos forman una curioso grupo marcado por la muerte del padre, un militar franquista, ahogado en la piscina el 23 de febrero de 1981. Los cuatro miembros de la familia toman el sol alrededor de una piscina deteriorada y sucia de una casa solariega en un caluroso y monótono día de verano en la inmensa meseta castellana. Cada uno de los protagonistas va tomando la palabra para ir narrando desde su ángulo particular los hechos que han ido marcando su existencia, las drogas, la maternidad, los fracasos laborales de unos, los éxitos de otros, el peso de los años y las circunstancias que los han marcado a todos. Cada uno es protagonista de su historia y ayuda a narrar la de los demás. 
Con una maravillosa escenografía, que representa el jardín de esa casa solariega con piscina que sin duda a vivido tiempos mejores, una hermosa iluminación y una estupenda ambientación sonora, podemos disfrutar de cuatro fantásticos actores. Ana Alonso es la hija, una actriz que no pasa por su mejor momento ni profesional (ha dejado la interpretación y esta bloqueado en su intento de escribir un guión), ni personal (intenta tener un hijo con el hombre que acaba de abandonarla y se siente muy presionada por el paso del tiempo). Fernanda Orazi es la madre que ve pasar el tiempo y como todo lo que la rodea se va desmoronando, incluidas las vidas de sus hijos pero es incapaz de hacer nada al respecto. Francisco Reyes es el hijo mayor, encarna a la perfección el espíritu del padre, es un abogado experto en fusiones de grandes empresas, triunfador y adicto al trabajo, felizmente casado, padre de tres hijos, que mantiene una relación extraconyugal con una socia junior del bufete. Emilio Tomé es el hijo pequeño, poeta y homosexual, ha tocado fondo después de su adicción a las drogas, de vuelta al hogar familiar, le despierta un día la voz de su padre muerto, que se le presenta con todo su porte castrense y le hace una peculiar petición que le obsesionara y dará lugar a que se desarrolle toda la trama. 
La obra se estructura como una sucesión de pequeñas historias que componen en conjunto la historia de la familia, una historia compuesta de pequeños dramas salpicados de notas de humor y teñidos por la melancolía de los tiempos pasados (y perdidos). Los cuatro actores están fabulosos componiendo las piezas de este puzzle que son sus vidas y que se van ensamblando ante nosostros desvelando sus frustraciones y sus deseos mas intimos. 
Una historia muy bien contada y con mucho sentido, una propuesta muy inteligente y muy interesante que espero que tenga la oportunidad de visitar mas teatros después de este breve paso por las tablas de los Teatros del Canal.

sábado, 28 de noviembre de 2015

COSAS QUE SE OLVIDAN FÁCILMENTE
ESPECTÁCULO PARA CINCO ESPECTADORES
Después de pasar por el festival FRINJE15 este verano, el Teatro Español recupera esta pequeña joya para representarla en la biblioteca del Español. Se trata de una obra diseñada para que la disfruten cinco espectadores por representación. 
El espectáculo creado, dirigido y protagonizado por Xavier Bobés es sin duda una experiencia singular. "El año pasado me di cuenta que empezaba a tener problemas de memoria. Comprobé que mi madre también padecía de vacíos importantes. Cosas que se olvidan fácilmente es un espectáculo fotográfico que transforma los recuerdos y que, del mismo modo que lo hace el olvido, inventa otros nuevos". Un juego de cartas. Una pequeña historia de la segunda mitad del siglo XX en España. Un espectáculo fotográfico que transforma los recuerdos y que, del mismo modo que lo hace el olvido, inventa otros nuevos. Si tuvieras que escoger una fotografía de tu vida, ¿cuál sería?. 
Xavier Bobés consigue crear un universo visual y sonoro enriquecedor y deslumbrante, un espectáculo lleno de poesía en un ambiente intimo donde sigues la narración totalmente fascinado. Toda una experiencia por la que merece la pena dejarse seducir, un autentico regalo para los sentidos. Un espectáculo que sin duda no olvidaremos fácilmente.

lunes, 23 de noviembre de 2015

ENTRE TU DESEO Y EL MIO

Después del éxito de Un trozo invisible de este mundo Juan Diego Botto estrena ahora Entre tu deseo y el mio un regalo a su hermana María que hemos podido disfrutar en la Sala Mirador dirigida con mimo y mucha sensibilidad por Cristina Rota. 
María repasa los momentos decisivos de su vida, una vida vacía y frustrada, mientras parece decidida a suicidarse tragando pastillas y alcohol en la soledad de su casa. La obra nos cuenta la difícil relación con su madre, una mujer fuerte y decidida que intenta salir de su intrascendente vida y alcanzar sus sueños a través de su hija, consiguiendo que ella llegue a ser una estrella de la canción. María intenta huir de unos sueños que no son los suyos y buscar su propio destino, quiere ser feliz y sentirse amada. Una obra cargada de ironía, humor negro mucho drama y las canciones con las que ha ido creciendo la protagonista. 
La escenografía esta formada por un tríptico cubierto por unas cortinas que nos sumerge en el mundo de María, desde la infancia hasta el momento presente de esta historia de frustración del que parece no poder huir, de esta relación enfermiza que la tiene atrapada y la persigue incluso cuando por fin se aleja de su madre. 
María Botto es la protagonista, está impresionante, combina momentos muy duros y dolorosos con otros mas inocentes de su infancia o su juventud, aunque también frustrantes, saltando del presente al pasado dejando aflorar sus sentimientos siempre teñidos de ironía y con un punto de fragilidad que acompaña de canciones, te seduce con su hermosa voz. Junto a María Botto completan el elenco Carmen Balagué y Mateu Bosch. Carmen Balagué, esta fantástica dando vida a esa madre dominante, que se pasa la vida haciéndose la víctima mientras planifica la vida de su hija sin tener en cuenta en ningún momento sus deseos y que también a sufrido mucho. 
Entre tu deseo y el mio, un autentico torrente de emociones que nos asoma al abismo.
Una buena ocasión para dejarse seducir por un hermoso texto y unos estupendos actores y emocionarse y disfrutar de buen teatro. 

miércoles, 18 de noviembre de 2015

PAPÁ ES PETER PAN Y LO TENGO QUE MATAR
César se despierta una mañana y comprueba que una prostituta, a la que él mismo tuvo la insensatez de meter en su casa, le ha desvalijado, llevándose todos los objetos que le definían como ser humano. El robo actúa como detonante de una serie de conversaciones en las que César ve redefinidas sus relaciones con su mujer, su amante y su hija adolescente. César es un triunfador, adicto a sí mismo, convencido de que su éxito social le aleja del fracaso que padeció su padre -un pobre desgraciado que condujo un taxi toda la vida- y que cifra las expectativas de su vida en lo que ha podido comprar con dinero. César es un infeliz que no se ha enterado de nada de lo que es importante en la vida. Un hombre que presume de filósofo urbano y que, en el fondo, no es más que un infeliz que no logra quererse a si mismo. 
En el teatro Lara se puede disfrutar de este montaje sencillo donde un actor solo en escena busca el humor a través del texto. La obra es de Ramón Paso (autor también de La ramera de Babilonia). 
Eloy Arenas es el actor que da vida a César, nos cuenta sus gracias y sus desgracias con las mujeres, además de compartir sus inquietudes y sus reflexiones sobre lo que merece y no merece la pena en la vida y sobre todo por lo que merece la pena luchar. 
Fantástico el trabajo interpretativo de Eloy Arenas, un Peter Pan insensato, cínico e inmaduro, que consigue mantener el interés del publico a lo largo de esta reflexión-confesión que nos regala. Entretenida comedia ideal para pasar un buen rato de teatro.
LA RAMERA DE BABILONIA
Sinopsis: el primer regalo de las mujeres a los hombres, fue la manzana. La ramera de Babilonia es una comedia ácida, de coños y manzanas, que critica el papel que la Iglesia ha otorgado a la mujer a lo largo de la Historia. Porque a la Iglesia no le gustan las mujeres que piensan, que sienten, que deciden... A la Iglesia, en definitiva, no le gustan las mujeres que hacen... lo que les sale del coño. Cuatro chicas, cuatro manzanas y muchas risas. 
El texto esta escrito y dirigido por Ramón Paso y protagonizado por cuatro actrices, Ana Azorín, Inés Kerzan, Ángela Peirat y Titania Campuzano. 
Se trata de una comedia transgresora y muy gamberra en la que estas cuatro estupendas actrices van poniendo en evidencia la misoginia de la Iglesia y desmontando absurdos mitos. No se pone en duda a Dios ni la fe de los creyentes, tan solo se analiza el papel de la Iglesia como institución a lo largo de la Historia. En un escenario practicamente vacío (tan solo hay cuatro sillas), todo el protagonismo lo acaparan las cuatro actrices, muy jóvenes y estupendas, que a través de una serie de monólogos, hablan del papel de la mujer en la historia. Se tratan temas de la actualidad enlazando con temas bíblicos o con las opiniones polémicas vertidas a los medios por los representantes de la Iglesia, Adán y Eva, las brujas, la inquisición, el aborto, la pederastia, etc. 
Las cuatro actrices hacen gala de un gran descaro y de mucha complicidad con el publico para tratar todos los temas sin tapujos, en este divertido y ácido cabaret político. 
La ramera de Babilonia son, en definitiva, cuatro mujeres que reflexionan sobre sus preocupaciones, sus deseos y sus anhelos con mucho humor, de donde sales con una reflexión (y en mi caso con una rica manzana) después de habértelo pasado genial.  
Una propuesta interesante para dejarse caer por el Off del Lara.

martes, 17 de noviembre de 2015

EL AÑO DEL PENSAMIENTO MÁGICO
Tras su paso por la Sala Margarita Xirgú del Teatro Español, El año del pensamiento mágico llega ahora a la Sala Guindalera, un lugar ideal para este monólogo tan poético y conmovedor que Jeannine Mestre interpreta magistralmente. 
Joan Didion. escritora y periodista estadounidense, en menos de dos años perdió a su marido y a su hija, fruto de esas devastadoras perdidas escribió El año del pensamiento mágico para enfrentarse al dolor, es una historia real de amor y perdida que nos muestra su intento por encontrar un sentido a la muerte, la enfermedad, a las trampas de la memoria e incluso a la vida. 
Juan Pastor dirige de forma discreta casi invisible dando importancia a todos los detalles para que el monologo fluya de forma natural y serena. La escenografía mínima, una silla y una mesa de madera sobre un fondo que recuerda a las vacaciones en la playa a las que la protagonista regresa de forma recurrente como espacio de sosiego, la tenue iluminación que cambia muy sutilmente y las breves notas musicales que suenan de fondo crean un ambiente intimo donde todo el protagonismo recae en Jeannine Mestre que se encarga de dar vida a Joan Didion. 
Jeannine Mestre, elegantemente vestida por Teresa Valentín-Gamazo, esta esplendida interpretando con una gran elegancia a esta mujer que se enfrenta a todo lo que la ha pasado sin dramatismo, describiendo de forma precisa hasta el mas mínimo detalle siempre con un punto de ironía, desconcertada y perpleja al principio, serena y tranquila al final cuando va asumiéndolo todo, cuando ya solo queda el dolor de sobrevivir al dolor por la perdida de los seres queridos. 
Una obra dolorosa, que afronta de forma sosegada y tranquila la muerte y lo hace de forma reparadora, un texto duro no apto para todos los públicos, magistralmente interpretado, que sin duda resulta interesante disfrutar.
"...puede parecer algo pasajero, pero no lo será cuando le suceda a ustedes... y a ustedes, les sucederá. Los detalles serán diferentes. Pero a ustedes les sucederá, y estoy aquí para contárselo...".

lunes, 16 de noviembre de 2015

NORA, 1959
El Centro Dramático Nacional en su apuesta por subir a escena textos de autores contemporáneos nos acerca ahora a una obra de Lucía Miranda Nora, 1959, que nace en los laboratorios de creación LaZonaKubik en colaboración con el laboratorio Rivas Cherif del propio CDN. 
Se trata de una adaptación libre de Casa de muñecas de Ibsen. Lucia Miranda toma a Nora y la sitúa en nuestra posguerra, es una mujer como tantas otras que vive mirando desde la ventana, y que se asoma al mundo a través de la radio, donde vive aventuras escuchando a escondidas programas policíacos. Con una mínima escenografía y una cuidada iluminación la obra se vertebra alrededor de la radio, radio desde la que nos llega la música, los seriales y las voces de las abuelas a las que les toco vivir una época muy dura donde las mujeres practicamente se pasaban la vida en casa, escuchando la radio y sin apenas capacidad de decidir nada sobre sus propias vida porque como nos recuerdan en el consultorio de Elena Francis deja que las cosas de la vida las decida tu marido o tu hermano que sabrán mejor como es la vida fuera. Suenan canciones de la época y los actores piden la colaboración de dos espectadores para que les ayuden haciendo de mirilla y de portera de la finca donde vive Nora con su familia. No hay pausa, los actores tan pronto dan vida a las voces de la radio, como repasan escenas del pasado de la protagonista, como cantan y bailan en un ir y venir continuo que no permite que te aburras. todos están estupendos especialmente Ángel Perabá (Torvald), Efrain Rodriguez el doctor Krogstad) y Laura Santos (Cristina Linde). 
Una mirada curiosa sobre nuestro pasado reciente con un tierno final escuchando en la radio las experiencias de las abuelas que vivieron la posguerra contadas por ellas mismas.
EL PUBLICO
En el Teatro de la Abadía se puede disfrutar "El público" escrita en 1930 por Federico García Lorca y que dirige de forma magistral Àlex Rigola al que sin duda le estimulan los retos (impresionantes sus montajes de 2666, El policía de las ratas, Días mejores... y tantas otras). 
El publico, nos adentra en un mundo onírico, irrepetible y perturbador donde a través de un juego de máscaras, en el que se superponen ficción y realidad, y en el que las identidades se encuentran en continua metamorfosis, persiguiendo sin cesar la Autenticidad, la Honestidad y la Libertad. 
Se trata de una obra de una gran belleza que nos adentra en la mente del autor, en un momento de crisis personal del poeta y dramaturgo, donde por un lado habla del deseo, del amor homosexual (una forma mas de amor) para reivindicar el amor como algo esencial y transformador
Estudiante 1-"¿Y si yo quiero enamorarme de un cocodrilo?
Estudiante 4-Te enamoras.
Estudiante 1-¿Y si quiero enamorarme de ti?
Estudiante 4-Te enamoras también, yo te dejo."
Por otra parte habla del teatro, del teatro bajo la arena mas pegado al autor, mas autentico y mas comprometido frente al teatro al aire libre digamos que mas superficial, convencional y también menos comprometido. 
Una sensacional forma de asomarse al extraordinaria universo de Federico García Lorca.
Desde que entras en el teatro, te reciben unos personajes sin rostro y una banda de música en directo, que te transportan a un universo onírico gracias a la maravillosa iluminación de Carlos Marquerie, la estupenda ambientación sonora de Nao Albert, el espectacular vestuario de Silvia Delagneau y por supuesto el impresionante espacio escénico que crea Max Glaenzel, una gran cortina de tiras plateadas lo rodea todo,  grandes lamparas que cuelgan del techo y una montaña de corcho que simula ser arena donde se abrirá un sepulcro. 
En cuanto al elenco están soberbios del primero al último, Nao Albert, Jesús Barranco, David Boceta, Juan Codina, Laia Duran, Irene Escolar, María Herranz, Jaime Lorente, David Luque, Pau Roca, Pep Tosar, Jorge Varandela, Nacho Vera y Guillermo Weickert,es impresionante el trabajo interpretativo que nos regalan. 
La obra es conmovedora, con momento realmente sobrecogedores como el de la canción que interpreta Nao Albert (el pastor bobo) y al que acompaña Laia Duran bailando. 
Un espectáculo redondo lleno de magia, emoción y pasión, un viaje poético que te transporta, suscribo totalmente lo que apunta Rigola en el programa de mano "me gusta el teatro por su posibilidad de NAVEGANTE: viajar, soñar, encontrar, perderme, estar dentro de algo irrepetible.". Sin duda El público nos regala un viaje sin limites, lleno de imaginación, un torrente poético bellisimo que nos acompañará mucho tiempo.
Una autentica delicia dejarse seducir por propuestas tan interesantes como esta.
El pastor bobo
El pastor bobo guarda las caretas,
las caretas
de los pordioseros y de los poetas
que matan a las gipaetas
cuando vuelan por las aguas quietas.
Careta
de los niños que usan la puñeta
y se pudren debajo de una seta.
Careta
de las águilas con muletas.
Careta de la careta
que era de yeso de Creta
y se puso de lanita color violeta
en el asesinato de Julieta.
Adivina, adivinilla, adivineta,
de un teatro sin lunetas
y de un cielo lleno de sillas
con el hueco de una careta.
Balad, balad, balad, caretas.
Los caballos se comen la seta
y se pudren bajo la veleta.
Las águilas usan la puñeta
y se llenan de fango bajo el cometa.
Y el cometa devora la gipaeta 
que rayaba el pecho del poeta.
¡Balad, balad, balad, caretas!
Europa se arranca las tetas,
Asia se queda sin lunetas
y América es un cocodrilo
que no necesita careta.
La musiquilla, la musiqueta
de las púas heridas y la limeta.

domingo, 15 de noviembre de 2015

LA CLAUSURA DEL AMOR
Una pareja se sube al ring para tener un combate a muerte con "bayoneta" para clausurar su amor en una lucha a muerte, este es el argumento de La clausura del amor obra de Pascal Rambert que el mismo dirige y que producen Buxman Producciones y Kamikaze Producciones dentro de la XXXIII edición del Festival ahora llamado de Otoño a Primavera que también la coproduce junto con el Grec 2015 Festival de Barcelona. 
La obra llena de intensidad esta compuesta por dos monólogos (no se dialoga mucho cuando se rompe), aunque si tiene algo de dialogo por que ellos no conversan pero si se escuchan, si vemos como encajan los golpes, por eso resulta mas brutal todo lo que se dicen, todo lo que se reprochan y todo lo que se gritan, pero siempre evitando incluso rozarse. 
Los dos entran en un escenario completamente vacío, un cuadrilátero donde cada uno ocupa su rincón, los dos han compartido una larga y fructífera relación personal y profesional. Él rompe el hielo y se lanza como un trueno, durante cerca de una hora desgrana sus quejas, su dolor, su rabia incluso su amor y lo hace con un lenguaje preciso y lo hace sin concesiones, sin pausas, sin concesiones, expone como se siente atrapado en una relación que para el ya esta muerta, que se ha convertido en un mausoleo y de la que solo quiere llevarse una silla de bordados rosa. Pero cuando acaba y se despide para irse, ella le detiene, es su momento, ella le ha escuchado atentamente encajando los golpes, ahora quiere responderle, ahora quiere desmontar sus argumentos y sacar su dolor, llena de pasión y de ternura desgarrada. Ella no quiere quedarse con nada material, solo con ...el momento en el que empiezan a ser nosotros, sus hijos, cuando encontraron la silla de bordados rosas, el sexo... "todo eso, ¡me lo quedo!
Los dos se sienten cargados de razones, los dos se sienten víctimas. 
Se trata de un autentico maratón interpretativo donde Israel Elejalde y Barbara Lennie están impresionantes en un combate devastador que hace saltar la relación desde los cimientos, un combate a muerte lleno de violencia dialéctica, donde la sangre de sus heridas y las lágrimas que los desgarran lo anegan todo. 
Un texto brutal y sin concesiones y unas interpretaciones brillantes y conmovedoras que te atrapa desde el primer instante, toda una experiencia teatral, una autentica gozada. 
La obra se puede disfrutar en la sala verde de los Teatros del Canal formando parte del XXXIII Festival de Otoño a Primavera entre los días 11 y 15 de noviembre, en seguida se colgó en la pagina del propio teatro el cartel de entradas agotadas, es una lastima que muchas personas se hayan quedado sin entradas mientras entre las mejores localidades de la sala (entradas que el teatro se reserva supongo que para sus compromisos) hubiera al menos cuatro localidades vacías. Mención aparte merecen los móviles sonó al menor uno y se oyó vibrar ni se sabe cuantos, ¿tan difícil es desconectarse un rato? al menos como muestra de respeto a los actores.

miércoles, 11 de noviembre de 2015

LOSERS
En el teatro Bellas Artes se está representando Losers una comedia romántica de Marta Buchaca dirigida por Guillermo Clua. La obra nos cuenta las historias de Manuel y Sandra, dos cuarentones que no tienen nada de lo que se supone que deberían tener a esa edad, pareja, hijos, casa, dinero... motivo por el que se sienten perdedores. Manuel y Sandra están solos, pero quieren dejar de estarlo. La obra se divide en dos partes, la primera donde por una parte se conocen y por otra nos cuentan como son y en que punto de su vida están. En la segunda parte están en casa de ella a punto de cumplir un año juntos y surgen problemas de convivencia y los primeros reproches. Ambas partes están perfectamente enmarcadas en una bonita y practica escenografía de Sebastià Brosa que los mismos protagonistas transforman. 
María Pujalte es Sandra, esta maravillosa dando vida a esta mujer alocada, maniática y habladora compulsiva, se mueve en la comedia como pez en el agua. Vicente Romero es Manuel, un mileurista que trabaja en una tienda de telefonía, un hombre tímido y muy tierno. Los dos se gustan al primer golpe de vista. 
Una obra llena de sarcasmo y mucho humor, repleta de situaciones un poco absurdas y estupendos diálogos que hacen que el ritmo sea muy ágil y resulte muy divertida. 
Aunque el argumento es bastante previsible, el magnifico trabajo del dúo protagonista hace que salgas con buena sensación del teatro. 
LOS CACIQUES
En una pequeña ciudad de España, un partido político y su alcalde llevan más de treinta años ejerciendo el caciquismo y la corrupción. Cuando les notifican la llegada de un inspector del gobierno para analizar sus cuentas, el alcalde, siguiendo su tendencia natural se propone comprar la voluntad del inspector. Cuando llegan al pueblo un joven y su tío, con la intención de pedir la mano de la sobrina del alcalde son confundidos con el inspector provocando todo tipo de malentendidos. Este es el argumento de Los caciques una obra de Carlos Arniches que se estreno en el teatro de la Comedia de Madrid en 1920 y que ahora se sube a las tablas del Teatro María Guerrero dirigida por Ángel Fernández Montesinos en versión de Juanjo Seoane y el propio Ángel Fernández Montesinos. 
La escenografía es un poco fría, en un escenario practicamente vacío apenas una mesa, unas sillas y un sillón, todo muy ornamentado, pero un poco huerfano, que aparecían y desaparecían, junto con los actores, en una plataforma que subía y bajaba en medio del escenario, el día que yo asistí la plataforma se estropeo, y la función acabo siendo un poco caótica, con los actores esquivando la plataforma para evitar caerse y el publico mas pendiente de si se tropezaban que de lo que pasaba en escena. De fondo aparecen proyecciones que para mi resultan totalmente prescindibles por que no aportan nada, ni a la historia, ni a la escenografía. 
El elenco está formado por Víctor Anciones, Marisol Ayuso, Juan Calot, Fernando Conde, Óscar Hernández, Alejandro Navamuel, Elena Román, Raúl Sanz y Juan Jesús Valverde, no todos están al mismo nivel, sin duda destacan Fernando Conde y Marisol Ayuso que protagonizan alguno de los mejores momentos de la representación, también están bien Alejandro Navamuel y Elena Román, la joven pareja de enamorados,  el resto están un poco sobre actuados. 
En general la obra es un poco irregular y no acaba de convencer del todo, una pena porque el tema resulta de lo mas actual y el texto tiene diálogos muy divertidos.
AL GALOPE
La sala Margarita Xirgú del teatro Español se ha transformado en un salón rojo y floreado ("me obsesiona el color rojo, hace brillar todo más, toda mi vida he perseguido el rojo perfecto") para acoger Al galope, función escrita por Mark Hampton y Mary Luise Wilson y que dirige Guido Torlonia y que protagoniza Carme Elías. Se trata de un monologo sobre la vida de Diana Vreeland, editora y columnista de moda revistas como Harper's Bazaar y Vogue. La obra nos sitúa en agosto de 1971 en el apartamento de Vreeland en Park Avenue. Ella acaba de llegar después de pasar cuatro meses viajando por Europa tras ser despedida de Vogue. Esta organizando una cena esa misma noche para unos pocos invitados entre los que espera encontrar alguno dispuesto a financiarla en su nueva aventura profesional. Sin embargo, sus amigos lo que intentan es que acepte trabajar en el Museo de Arte Metropolitan. 
Es un brillante, y corrosivo retrato de la poderosa y excentrica periodista, en el que Vreeland va rememorando algunas anécdotas y a muchos de los personajes que han desfilado por su vida, desde su matrimonio hasta el momento en el que empezó a trabajar y por supuesto el momento en el que la despidieron. Habla con su secretaria por el interfono y telefonea a sus amigos mientras prepara una cena que tiene visos de acabar siendo un fracaso. 
Carme Elías está fantástica, arrolladora, llena de elegancia y fuerza,  impresionante el poder de seducción con el que te atrapa desde el primer momento, resulta magnética, no puedes dejar de seguirla por todo el escenario. 
Una joya escénica que nos permite acercarnos a la biografía de esta original mujer, y como siempre una delicia disfrutarla en una sala pequeña, donde la escena esta tan cerca, que todo adquiere un aire intimo y entrañable.

lunes, 9 de noviembre de 2015

LECTURAS DRAMATIZADAS RUSAS (por primera vez en español)
El tercer y último ciclo de lecturas que ha formado parte del ciclo Una mirada al mundo 2015 está dedicado a Rusia y se enmarca en el contexto del ambicioso proyecto de intercambio con el Teatro del Arte de Moscú, denominado por primera vez en español. En este caso los montajes de las lecturas han contado con un poco mas de tiempo de preparación (en torno a los doce días). Se montaron tres piezas aunque yo solo pude disfrutar de dos.
LAS ILUSIONES de Ivan Vyrypaev
Dirección: Ivan Orlov
Reparto: Toni Márquez, José Luis Patiño, Celia Pérez e Irene Ruiz.
Ivan Vyryapaev
Danny llama en su lecho de muerte a su esposa Sandra, con quien a vivido 52 años, para decirle las palabras más hermosas, más importantes y más amorosas justo antes de morir. Un año después de la muerte de Danny, Sandra llama a su lecho de muerte a Albert, el mejor amigo de su fallecido marido, para decirle que durante todos estos años, estos 53 y pico años, solo lo ha amado a él y que este amor prohibido le ha dado sentido a toda su vida. Albert regresa a su casa y le confiesa a Margaret, su esposa, con quien ha vivido 54 años, que acaba de descubrir el verdadero amor, que toda su vida estuvo enamorado de su amiga Sandra y que en realidad a ella, a Margaret, nunca la amó. Entonces Margaret despechada le dice a Albert, su marido, que Danny y ella han sido amantes durante años. Pero en esta obra nada es lo que parece. Ilusiones, de Ivan Vyrypaev (Irkutsk, 1974), nos sumerge en la historia de dos parejas de octogenarios que en la recta final de su vida hacen una reflexión sobre sus vidas y se plantean si todo lo que han vivido en su matrimonio solo habrá sido una ilusión. Interesante el contraste entre las ilusiones que contiene el texto en contraposición con las piedras reales y contundentes que pueblan el escenario. 
Fantásticos los cuatro actores que nos cuentan la historia (especial mención a José Luis Patiño que esta magnifico y muy divertido especialmente en la introducción a la lectura que hace). 
Como siempre muy interesante el encuentro con el director y el resto del equipo artístico.
EL SUEÑO DE NATASHA de Yaroslava Pulinovich
Dirección: Marina Brusnikina
Reparto: Sara Illán, Helena Lanza, Carolina Lapausa, Ariana Martínez, Ruth Salas y Ana Vayón.
Todo el texto nos acerca a los sueños adolescentes que se personalizan de forma genérica en Natasha, hay tantas Natashas como adolescentes, todas con sus sueños y sus ilusiones. La lectura empieza con un monologo en el que Ana Vayón da vida a una joven adolescente rebelde y perdida que vive en un orfanato y que salta por una ventana desde un tercer piso, cuanto despierta en un hospital es entrevistada por un periodista, del que se enamora, y con el que fantasea tener un futuro mejor, provocando un trágico final. Continua con la historia de dos adolescentes que son vecinas y que van a la misma clase una Carolina Lapausa, brillante estudiante a la que su madre Ruth Salas le llena todo el tiempo de actividades (natación, música...), la otra Ariana Martínez es una joven problemática, con una madre Sara Illán se encuentra superada por la situación. Las dos jóvenes hacen un casting para presentar un programa para adolescentes en la televisión, los que afectará de forma dramática a las dos. Para terminar Helena Lanza, toda energía e ilusión, la última Natasha de la lectura, escribe una carta llena de amor y complicidad a su ídolo Dima Bilán. Somos testigos de su despertar al mundo, de sus confesiones mas intimas, de sus deseos, de sus temores, de sus sueños y de su desesperación ante situaciones que ha esa edad parecen siempre enormes. 
Las seis actrices están magnificas. 
Me pareció interesante como en la introducción las actrices implican al publico en la lectura haciéndonos recordar nuestro paso por la adolescencia a través de un dialogo informal, aunque hubiera estado bien poder disfrutar de un encuentro con el equipo artístico al finalizar la obra.
Ha sido una gran experiencia asistir a estos ciclos de lecturas dramatizadas, me han parecido muy interesantes, especialmente el ver que somos mas parecidos de lo que pensamos aunque procedamos de países muy distintos. Ojala en el futuro se repitan.

domingo, 8 de noviembre de 2015

TRES
El texto de Juan Carlos Rubio lo dirige Quino Falero y se representa en el Off del Lara. 
El argumento de Tres es sencillo: Rocío, Ángela y Carlota no se han visto en las últimas tres décadas, exactamente desde que terminaron el colegio. Amigas inseparables hasta ese momento, el devenir de sus vidas las llevó a diferentes puntos. Pero a estas alturas del partido tienen una certeza común: a punto de cumplir cincuenta están más solas que la una... Durante una larga noche intentarán encontrar solución a esa soledad y frustración latente. Y es que ninguna de ellas vio cumplido su sueño de ser madre. Demasiado tarde ya... ¿O quizá no? ¿Y si encuentran al hombre ideal? ¿Y si ese hombre las embaraza a las tres? ¿Y si forman una auténtica familia? Localizado el espécimen soñado, solo les resta plantearle la gran pregunta: "¿Te importaría prestarnos tres espermatozoides..?" 
Carmen Mayordomo, Eva Higueras y Natalie Pinot son las tres actrices que dan vida a estas tres alocadas amigas, las tres están inmensas, cada una con su estilo propio, pero las tres igual de divertidas. Carmen Mayordomo fantástica, llena de ironía dando vida a esta mujer un poco borde que aparece en la reunión irreconocible después de tantos años y después de haber perdido muchos kilos, Natalie Pinot convertida en actriz famosa, rica y bastante hortera está enorme dando vida a esta mujer bastante bruta y amante del diseño, capaz de conseguir lo que se proponga, y  Eva Higueras también estupenda en el papel de la mas inocente y bobalicona de las tres. José Sospreda  es el chico guapo, sensible e intelectual, el galán candidato a donante de espermatozoides. 
La obra es muy ágil, llena de gags muy divertidos y con un movimiento escénico muy bien adaptado al pequeño e intimo espacio, el off del Lara, donde se disfrutan de las obras muy de cerca. 
Ideal para pasar un rato muy divertido, con tres actrices maravillosas.

martes, 3 de noviembre de 2015

CUANDO DEJE DE LLOVER
Vuelve a representarse en las Naves del Matadero Cuando deje de Llover una obra del australiano Andrew Bovell que dirige Julián Fuentes Reta. La obra es una radiografía de las relaciones familiares contada a través de cuatro generaciones de la misma familia que se enfrenta a su pasado para entender su futuro. La familia se mueve entre Australia y Europa entre los años 1959 y 2039. 
El comienzo de la obra resulta curioso e intrigante, un grupo de personas pasean por el escenario con sus paraguas abiertos y lo hacen de un lado a otro cada vez mas rápido, cada vez mas nerviosos y cada vez mas confusos hasta que de repente un pescado cae del cielo. A partir de aquí nos iremos adentrando en la vida de esta familia dando continuos saltos de atrás hacia delante y de un lugar a otro para que seamos nosotros los que poco a poco desenredemos el ovillo que guarda los secretos, los amores y los odios que han llevado a cuestas. 
El publico se sitúa alrededor de la escena como si estuviera en un cuadrilátero, la delicada iluminación y la escasa escenografía, que los actores hacen aparecer y desaparecer en una danza perfectamente coreografiada, son el complemento perfecto para acompañar esta obra intensa y poética siempre acompañada por esa lluvia eterna que parece querer inundarlo todo, llenándolo de melancolía. 
Los interpretes brillan con luz propia del primero al ultimo, Cosuelo Trujillo (Elizabeth Law) solida como una roca, fuerte, arisca, y seria, Susi Sanchez (Gabrielle York) estupenda y llena de verdad que despierta ternura tan perdida, Pilar Gómez (Elizabeth joven) esta perfecta, emociona y sobrecoge a medida que avanza su historia, Ángela Villar (Gabrielle joven) desenvuelta y llena de fresca. En cuanto a la parte masculina del reparto Pepe Ocio (Henry Law) consigue dar el punto perfecto de oscuridad a su personaje, Jorge Muriel (Gabriel Law) tan lleno de pasión, estupendos también Borja Maestre (Andrew Price), Ángel Savín (Gabriel York) que abre y cierra la función, Felipe García Vélez (Joe Ryan). 
Una obra compleja, dura, e inquietante con una puesta en escena arriesgada y un elenco de lujo, una experiencia que conmueve y emociona. 
"Escucha... ha dejado de llover"
LOS NADADORES NOCTURNOS
Los nadadores nocturnos que nacieron en Fringe14 se zambullen de nuevo en la piscina esta vez en el teatro La Abadía entre los días 4 y 8 de noviembre. 
José Manuel Mora, autor de los nadadores nocturnos, obra en la que refleja dos de los temas que le obsesionan y le atraviesan, uno intimo y personal: la paternidad y otro publico y de índole política como es el terrorismo o la legitimación de la violencia para lograr el verdadero cambio social. La pieza retrata un mundo enfermo y fragmentado con "corazones rotos que viven en un contexto económico que no deja margen para la inocencia ni para el amor". 
El resultado es un texto, que con un lenguaje sencillo nos acerca a un mundo muy particular, profundamente pesimista salpicado de un humor surrealista, donde unas personas heridas, después de recibir muchos golpes, sienten que han perdido su lugar en el mundo. En su huida, vagando sin rumbo acaban reuniéndose en una piscina, por la noche, para nadar, sin apenas hablar pero sintiéndose arropados los unos por los otros. La orden de los nadadores nocturnos acoge solo a seres dañados, tocados y lastimados por el amor que se aferran a este último refugio para intentar dar sentido a sus vidas. Su líder espiritual, un hombre de avanzada edad que fue acusado de abuso sexual cuando era profesor, Markos Marín (al menos en Frige14 donde se estreno, aunque creo que después lo ha encarnado Joaquín Hinojosa que me encantó en fortune cookie) cree que en la violencia radical se encuentra la solución para la situación de desazón y desamparo en la que viven los miembros de esta peculiar secta. Entre los nadadores una chica invisible, que usa una peluca rubio platino para llamar la atención, un niño paloma, un joven acomplejado por habitar un cuerpo equivocado, una chica de buena familia que desea ser madre, hijos sin padres y padres sin hijos. Su lema "cuando oscurece siempre se necesita a alguien", que refleja fielmente su necesidad de afecto. 
El espléndido montaje que realiza Carlota Ferrer es una performance donde se mezcla danza (las coreografías son bellísimas), teatro, música e imágenes de vídeo (donde se puede disfrutar de primeros planos de los interpretes) en perfecta armonía con una iluminación muy tenue y en tonos rojos que ayuda a crear un ambiente intimo y sensual, donde todo fluye de forma armoniosa. 
El elenco lo completan Óscar de la Fuente, Miranda Gas, Esther Ortega, Alberto Velasco, Paloma Diaz, Jorge Machín con la colaboración especial de Enrico Barbaro. Magistrales todos los actores, una autentica delicia dejarse seducir por sus historias y nadar con ellos a lo mas profundo, desconocido y oscuro de cada uno. 
Un espectáculo inolvidable, estos nadadores nocturnos te tocan el alma, y provocan una marea de emociones con cada brazada.

lunes, 2 de noviembre de 2015

EN MANOS DEL ENEMIGO
En el teatro Galileo se representa En manos del enemigo obra de José Luis Alonso de Santos (Premio Nacional de Teatro 1986) que dirige Fernando Soto. 
La obra narra una historia de supervivencia, un drama humano salpicado de momentos de humor que contrastan con las duras situaciones por las que pasan las personas que salen de su país buscando una vida mejor, una mezcla agridulce para tratar un tema de total actualidad, el drama migratorio. Inspirada en un cuento corto de Máximo Gorki que hablaba de dos hombres en el mar, en manos del enemigo  cuenta el encuentro fortuito entre dos hombres Checa (Paco Manzanedo) un ruso afincado en nuestro país y Mustafá (Ahmed Younoussi) un joven recién llegado en una de tantas pateras que arriban a nuestras costas. La conversación entre ellos ira desvelando sus secretos, sus miedos, sus sueños y sus esperanzas. El elenco lo completan Miguel Barderas y Daniel Gallardo una pareja de policías bastante canallas. 
Con una sugestiva puesta en escena que nos adentra en el mar en una vieja barca, en una noche estrellada, somos testigos de como la pareja protagonista intenta sobrevivir. 
Paco Manzanedo y Ahmend Younoussi
Muy correctos los cuatro integrantes del elenco donde sin duda destaca Ahmed Younoussi conmovedor en su papel de joven inmigrante en busca de futuro mejor. 
Una obra que plantea cuestiones interesantes de total actualidad y que invita a ponerse en el lugar del otro y a reflexionar.
STOCKMANN
Se trata de una adaptación libre de Un enemigo del pueblo de Henrik Ibsen. Stockmann relata la historia de una ciudad en el que un balneario es la principal atracción turística y el motor de la economía local. El Dr. Stockmann descubre en el agua compuestos contaminantes capaces de poner en riesgo la salud de toda la población. A partir de ahí, se propone advertir a los demás acerca del peligro lo cual le llevará a sufrir un cruento enfrentamiento con todos los poderes fácticos del pueblo, que no desean que la noticia salga a la luz porque sería el fin de la próspera economía local. 
La compañía Les Antonietes Teatre, que recibe al publico con un coctel en el hall del teatro Fernán Gómez, nos ofrece una actualización de la obra donde se prescinde de muchos personajes concentrando la acción en tan solo seis, que además rompen la cuarta pared para implicarnos en lo que esta sucediendo en escena. 
Jorge Suquet, Mario Tardón y Ana Mayo
El montaje arriesgado y valiente mantiene un ritmo ágil y dinámico donde los actores realizan un trabajo preciso, fantástico Jorge Suquet con ese toque de ironía y cinismo del que dota a su personaje, maravillosa como siempre Ana Mayo, en los dos personajes que interpreta, estupenda incluso presentando las escenas micrófono en mano, genial el alcalde manipulador y mezquino que compone Mario Tardón y estupendos también Bernat Quintana, que soporta gran parte del peso de la obra y Jimena La Motta la incisiva y mordaz periodista que acaba siendo menos independiente de lo que pretende. 
Una obra que habla de la manipulación de la opinión publica, de como se esconden los intereses económicos y la codicia detrás del supuesto interés general sin importar las consecuencias, de la falta de independencia de los medios de comunicación y de la forma de actuar de políticos y empresarios para mantener su estatus. 
Bernat Quintana y Mario Tardón
Muy interesante pasearse por este balneario aunque resulte muy inquietante y perturbador pensar donde se situaría uno si tuviera que decidir. 

domingo, 1 de noviembre de 2015

EL PAN Y LA SAL, Juicio a la Memoria Histórica
"No hay historia muda. Por mucho que la quemen, por mucho que la rompan, por mucho que la mientan, la historia humana se niega a callarse la boca" Eduardo Galiano.
En el Teatro del Barrio, en el madrileño barrio de Lavapies, durante tres días se ha realizado una lectura dramatizada del texto de Raul Quiros autor de El pan y la sal, juicio a la Memoria Histórica, texto que repasa el juicio al juez Baltasar Garzón en 2012 por tratar de investigar los crímenes del franquismo tras recibir las denuncias de familiares de desaparecidos. Se trata de una lectura dramatizada que recrea los hechos como sucedieron, siguiendo la misma linea que en Ruz-Barcenas, todo lo que se recrea sucedió realmente, lo que se pretende es mostrarlo como si se tratara de un documental escénico. Andrés Lima se encarga de la dirección y un elenco de lujo formado por Nuria Espert, José Sacristán, Pepe Viyuela, Gloria Muñoz, Natalia Díaz, Victor Clavijo, Juan Margallo, Tristán Ulloa, Gonzalo de Castro, Alberto San Juan y el propio Andrés Lima, se encarga de dar voz a los protagonistas de la historia.
Quiros que trabaja en Londres en un teatro militante, con un movimiento argentino que usa el teatro para denunciar la desaparición de niños en Argentina colaborando con las Abuelas de Plaza de Mayo, al mirar la situación de España señaló "comprobé que el único proceso judicial reciente que se ha llevado a cabo en España con la dictadura de fondo es el del juez Garzón, un juicio infame por cuanto eran las víctimas las que tenían que defenderse" "pensé que en España era necesario algo similar". 

 En la obra se recogen, entre otros, el testimonio de tres familiares de desaparecidos que testificaron en el juicio y que al terminar la representación contaron su experiencia y en que punto se encuentra su búsqueda. Emilio Silva Barrera, nieto de un desaparecido que estuvo 64 años en una cuneta de Prianza del Bierzo, el primer desaparecido del franquismo identificado con ADN y que fundó la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica. María del Pino Sosa Sosa, hija de un de un desaparecido, presidenta de la Asociación de Memoria Histórica de Arucas, Canarias y que en el juicio declaró "cuando se llevaron a mi padre se llevaron el pan y la sal, mi madre estaba enferma, lo buscaba y nunca lo encontró". Josefina Musalén, miembro de la Asociación de la Memoria Histórica de Aragón y nieta de un miembro de la CNT, cuando un falangista fue a buscarlo estaba también su abuela embarazada y se los llevaron a los dos, después descubrieron que su abuela había tenido una niña sana a la que también buscan. Por último también asistió Ángel Rodríguez Gallardo, historiador y miembro de la Asociación Memoria Histórica do 36, de Ponteareas, que habló de "suspensión de la memoria" entre 1977 y 2016, es decir la de Ley de Amnistía del 77 y la Transición favorecen el olvido, el 23-F lo instala y se consolida desde 1982 hasta el siglo XXI con el nacimiento de las asociaciones de memoria y la aprobación de la Ley de Memoria Histórica -ley que hoy está sin dotación presupuestaria y, por tanto muerta-. Ángel Rodríguez declaró que con sus investigaciones descubrió que "hubo un plan sistemico para eliminar a los altos cargos de la República". Si es así, hay que hablar de genocidio, delito que no prescribe.
Lo que parece evidente es que tantos años después de terminar la dictadura franquista es vergonzoso que en ningún momento se haya establecido una comisión para que las víctimas tengan acceso a la Verdad, Reparación y Justicia a la que tienen derecho, como ya instó al Gobierno el grupo de Naciones Unidas sobre desapariciones forzadas, ni se hayan hecho publicos los archivos para que los historiadores puedan investigar el verdadero alcance de lo que sucedió. Algo debería hacerse, aunque solo sea para dejar de ostentar el dudoso honor de ser, con mas de 114.000 desaparecidos y mas de 2000 fosas comunes, el segundo país del mundo, solo superado por Camboya y el terrible régimen de los Jemeres Rojos, con mayor numero de víctimas de desapariciones forzadas cuyos restos no han sido recuperados ni identificados. (interesante articulo de Amnistia Internacional El acceso a verdad, justicia y reparación para las víctinas de la Guerra Civil y el franquismo sigue siendo una carrera de obstaculos)
Si queremos que realmente se cierren las heridas que tantas personas llevan abiertas desde hace tanto tiempo tendremos que por fin pararnos y hacer Memoria, indispensable para poder hacer Justicia, porque como dijo el filosofo, ensayista y poeta George Santayana "Aquellos que no recuerdan el pasado están condenados a repetirlo".